Ritual de lo Habitual

2009-03-11T16:27:00.001+01:00

Ritualpedia II -P-

The Police comienza su historia en Londres, en 1976. En la capital británica se unieron tres jóvenes músicos: el guitarrista francés Henry Padovani, Sting (que tocaba el contrabajo en un modesto grupo de jazz) y Stewart Copeland.
The Police comienza subiéndose al carro del 'punk', de moda en aquella época, pera tanto Sting como Stewart odiaban la falta de calidad de aquel movimiento. Para mejorar en su propio estilo contratan a un conocido guitarrista, Andy Summers
Su siguiente paso hacia el estrellato lo dieron al teñirse el pelo de rubio para un anuncio de chicles. Aquel sería su look durante varios años.
Poco después The Police sacan su primer gran éxito, 'Roxanne', una desesperada canción de amor a una prostituta, un tema que fue censurado en todas las emisoras de habla inglesa, al igual que su siguiente tema, 'Can't Stand Losing You'.
En 1978 publican su primer álbum, 'Outlandos D'Amour', que se convirtió en un gran éxito de ventas. En este disco se mezclaban aires de jazz, reggae y rock.
Al año siguiente sacan su segundo disco, 'Regatta De Blanc', tras el que inician su primera gran gira. Un año después editan 'Zenyatta Mondatta', un disco que hicieron a disgusto y por presiones de la compañía, a pesar de que contenía algún tema de calidad.
En 1981 The Police publican 'Ghost In The Machine' y en 1983 'Sinchronicity', su último disco y que contenía el mayor éxito de la banda, 'Every Breath You Take'. Este disco fue grabado en Canadá y fue número uno en Inglaterra y en Estados Unidos durante 17 semanas, consiguiendo tres premios Grammy.
Después de este último disco los componentes del grupo se han ido alejando paulatinamente. El que mejor parado ha salido ha sido Sting, quien ha participado en varias películas y ha continuado su carrera musical en solitario con la publicación de varios discos, uno de ellos en español. El resto de los miembros de Police se han ido integrando en otras bandas o trabajando en solitario en ocasiones.
Proseguimos…

Pixies son un grupo proveniente de la ciudad de Boston, Estados Unidos y formado en 1985. El grupo se desintegró en 1993 en circunstancias muy tensas pero se reunieron en 2004. El grupo ha estado conformado desde su creación por Black Francis, Joey Santiago, Kim Deal y Dave Lovering. Si bien Pixies sólo pudo conseguir un muy modesto éxito en su país, alcanzaron mucho mayor reconocimiento en Europa, en especial en el Reino Unido, a pesar de que ninguno de sus álbumes fue un éxito comercial.
La música de Pixies está fuertemente influída por el punk y el surf rock. A pesar de que su estilo es muy melódico, son capaces de ser tremendamente cáusticos. Esto se ve reflejado en las letras que Francis, el cantante y escritor principal del grupo, que interpreta con un estilo de voz desesperado. Los temas de sus letras suelen ser girar sobre temas misteriosos, como el fenómeno OVNI o el surrealismo. También, las referencias a temas como la inestabilidad mental, imágenes violentas tomadas de la Biblia, el incesto o daños físicos, son muy frecuentes en las letras de la banda.
Al grupo frecuentemente se le ve como el antecesor inmediato del boom del rock alternativo de principios de la década de los 90, a pesar de que su disolución se dio antes de que pudieran cosechar algún beneficio que eso pudiera haberles dado. Kurt Cobain, fan confeso de Pixies, reconocería la gran influencia que el grupo ejercería en Nirvana, al igual que otros grupos de rock alternativo. Esto aseguraría el legado de Pixies y provocaría que su influencia fuera creciendo sustancialmente en los años posteriores a su separación.
Al igual que ocurrió con otros grupos de Noise Pop, su personal estilo ejerció gran influencia sobre muchas de las bandas de rock de la escena grunge y alternativa de principios de la década de 1990, especialmente sobre Nirvana y Weezer, quienes popularizaron su particular uso de melodías suaves durante las estrofas y explosiones, gritos y guitarras distorsionadas durante los estribillos. Fueron de gran influencia para todas las bandas que posteriormente incluirían el noise en canciones de estructura pop al igual que ellos.

2009-03-11T16:24:00.001+01:00

Ritualpedia II -O-

O'funkillo fue un grupo musical sevillano de funky ("Funky andaluz embrutessío" según los propios miembros del grupo). Su nombre proviene de mezclar la expresión sevillana "ojú killo" con funk, principal estilo de la banda. Aparte del funk, O'funk'illo cuenta con una gran variedad de estilos en sus composiciones, desde el metal al flamenco y el reggae.
Biografía
Los comienzos de O'funk'illo se remontan al año 1997, cuando actuaban bajo el nombre de Motherfunkers, principalmente haciendo versiones. El grupo obtuvo buena acogida, y decidieron empezar a componer con el actual nombre de O'funk'illo. Con el tiempo, el grupo consolidó su éxito, formando parte obligatoria del cartel de varios festivales de música de importancia, como el Viña Rock o el Espárrago Rock y multitud de conciertos en solitario por toda España. Su último trabajo tuvo una especial acogida, tanto en el público, como en los medios, obteniendo el premio a mejor álbum/grupo de rock alternativo en los premios de la música 2006, que subió a recoger Andreas Lutz, front-man del grupo, vocalista de marcada personalidad, siempre cantando en "andalú" e incluyendo la jerga sevillana en sus letras, fundador del sello independiente ARTELOJAZZ PRODUCCIONES CREATIVAS, con el que lanzó a Vikingo M.D., ex cantante de Narco, colaborador habitual en los discos de O'Funkiillo. Los fans del grupo se autodenominan funkáticos, la relación del grupo con sus fans siempre fue muy estrecha, creando una verdadera comuna que los seguía por toda la geografía en los cientos de conciertos que ha dado el grupo sevillano, el cual se identifica precisamente por estos. En los directos, el grupo imprimía fuerza, guassa, e intención en su música, conformando un show que dirigía Andreas, acompañado por Pepe Bao al bajo y Javi Marciano a la guitarra. Sus fans lo calificaban como "el show con más poca vergüenza de la historia". Además de producir sus dos últimos discos, O'funkillo fueron productores y promotores del grupo Las Niñas, cuyas componentes AuroraPower, mujer de Andreas Lutz, y Vicky G. Luna, fueron corista de O'funk'illo durante sus primeras giras. Finalmente, en febrero de 2006, por discrepancias entre los miembros de la banda, Andreas abandona la banda. Al ser co-propietario de los derechos de imagen del grupo, el nombre de O'funkillo no puede seguir utilizándose y se disuelve oficialmente. A pesar de esto, el resto de componentes deciden seguir girando bajo el nombre de "P'al Keli: tributo a O'Funkillo". Realizan tours por la geografía española desde 2006 hasta 2008 con diversos vocalistas. Pero no editan más discos.Actualmente Javi Lynch Marssiano y Pepe Bao han fundado un nuevo proyecto,Cusha!,una nueva agrupacion que completa Yutah,musico canario afincado en Madrid y Joaquìn Migallon a la bateria,el que tambien fuera miembro fundador de O'funk'illo y que abandono a este tras la grabacion de su primer disco.Aunque Cusha no tienen nada editado hasta el momento,se le augura un buen futuro si tenemos encuenta que en su my space han logrado captar mas de 30.000 visitas en menos de un mes,creando asi un nuevo fenomeno de fans,los que se hacen llamar Cusheros.
Componentes
Andreas Lutz (vocalista)
Javi Marssiano (guitarra)
Pepe Bao (bajo)
Discografía
O'funk'illo (2000). Producido por Nigel Walker.
En el Planeta Aseituna (2003). Producido por O'funk'illo.
No te cabe na' (2005). Producido por O'funk'illo.

OK Computer es el tercer álbum de estudio del grupo musical británico de rock alternativo Radiohead lanzado en 1997. Fue editado inicialmente el 16 de junio de 1997 en el Reino Unido por medio de la compañía discográfica Parlophone siendo el tercer álbum de material inédito de la banda y les sirvió para continuar a su críticamente aclamado The Bends de 1995.La grabación se llevó a cabo en julio de 1996 en Didcot, Oxfordshire y continuaron entre septiembre del mismo año y marzo de 1997 en Bath (ambas localidades de Inglaterra) bajo la producción de Nigel Godrich y Radiohead. OK Computer toca temáticas referentes a la alienación tecnológica y los espacios urbanos, los efectos de la tecnología en los seres humanos, la neurosis, el abandono, el nihilismo, la ira, las relaciones impersonales y la incapacidad de comprender el mundo. De acuerdo al cantante Thom Yorke, representó un cambio en su estilo de escribir las letras de las canciones, lejos de las preocupaciones personales de Pablo Honey y The Bends.
El álbum fue un éxito comercial del cual salieron los sencillos "Paranoid Android", "Karma Police" y "No Surprises", lo que se tradujo en un enorme crecimiento de la popularidad del grupo a nivel mundial y marcó el ingreso de Radiohead en el mercado estadounidense, donde debutó en la 21ª posición. Debido a su inesperada popularidad, se convirtió en el último álbum de Radiohead con lanzamiento diferido fuera del Reino Unido. Hasta enero de 2007, OK Computer ha sido certificado con doble disco de platino en Estados Unidos y triple disco de platino en el Reino Unido. De igual forma es aclamado por la crítica musical, usualmente citado como el mejor trabajo de la banda y como punto de referencia musical de los años 1990. En 1998 recibió un premio Grammy como Mejor Álbum de Música Alternativa, además de recibir una nominación a Mejor Álbum del Año. Aunque fue clave para poner al grupo británico al frente del movimiento rock, es apartado de los estilos populares del britpop y del rock alternativo de ese momento exponiéndose como un trabajo preliminar para los siguientes álbumes, los cuales fueron más abstractos. En el 2003 fue colocado en el puesto #162 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista estadounidense Rolling Stone

Antecedentes
De acuerdo al bajista Colin Greenwood, "el único concepto que teníamos para este álbum era que queríamos grabarlo fuera de la ciudad, y esperabamos grabarlo por nuestra propia cuenta." The Bends había sido un éxito, por lo que la compañía discográfica Parlophone les permitió la libertad de trabajar con el ingeniero de sonido Nigel Godrich. Aunque Godrich era menor que cualquiera de los miembros del grupo, y virtualmente desconocido, asistió a John Leckie en The Bends y además ya había producido varios lados-b de Radiohead, así como el sencillo promocional de 1995, "Lucky".
"Paranoid Android", "Karma Police" y "No Surprises" fueron lanzadas como sencillos. La edición editada en el Reino Unido de cada uno de los sencillos fue lanzado en dos partes (CD), de los cuales cada uno contenía diferentes lados-b. "Airbag" no fue lanzado como sencillo, sin embargo fue lanzada como la primera canción del EP Airbag/How Am I Driving?, una compilación de algunos lados-b de OK Computer, lanzada en 1998.
"Let Down", "Lucky" y "Climbing Up the Walls" fueron lanzadas como sencillos promocionales o como sencillos de edición limitada. El lanzamiento del sencillo "Lucky" apareció casi dos años antes que el resto del álbum, y fue originalmente grabada en 1995 para The Help Album, una compilación de caridad para la fundación War Child. "Let Down" fue planeado originalmente como el sencillo sucesivo a "Paranoid Android". Fue reemplazado por "Karma Police", cuando el vídeo musical creado para "Let Down" fue estimado como insatisfactorio; la canción, sin embargo, fue lanzada como sencillo promocional para estaciones de radios en algunos países. El sencillo promocional de "Climbing Up the Walls" presenta remixes de la canción creados por Zero 7 y Filla Brazillia.

En la industria musical, un one-hit wonder (en español: maravilla de un éxito) es un artista que generalmente es conocido por un sólo sencillo exitoso.
Ya que los one-hit wonder son populares durante un periodo corto, sus éxitos suelen tener gran valor nostálgico, y suelen aparecer en recopilaciones de épocas y en bandas sonoras.
Los éxitos de muchos one-hit wonder son, hasta cierto punto, efímeros a propósito, grabadas por razones humorísticas o para aprovechar una novedad en la cultura popular. Los ejemplos incluyen Disco Duck ("Pato Disco") de Rick Dees, relacionado a la locura disco a fines de los años setenta, y Pac-Man Fever (Fiebre Pac-Man) de Buckner & Garcia, relacionado con el juego de Arcade "Pac-Man". Pero comúnmente, los one-hit wonder son músicos serios que se esfuerzan en continuar con su éxito cuando su popularidad decae. Algunos artistas han tenido sólo un éxito debido a una muerte prematura, como Minnie Riperton y Blind Melon.
Los one-hit wonder son comunes en cualquier época de la música pop, pero son más comunes de dentro de periodos de géneros musicales que no duran más que unos pocos años, como el disco y new wave.
A pesar de que el término se usa a veces de forma despectiva, los fanáticos suelen tener gran pasión por estas canciones memorables y los artistas que los crearon. Algunos de estos artistas han adoptado a estos seguidores abiertamente, mientras que otros se distancian de su tema de éxito intentando realizar canciones de éxito con sonido diferente; o inician carrera como escritores (como Linda Perry de 4 Non Blondes) o productores discográficos (como Gerardo).
Un asunto de definiciones
La mayoría de los miembros de la industria musical estadounidense consideran una canción dentro de los primeros cuarenta de la lista de los Billboard Hot 100 como un éxito. Por lo tanto, cualquier intérprete que sólo haya grabado una canción con estas características es, técnicamente, un one-hit wonder. Sin embargo, el término se aplica de manera general a cualquier artista que es conocido por una sola canción, razón por la cual artistas que cumplen el criterio anterior pueden no ser considerados one-hit wonders, mientras otros que no lo cumplen pueden ser vistos de esa manera.
En el Reino Unido, el término one-hit wonder es usado para describir a un solista o banda que sólo tiene un éxito en los primeros 20 de UK Singles Chart, mientras todas sus demás canciones nunca se colocaron por arriba del número 21. Ésta es, obviamente, una definición mucho más restrictiva que la usada en Estados Unidos o en cualquier otra parte del mundo.
Hay otros criterios que se consideran al evaluar el estatus de un artista como one-hit wonder:
Jimi Hendrix, Frank Zappa, Lou Reed, Radiohead, Janis Joplin, The Grateful Dead, Iggy Pop, Beck y Korn todos tienen sólo un éxito en los 40 primeros de Billboard, pero muy rara vez, por no decir nunca, son considerados como one-hit wonders. En estos casos otros criterios son tomados en cuenta para evaluar su éxito: las ventas de álbumes y de conciertos, la opinión de la crítica, la gran fidelidad de sus fanáticos o por su influencia sobre otros músicos.
Lo mismo aplica a la inversa, grupos dirigidos por solistas bien conocidos no suelen ser llamados one-hit wonders. El éxito "Layla" de Derek & the Dominoes es asociado con el líder del grupo Eric Clapton, quien ha tenido considerable éxito antes y después de la existencia de Derek & the Dominoes.
Intérpretes que han tenido un éxito consistente en algún lugar del mundo pero que sólo son conocidos por una canción fuera de ese lugar suelen ser considerados one-hit wonders al paso del tiempo. Nena de Alemania, Frankie goes to Hollywood de Reino Unido y Crash test dummies de Canadá tuvieron un éxito considerable en sus países de origen, pero son considerados one-hit wonders en Estados Unidos, y Nena y Crash Test Dummies son igualmente one-hit wonders en el Reino Unido.
Artistas que son exitosos en un género pero que sólo han producido un éxito fuera del mismo suelen ser considerados one-hit wonders por el público en general, pero no por los fanáticos del género al que pertenecen. La cantante de música celta Loreena McKennitt, la banda de rock cristiano Jars of Clay, y el cantante de country Billy Ray Cyrus son ejemplos de esto, todos son populares en sus respectivos géneros pero son conocidos por el público general por una sola canción.
Los artistas que tienen más de un éxito por arriba de los primeros 40 son a veces considerados one-hit wonders si una de sus canciones opaca importantemente el resto de su repertorio. "Take on me" del grupo A-ha se colocó en los primeros 10 de la lista de VH1 de los 100 Greatest One-hit Wonders a pesar de que el grupo tiene dos canciones en el Top 20 de Billboard "Take on me"

2009-02-16T08:23:00.001+01:00

RITUALPEDIA II -N-

NASHVILLE

Nashville es la capital del estado de Tennessee, y se la conoce como “Music City USA" y como la capital de la música Country. Todo comenzó con la aparición de la radio. La música que se hacía en un determinado lugar podía escucharse en la otra esquina de la nación, y en 1925 una pequeña emisora comenzó a emitir música folk en directo (como todo el mundo sabe, basada en las canciones escocesas e irlandesas traídas por los inmigrantes dos siglos antes) y también las canciones que sonaban en los bailes que se celebraban por aquel entonces, normalmente en establos. El espacio se emitía los sábados por la noche, y tras él comenzaba un programa de música clásica llamado “Grand Opera”. No me preguntéis por el juego de palabras, pero al programa se le comenzó a llamar “The Grand Ole Opry”, y continúa hasta nuestros días; de hecho, tocar en el programa es la consagración necesaria para cualquier músico country con algo que decir.

Esta música se volvió en muy poco tiempo inmensamente popular en todo EEUU, y músicos de todas partes del país se dirigieron a Nashville con la esperanza de poder tocar en vivo en el programa y hacerse un nombre como músico folk. La industria discográfica comenzó a ver el incipiente negocio y tanto pequeños como grandes sellos abrieron alguna oficina o estudio en la ciudad, hasta el día de hoy.

El único “pero” es que (sobre todo en los años 70 y 80, ahora ya no tanto) la música allí facturada ha acabado siendo la más comercial, y anclada en la tradición más cerrada; los que pensáis que la música Country es aburrida seguramente lo hagáis por discos grabados allí, y muchos de los músicos rebeldes y con afán de introducir nuevos aires en la música Country han tenido que grabar sus canciones en otros lugares. Pero esos tiempos tan encorsetados ya han pasado, y Nashville tiene grandes cosas que ofrecer no solo al fan del Country, sino de la música en general.

NUSRAT FATEH ALÍ KAHN

El Bob Marley de Pakistán. El Elvis de Asia. Así ha llegado a llamarse a Nusrat Fateh Ali Kahn, nacido en 1948 y fallecido en 1997, quien es considerado como el mejor Qawwal que ha existido nunca. Qawwal es aquel que canta música Qawwali, música tradicional pakistaní de la rama religiosa sufí. Nusrat perteneció a una familia que lleva más de 600 años dedicada a este canto. Aunque su padre quería al principio que se dedicara a otra cosa, por considerar que los Qawwal no tienen una posición social muy alta, el entusiasmo que vió en su hijo por la música hizo que, afortunadamente para nosotros, lo entrenara para el canto. A la muerte de su padre, Nusrat se hizo cargo del party de la familia, que es así como se llama al conjunto de músicos que acompañan al Qawwal. Éste se compone de percusiones (tabla y dholak, y también las palmas), harmonium y cantantes secundarios, que acompañan al cantante principal en canciones que suelen durar unos 20 minutos, habitualmente.

Nusrat, partiendo de una forma de interpretar el Qawwali tradicional, introdujo innovaciones tanto en la parte vocal como en la estructura de las canciones, que lo acercaron a la juventud india y pakistaní, lo que lo convirtió en un fenómeno de masas; en Occidente se dio a conocer gracias a su colaboración en la banda sonora de “La Última Tentación De Cristo”, de Peter Gabriel, que lo fichó para su sello Real World, donde editó varios discos. Los dos más accesibles los produjo el guitarrista Michael Brook, los estupendos “Mustt Mustt” y “Night Song”; del primero, Massive Attack hizo una increíble remezcla de la canción que daba título al disco, lo que le dio fama internacional. Colaboró en dos temas con Eddie Vedder en la banda sonora de “Dead Man Walking”, quien afirma que hay un antes y un después al trabajar con Nusrat ; también en la de “Asesinos Natos”, de nuevo junto a Peter Gabriel, pero no quedó contento con el resultado porque la película se alejaba totalmente de sus principios morales. No dejó de girar por Europa en varios festivales Womad y giras en solitario, lo que propagó aún más su música y su talento.

Aún está por publicar su trabajo con el productor Rick Rubin; también los Red Hot Chili Peppers hicieron una canción dedicada a Nusrat que no ha salido aún a la luz. Jeff Buckley lo versionó en su directo “Live At Sin-é”, donde declara “He´s my Elvis”. Las bandas más jóvenes han añadido electrónica a la voz de Nusrat con magníficos resultados, en los discos “Star Rise”, con Asian Dub Foundation, Nitin Shawney o Talvin Sigh, y “Dub Qawwali”, del productor Gaudi… Tantos grandes artistas no pueden estar equivocados, señores: introdúzcanse sin reparos en la mesmerizante voz de uno de los mejores cantantes del siglo XX: Nusrat Fateh Alí Khan.

KATE NASH

Tenemos aquí a una londinense con una historia bastante similar a la de Lily Allen en lo referente a su andadura musical. De pequeña estudió piano y guitarra. Ya mayorcita, se cayó por unas escaleras y se rompió un pié. Durante la convalecencia, su madre le compró una guitarra eléctrica y comenzó a componer, y al restablecerse comenzó a mostrar en público sus canciones en varias actuaciones en pequeños locales. Aquí comienzan las similitudes: La chica cuelga sus canciones en su My Space y la gente comienza a interesarse por ella. Graba un single en vinilo en el prestigioso sello independiente Moshi Moshi (donde ha comenzado gente como Hot Chip), que tiene que volver a prensarse por la demanda que surge; y Paul Epworth se ofrece a producirle su segundo single, “Foundations”, que llega al nº 2 en las listas británicas, y su primer disco, “Made Of Bricks”. El disco recibe críticas de todo tipo (es un primer disco y tiene sus lógicos altibajos), pero llega al nº 1 en las listas y al disco de platino. También ha colaborado con raperos provenientes del hip-hop y del grime.

Y musicalmente, ¿qué nos ofrece Kate Nash? Pues también se puede establecer paralelismos con la Allen, aunque tira más de la electrónica, y sus composiciones son un poco más maduras y tratan temas más serios; pero lo que sí es cierto es que estamos ante un trabajo que aúna diversión, comercialidad e incluso algunos destellos de experimentación con la música pop, huyendo de las típicas canciones ñoñas, y con ganas de perdurar, no de ser un nuevo hype de usar y tirar.

Su próximo disco está previsto para mediados de este verano, y pretende combinar las influencias que Nash reconoce como más marcadas, The Supremes y The Shangri-Las, con un sonido más influenciado por el punk que el de su primer disco.

2009-02-14T16:53:00.000+01:00

Lunes 16 Febrero 2009

2009-01-29T21:08:00.000+01:00

Ritualpedia II -M-

Marley, Bob
Robert Nesta Marley (n. Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica, 6 de febrero de 1945 - m. Miami, 11 de mayo de 1981), mejor conocido como Bob Marley,
Bob fue creciendo en la calle, junto con otros chicos de la misma condición, en especial en compañia de Bunny, con el que comenzó a tocar latas, cajones de madera, tablas de lavar y guitarras improvisadas en casa. El sonido que intentaban imitar era el de las canciones radiadas por las emisoras del sur de Estados Unidos, que conseguían captar en sus radios, y en las que sonaban artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton y Fats Domino, además de grupos como The Drifters, que eran muy populares en Jamaica.
Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967.
Entre los sucesos destacables en la vida del músico jamaicano contaros el sucedido el 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos, aunque se baraja la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada, dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica. Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo, pero esto os dará una idea de lo politizado de su música y de la influencia del rasta en las incipientes manifestaciones de la gente de color en USA.
Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres singles - "Waiting In Vain", "Exodus" y "Jamming’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos singles: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". Y, como entenderéis no podemos hablar ni de todos sus discos, ni de todos sus éxitos.
Hasta el día que Marley falleció, de un cáncer que se le reprodujo tras una herida que se causo jugando al futbol en una de sus rodillas, practicó la doctrina Rastafari, cuyos seguidores, o rastafarr como se conocen en ese idioma, traducido como rastas y que no portan necesariamente dreadlocks (peinado característico), creen que Haile Selassie, el último emperador de Etiopía, es un enviado de Dios, una especie de mesías viviente que liberará a la gente del mundo de ascendencia africana , conduciéndolos a una tierra prometida llena de emancipación y justicia divina.

Mendocino, the Sir Douglas Quintet Apr 1969
Mendocino, es el tema que da nombre al Segundo disco del grupo Sir Douglas Quintet, publicado en 1969. Tanto este tema, como “She’s About a Mover”, incluido en el mismo trabajo, suponen grandes éxitos en las listas de ventas de finales de los 60. Mendocino es, además, considerado el tema más perfecto de los de San Antonio, Texas.
De los Sir Douglas Quintet, os diré que es considerada la banda más influyente del Tex-Mex en la historia de este peculiar estilo musical. Esta banda es de reconocida reputación dadas sus raíces musicales, pero además, de ella surgió una de las mayores estrellas de culto, Doug Sahm. El quinteto mezclaba country, blues, jazz, R&B, Mexican conjunto/norteño music, Cajun dances, British Invasion rock & roll, garage rock, y sonido psicodélico, y todo ello desde la perspectiva de un grupo de Texas, os podéis imaginar el resultado. Aunque esta banda no obtuvo reconocimiento musical, sobre todo en la época en la que vivían, la de los 60, aún hoy son fuente de inspiración en la música tejana, sobre todo de la escena mex de Austin. Tras su disolución Sahm se embarcó en una fascinante carrera en solitario y se siguió reuniendo con alguno de los miembros del quinteto a lo largo de toda su vida musical.
Dice la leyenda, de los Sir Douglas Quintet, que fueron una banda creada desde la idea del productor de Houston, Huey P. Meaux, el que durante la invasión de la música británica se encerró en una habitación de hotel con varios discos de los Beatles y varias botellas de vino, y después de pillarse una buena melopea descubrió que la frecuencia de los temas del Cajun Dance, se correspondía con la de los ritmos llegados desde Europa, por lo que podría engañar a los aficionados a los Beatles y venderles así la música de una banda local.

2009-01-29T21:06:00.002+01:00

Ritualpedia II -L-

L. A. Woman
Sexto y último álbum de estudio de la banda estadounidense The Doors.
Editado en abril de 1971 fue el último disco que grabó el cantante Jim Morrison, que murió tres meses después en París. En el 2003, la revista Rolling Stone lo califico en el número 362, en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos
El álbum rompió con todos los trabajos anteriores de la banda, que si bien tenían influencias directas del blues, con este registraron un disco casi exclusivo a este estilo.
La grabación del álbum fue un tanto tensa, las relaciones entre los miembros de la banda, en parte por el carácter de Morrison, estaban un tanto deterioradas. El productor de todos sus discos, Paul A. Rothchild, se negó a producir el disco después de escucharlo. A pesar de esto, los Doors no se echaron hacia atrás y lo produjeron ellos mismos junto al ingeniero de sonido Bruce Botnick.
El disco fue grabado entre septiembre de 1970 y febrero de 1971 en el local de ensayos de la banda, que fue transformado en estudio provisional.
Como en todos los álbumes de The Doors, la lírica tiene un papel muy importante, y este disco no es la excepción. En él encontramos la despedida de Morrison a su querida ciudad, Los Angeles ya que al poco tiempo viajó a París para no volver jamás.

L7
Banda de rock de los Ángeles. El grupo se formó en 1985. En un periodo de tres años grabaron su álbum de debut para Epitaph, telonearon en una gira a Bad Religion. En 1990 editan uno de los discos más impactantes e importantes del movimiento Sub Pop, Smell the Magic, y en 1992 Bricks Are Heavy, que supuso el primer éxito del grupo con la canción "Pretend We're Dead" (Fingir que estamos muertos).
L7, en 1988 llevaron al rock más allá de sus límites con un húmedo debut discográfico que fusionaba la cruda vitalidad del punk con riffs electrificantes y salvajes. Con su humor, sus melodías y las guitarras al máximo de volumen, ayudaron a revitalizar el género, (y el sello Sub Pop).
Los lectores de Rolling Stone, eligieron el álbum que L7 editado en 1992, "Bricks are heavy " ( producido por el entonces famoso productor grunge, Butch Vig) como uno de los 150 discos indispensables para entender la década de los 90.
En 1994, L7 editan Hungry For Stink, son cabezas de cartel del Lollapalooza de ese año y participan en el Warped Tour. En 1995 su canción "Shitlist" forma parte de la película de Oliver Stone Natural Born Killers. Dos años después editan The Beauty Process: Triple Platinum
En 1999, con la salida del grupo de la bajista Gail Greenwood, L7 grabaron Slap-Happy, su último album hasta la fecha. El grupo ha producido la mayor parte de este álbum para dejar la parte de las mezclas a Tom Rothrock y Rob Schnapf (Beck, Foo Fighters, Elliott Smith), así como a su amigo y antiguo colaborador Joe Barresi (Melvins, Rage Against the Machine, Queens of the Stone Age...). Con Slap-Happy, L7 abren una nueva etapa en su carrera donde empiezan a controlar todos los aspectos de su producción. Han montado un sello llamado, Wax Tadpole Records, y controlan todo el proceso, desde como sonara el disco a la portada, desde la promoción al marketing.

James Todd Smith III (nacido el 14 de enero de 1968) es un cantante de rap americano mejor conocido por su nombre artístico LL Cool J ("Ladies Love Cool James"). De entre sus méritos, destacamos que fue el primer artista de rap en conseguir seis discos platinos consecutivos y seis singles de oro.
Tras una infancia realmente difícil, ya que sus padres se separaron y su padre incluso llegó a tirotear a su madre, LL encontró en la música una vía de escape a sus problemas. A los 13 ya había hecho su primera grabación de estudio.
LL Cool J firmó por Def Jam en 1984 y grabó el éxito I Need A Beat. La canción era el primer éxito de Def Jam y ese mismo éxito persuadió al joven artista a dejar los estudios cuando aún no había terminado de grabar el álbum Radio, en 1985. El álbum fue muy aclamado y LL se convirtió en el pionero de lo que sería el pop-rap. "I Can't Live Without My Radio" y "Rock the Bells" fueron los singles que ayudaron al disco a ser platino muy pronto. En 1987, editó Bigger and Deffer que incluía la balada "I Need Love", fue una de las primeras canciones pop-rap en convertirse en un éxito. Aunque la crítica se dedicó más bien a ridiculizar su nuevo estilo.
Impaciente por recuperar credibilidad, sacó su nuevo álbum Mama Said Knock You Out, en 1990, del que se vendió más de dos millones de copias. El disco tuvo tres singles exitosos, The Boomin' System, Around the Way Girl y Mama Said Knock You Out, este último producido por el respetado Marley Marl.
Tras actuar en varias películas y series de televisión, lanza "Mr Smith" en 1995, un disco que llegaría a ser doble platino.
En 1996, LL también ayudó a lanzar una línea de ropa llamada FUBU. El nombre quiere decir: For Us, By Us, y se refiere a que la ropa fue hecha por gente negra para gente negra.
Después del doble platino Mr. Smith, LL no ha sido capaz de recuperar el mismo nivel de éxito monetario. En 2000, grabó G.O.A.T., que quiere decir "Greatest Of All Time". Aunque no vendió lo mismo que otros trabajos, alcanzó el número 1 en Billboard 200.
En 2002, con el álbum 10, consiguió éxito con dos singles. También colaboró en el éxito All I Have de Jennifer López, en 2003. The DEFinition, de 2004, también tuvo dos singles de relativo éxito.
El 11 de abril de 2006, LL Cool J regresó con su nuevo álbum Todd Smith, en el que colaboraron artistas como Juelz Santana, Teairra Mari y Freeway. El primer single fue producido por Jermaine Dupri y se tituló "Control Myself", junto a Jennifer López.
Su vuelta se produjo en septiembre de 2008, con Exit 13, que será su último álbum con Def Jam.

2009-01-29T21:04:00.001+01:00

Ritualpedia II, -K-

KORA

Comenzamos hablando de un instrumento muy peculiar, del que ya encontramos constancia escrita de su existencia a principios del siglo XIX, pero cuyos orígenes se remontan al siglo XVI. Se trata de una calabaza cortada por la mitad y cubierta por piel de vaca, sujeta por un aro de metal, y con un agujero donde se coloca el mástil de madera, en el que van tensadas las 21 cuerdas de las que dispone el instrumento. Son tañidas con los dedos pulgar e índice de cada mano. El aro es móvil, y permite afinar la kora en 4 posibles escalas, de 7 notas cada una. La primera impresión que da el instrumento al verlo es que se trata de una especie de arpa africana, pero quizá esté más relacionada con la guitarra española o incluso el laúd.

Este instrumento se toca en Guinea, Senegal, Malí y sobre todo, Gambia. Quienes lo tocan pertenecen a las familias Griot, que son las encargadas de conservar, mediante la tradición oral, la historia de sus pueblos, y se les llama Jali, que viene a significar algo así como trovador.

Uno de los mejores intérpretes de kora es el malí Toumani Diabaté, que participó en el disco Shongai, de Ketama, de 1988, un experimento que funcionó a las mil maravillas, y es una estupenda forma de introducirse en el dulce sonido de este instrumento.

KONONO Nº 1

Nos vamos ahora al Congo, para hablar de una banda formada por Mawangu Mingiedi, virtuoso del likembé (o piano de pulgar, instrumento hecho de varias láminas de metal colocadas sobre una caja de resonancia), hace ya más de 25 años en Kinshasa. Konono Nº 1 sería una más de las bandas que tocan música espiritual de la etnia Bazombo si no fuera porque, para conseguir que sus likembés se escucharan a mayor volumen, a Mingiedi, que fue camionero y mecánico, se le ocurrió amplificarlos con micrófonos y amplificadores hechos con imanes de alternadores de coches, alimentados con las baterías de los mismos. El resultado es que su sonido surge de estos amplificadores completamente distorsionado y saturado, de forma que suenan como una especie de Velvet Underground africana; y su música, de largos y mántricos desarrollos, gusta por igual a fans del techno y el trance como del rock experimental. Los medios especializados (Mojo, The Wire)y músicos tanto del rock como la electrónica (Matthew Herbert, Gilles Peterson, Beck) se han rendido al embrujo de este músico septuagenario.

La banda está formada por tres likembés (agudo, medio y grave), tres cantantes (que cantan a través de altavoces cónicos), tres bailarines, y los percusionistas, que también usan partes de coches, latas, etc… para fabricar sus ritmos. El productor Vincent Kenis oyó en 2006 la única grabación existente hasta ese momento de Konono Nº 1, realizada a finales de los años 70, e inmediatamente se fue a grabarlos, en directo y al aire libre, con varios micrófonos y su ordenador portátil. El resultado es su único disco hasta el momento, “Congotronics”, el primero de una serie que el sello Crammed/SSR va a dedicar a la música congoleña electrificada.

KRS – ONE

Krs - One es considerado un “true MC”, un rapper de verdad, alguien que se ha creado a sí mismo, un pionero que ha estado ahí desde los comienzos del hip hop, que continúa en activo, con un estilo único y personal; y que además se involucra personal y activamente en mantener vivo el movimiento hip hop denunciando como se desvirtúa comercial y políticamente este estilo de vida, creando asociaciones en contra de la violencia en el rap…

Su nombre real es Lawrence Parker, nació en el South Bronx de Nueva York y comenzó a rapear cuando se escapó de su casa a los 13 años. Vivía en la calle, por la mañana estudiaba por su cuenta en las bibliotecas y por la noche practicaba su rap en los refugios para los sin techo. Allí conoció al trabajador social Scott Sterling, DJ Scott La Rock, con el que formó el mítico grupo Boogie Down Productions. Su primer LP, “Criminal Minded”, los mostraba rodeado de armas, y es considerado como el primer disco de hardcore-rap y el germen del gangsta-rap.

Durante esos primeros momentos se produjo un pique entre nuestro dúo y el productor Marley Marl y su protegido MC Shan, con cruces de acusaciones, canciones no de amor precisamente de una parte a otra… Krs y Shan acabaron enfrentándose en vivo: el resultado de la batalla fue la victoria aplastante de Krs. Se dice que esta fue la primera vez que dos MCs se enfrentaron no para ver quién ponía al público más enfervorizado, sino para atacarse mutuamente.

El álbum consiguió un notable éxito. Lamentablemente DJ La Rock murió ese mismo año cuando intentaba separar a unos chicos que se peleaban. Esta muerte y la de un fan en uno de sus conciertos hizo que en 1988 fundara el “Stop The Violence Movement” y dejara de lado su faceta más agresiva para concentrarse en la más educativa. Algunos años más tarde, en el 2002, creará el Temple Of Hip-Hop, para celebrar y conservar la cultura hip-hop.

5 discos más como BDP, 11 en solitario… una historia muy larga, con sus altibajos y contradicciones lógicas, para tan pocos minutos. Sólo reseñar que tras tantos años, la música de sus últimos trabajos se había resentido un poco (no así sus letras, tan combativas y comprometidas como siempre); pero el 2007, tras 20 años desde el primer enfrentamiento, se alía con Marley Marl, su antiguo “enemigo”, y ofrecen su mejor trabajo en muchos años y uno de los mejores de esa cosecha, “Hip-Hop Lives”. Se supone que es una respuesta al título del disco de Nas de ese mismo año, “Hip-Hop Is Dead”; y acaba de publicar su último álbum hasta la fecha, Maximum Strength. Si alguno de vosotros no conoce el mundo del hip-hop a fondo y quiere adentrarse en él, una de las mejores maneras es escuchando y aprendiendo de este MC imparable e incansable.

2009-01-26T08:23:00.000+01:00

Escaleta Lunes 26 Enero 2009, we're back !

2009-01-11T14:45:00.004+01:00

atención!!!

A partir del 14 de Enero de 2009, Ritual de lo Habitual pasará a emitirse los Miércoles de 20:00h a 21:00h para toda la audiencia de la Bahía de Cádiz. Dicho cambio es debido a ajustes en la programación de Radio Chiclana FM Emisora Municipal. Los horarios de emisión para la Onda Local de Andalucía se mantienen como hasta ahora.

Saludos!!!

2008-12-17T17:36:00.001+01:00

Ritualpedia II J
JET
Los Hermanos Nic y Chris Cester decidieron formar una banda con Cameron Muncey y Mark Wilson en el 2001, mientras trabajaban en la misma fábrica, tomando como influencia a bandas como AC/DC, Queen, The Beatles, Oasis, The Rolling Stones, The Who, The Easybeats, The Faces, Sex Pistols, The Kinks, y T. Rex. Se bautizan como Jet por la canción de Paul McCartney del disco Band on the run.
En el año 2002, la banda lanza su primer EP independenete, llamado Dirty Sweet, que fue grabado en la casa de uno de los miembros de la banda. La maqueta fue todo un éxito y el sello Elektra ofreció un contrato a la banda. El contrato con el sello permite a Jet grabar su primer disco, llamado Get Born, un gran homenaje al rock clásico que contó con la participación del legendario teclista Billy Preston, famoso por grabar al final de los años 60 con The Beatles y posteriormente con Eric Clapton y Rolling Stones. Este disco fue producido por Dave Sardy en los legendarios estudios Sunset Sound en Los Ángeles. La re-edición de este disco es publicada el 12 de abril de 2004 junto a un DVD con 5 temas en directo grabados en la sala Astoria de Londres.
El segundo disco de la banda, titulado Shine On, fue lanzado en octubre del 2006 y grabado en Los Ángeles bajo la producción de Dave Sardy, quien antes había colaborado en la producción del primer disco de la banda. Jet empleó gran parte del 2005 y del 2006 en este álbum, en estudios de Melbourne y Massachussets. El proceso de grabación culminó el 2006 en los estudios Hillside Manor de Dave Sardy. El grupo grabó 20 canciones para este disco, pero 5 fueron descartadas. El disco Shine On se lo dedicaron a su padre el cual falleció antes de que se grabara el disco. Actualmente están grabando su tercer disco, del cual no se sabe ni nombre ni fecha de lanzamiento.

jam session
La definición clásica de una jam session, se debe a George Frazier: Una reunión informal de músicos de jazz, con afinidad temperamental, que tocan para su propio disfrute música no escrita ni ensayada.
Con el tiempo, el concepto de Jam se ha acabado aplicando a otras músicas distintas del jazz, especialmente el blues, el rock e, incluso, música de origen folclórico como la irlandesa o el bluegrass.
La denominación, proviene del verbo To jam, que significa tanto estorbarse, como agolparse o espachurrar. Según algunos autores aparece a comienzo de los años 30 y el porqué se aplica en el contexto indicado tiene un origen no aclarado. Lo mismo ocurre con otros términos que se introdujeron al idioma inglés por medio de la música jazz, como hip, hep o hepcat.

Jimmy Eat World
La banda de emo, natural de Mesa, Arizona, llamada Jimmy Eat World está comprendida por los guitarristas y vocalistas Jim Adkins y Tom Linton, el bajista Rick Burch, y el baterista Zach Lind, amigos desde la infancia que comenzaron a tocar juntos a los 15 años, intentando llegar a ser como su banda preferida, Metallica.
En 1999 editarían la obra maestra “Clarity”. Excepcionalmente producido por Mark Trombino y la propia banda, “Clarity” mezclaba baladas introspectivas con punk rock cargado de distorsión, elementos pop y dosis sutiles de electrónica, para crear un álbum realmente extraordinario.
El único single del álbum que se escuchó en las radios (y después de muchos esfuerzos) entró a formar parte de la banda sonora de la película protagonizada por Drew Barrymore “Never Been Kissed”.
El álbum se caracterizaba por ser personal e intenso. Usando los instrumentos de cuerda como puentes sonoros, los loops de batería, los carillones, el piano, vibráfonos y armonías vocales especialmente trabajadas crean complejas pero claras canciones que consiguen que “Clarity” alterne entre lo hipnótico y el puro rock en la misma canción, mezclando efectos emotivos con dramáticos.
En 2001 editan “Bleed American” con el que consiguen colocarse en la cabeza del sonido "emocore", destronando a cualquier posible rival, gracias a una combinación de impresionante de electrónica, punk rock, pop y estribillos irresistibles, aptos para todo tipo de públicos.
Después de una larga y agotadora gira en apoyo de Bleed American, la banda volvió al trabajo en 2004 para comenzar la grabación de un nuevo álbum. Al inicio, la banda se juntó con Trombino, pero la colaboración duró poco. Entonces Gil Norton, que había trabajado con Foo Fighters y Pixies entre otros, sería su nuevo productor. Futures fue lanzado en octubre del 2004, con el single "Pain" que logró un moderado éxito en las radios alternativas
Después de su gira, Jimmy Eat World saca su último album. Este álbum fue producido por la propia banda, Chris Testa, y el legendario Butch Vig (Nirvana, The Smashing Pumpkins, Sonic Youth). Algunas de las canciones en el álbum, titulado Chase This Light, incluyen "Carry You", "Big Casino", y la canción "Chase This Light". Chase This Light fue lanzado en los Estados Unidos el 16 de octubre del 2007, debutando En el # 5 en el Billboard 200.

2008-12-16T16:36:00.001+01:00

Ritualpedia II ~I~

Imagine es el segundo álbum de estudio de John Lennon y es quizás su disco más conocido por el gran público. Grabado y publicado en 1971, el álbum contiene canciones más sofisticadas, más comerciales y menos vanguardistas que en sus anteriores proyectos, como John Lennon/Plastic Ono Band. Según Lennon, la diferencia entre Imagine y sus trabajos previos era el "baño de chocolate para el consumo público", haciendo clara referencia a la multitud de arreglos de cuerda que se habían añadido a las canciones para hacerlas más fáciles de escuchar.
Los temas básicos del álbum fueron grabados en el estudio personal de Lennon, en Tittenhurst Park, mientras los arreglos de cuerda serían añadidos en Record Plant, Nueva York. Al igual que en su anterior álbum, Phil Spector se uniría al proyecto como co-productor del álbum. Durante su grabación, sería filmado numeroso material videográfico para mostrar la evolución de las canciones, posteriormente recopilado en un documental titulado Gimme Some Truth: The Making of John Lennon's Imagine.
El tema que da título al álbum, "Imagine", supuso la firma personal en la carrera musical de Lennon y se mantiene como exponente e himno de la paz mundial.
George Harrison sería invitado por Lennon para tocar en algunos temas de Imagine, especialmente en "How Do You Sleep?", el cual sirvió de plataforma para mofarse de su antiguo compañero en The Beatles, Paul McCartney, y para responder a las acusaciones vertidas por este en el álbum Ram (las primeras ediciones del álbum incluían una postal de Lennon sujetando las orejas de un cerdo, en un pose similar al de McCartney en la portada de Ram, quien sujeta a un carnero.)
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon.
En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD.
En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

I Hate Myself and Want To Die es una canción de Nirvana. El título, que traducido quiere decir "me odio y quiero morir", fue una provocación más de la banda hacia la discográfica. Se dice que no estaban muy satisfechos por aquella época con las sesiones de grabación del disco que finalmente se llamaría "In Utero", Así que decidieron ponerle al disco precisamente el nombre de "I hate myself and I want t o die". Como supondréis la discográfica que editaría el trabajo se negó a sacar un disco con ese título, además, se daba el caso de que un joven canadiense se había suicidado tiempo atrás mientras escuchaba "Suicide Solution", de Ozzy Osbourne.
La canción en concreto, tampoco fue incluida en In Utero, pero sí que fue publicada como cara B del single Pennyroyal Tea, y dentro de la recopilación "The Beavis and Butthead Experience". Una versión demo fue lanzado en la caja "With the Lights Out".
He escogido esta canción para la ritualpedia porque para mí, significa el principio del fin de Nirvana como banda. Se dice que ya en la gira del In Utero se habían disuelto… pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión.

iPod Convertido en uno de los iconos culturales de nuestra época, el reproductor mp3 y mp4 más popular del planeta tierra, fue originalmente concebido por Tony Fadell, que no trabajaba para Apple. Fadell enseñó su idea a Apple, y fue contratado para llevar su proyecto al mercado. Fadell y su equipo fueron responsables de las dos primeras generaciones de iPod. Desde entonces, el iPod ha sido diseñado por el equipo de Jonathan Ive.
Después de 9 meses de desarrollo el iPod fue sacado a la venta el 23 de octubre de 2001, solamente para los ordenadores Mac de Apple. En el año 2002, la segunda generación fue introducida, en dos variedades: una para los usuarios de Mac, y una para usuarios de Windows. Cuando Apple dio a conocer que el iPod sería compatible con PC, al poco tiempo, se vendía un iPod cada segundo en Estados Unidos.
La única diferencia entre los dos paquetes fue la inclusión del programa para organizar la música en el iPod. Para Mac, fue incluido el programa iTunes, y para Windows, el programa Musicmatch Jukebox. Los iPods sólo funcionaban con ambos sistemas. En el 2003 Apple introdujo la tercera generación de iPod, que venía con un solo disco que instalaba iTunes en Windows, al igual que en Mac OS. Actualmente el software puede ser descargado directamente desde la página web de Apple de forma gratuita.
Microsoft lanzó en 2006 la competencia del iPod, el cual se llama Zune. Fue un fracaso absoluto.
En la actualidad, es uno de los gadgets más vendidos en el mundo. Actualmente se estima que existen 100 millones de ipods en el mundo, con más de 4.000 accesorios específicos que van desde fundas de diseño hasta sistemas de altavoces; y más del 70% de los modelos de automóviles actualmente a la venta en EEUU ofrecen conectividad con iPod.
Forma parte de la revolución digital en la música, y es punta de lanza de aquellos que defienden que se pueden unir música e internet sin caer necesariamente en la ilegalidad.
En resumen, no creo que sea oro todo lo que reluce, y sin duda un marketing bien orientado puede hacer milagros, pero lo que sí que está claro es que, dentro de unos años, probablemente se vean los ipods como otro de los iconos que identifican una determinada época, que es la que nos ha tocado vivir. Aunque los aquí presente crecimos más bien con una cinta TDK metida en un walkman.

2008-12-02T10:48:00.001+01:00

Ritualpedia II -H-

HELTER SKELTER

Una de las canciones más famosas de los Beatles es esta ida de olla de Paul McCartney, incluida en el White Album, de 1968. Resulta que Paul leyó una entrevista que le hicieron a Pete Townshend, donde éste decía que su canción “I Can See For Miles” era lo más sucio, duro y con mayor volumen que habían hecho nunca los Who; y decidió, sin haberla escuchado, que él haría la canción con las guitarras mas sucias, las baterías más altas, etc.etc. De paso, también callaría a los críticos que le decían que sólo escribía baladas. Así que escribió una canción que era una mezcla del vértigo de bajar por un tobogán en espiral y la confusión de una huida en desbandada: eso es lo que significa “Helter Skelter”.

La primera versión que grabaron los Beatles de esta canción fue en Agosto del 68, 27 minutos de jam session más lenta e hipnótica que la que conocemos del LP. El 9 de Septiembre volvieron a grabar la canción 18 veces, en tomas de unos cinco minutos. Al final de la décimo octava toma, Ringo Starr arroja las baquetas al aire gritando: “¡Tengo ampollas en los dedos!”. Igual por eso es la toma que se incluyó en el disco.

La pieza sorprendió a propios y extraños; de hecho, cuando McCartney escuchó la canción de los Who, después de grabar la suya, la encontró bastante endeble. Ha influenciado a multitud de grupos, siendo versionada por grupos tan dispares como Hüsker Dü o U2, y se la considera un pilar básico de lo que hoy conocemos como Hard Rock. A partir de este tema los músicos que querían hacer algo más que el pop típico de la época empezaron a investigar el camino abierto por los Beatles.

La nota negativa de esta canción es que, junto a otras del álbum blanco, fueron interpretadas por Charles Manson como la profecía de una guerra apocalíptica entre blancos y negros, y se basó en ellas para planear el tristemente célebre asesinato de Sharon Tate, la mujer del director de cine Roman Polanski, y sus invitados, en casa de la actriz.

HARD ROCK

El hard rock surge a mediados de los ´60 como mezcla del rock psicodélico, el incipiente garage y el blues tocado a la manera británica por grupos como Cream, The Who o los Yarbirds, que, como todos sabemos, se distinguió por endurecer el sonido del blues americano con su instrumentación totalmente eléctrica, riffs más salvajes y ritmos más marcados. Se aplicó a los grupos que comenzaban a tocar un rock que conscientemente se alejaba del pop rock imperante y más propio de las radios comerciales, con un sonido más duro y encuadrado en las escalas pentatónicas y los doce o dieciséis compases del blues.

Por tanto, canciones como “You Really Got Me” de los Kinks, “My Generation” de los Who, o “Helter Skelter” de los Beatles, junto con la experimentación sónica repleta de feedback y distorsión que estaba llevando a cabo el gran Jimi Hendrix, y otros como Jeff Beck, se convierten en el norte de este estilo.

El hard rock no es heavy metal, aunque en el sonido de algunas bandas se mezclan ambos estilos. Digamos que son padre e hijo, y que de tal palo tal astilla. Las primeras bandas de hard rock surgen en Inglaterra, siendo Led Zeppelin y Deep Purple los que despuntan entre los demás. A éstos les suceden bandas como Queen, Aerosmith, Bad Company o Rush. Ya empieza a olerse el heavy metal, ¿verdad? Efectivamente, Alice Cooper y Kiss sacan también sus primeros discos.

Éstos son los años dorados del género. A finales de los 70, con la llegada del punk y la música disco, el hard rock pierde fuelle, aunque aparecen dos de sus más grandes bandas: Van Halen y AC/DC. Estos últimos siempre han rechazado que a su música se le llame heavy metal; quizá su música sea el mejor ejemplo para distinguir el hard rock del heavy.

Los años 80, en mi opinión, son lamentables, con bandas como Mötley Crüe, Def Leppard, Bon Jovi o Guns ´N´ Roses: tics rockeros totalmente desfasados, ombliguismo musical... A principios de los 90 la cosa mejora muchísimo, aparece el grunge, que mezcla punk con garage y hard rock: basta escuchar el “Ten” de Pearl Jam para ver la herencia del hard rock bien entendida aplicada a su música. Y por último, a principios de esta década y hasta ahora, bandas como Jet, Wolfmother, The Datsuns, Buckcherry o Velvet Revolver vuelven a recoger el testigo del hard rock más puro y llevarlo a las listas de éxito, insuflándole nueva vida a un estilo que durará mientras exista el rock´n´roll.

HALF FOOT OUTSIDE

Aprovechamos la H para hablar de uno de los grupos más prometedores de la nueva hornada indie española. Esta banda navarra comenzó su andadura musical en 1998 como un combo hardcore, y claro, acabaron recalando en el mejor sello español de ese estilo, B-Core, que tantas alegrías nos ha dado con bandas como Aina o Standstill. De todas formas, su estilo, a lo largo de los años, ha ido, no dulcificándose, pero sí madurando y derivando a un indie-rock potente y muy melódico. Pasaron al sello Astro en 2004 con su primer gran disco “Perfect from the Distance”, producido por Kaki Arkarazo y mezclado por John Agnello, que ha trabajado entre otros con Sonic Youth o Steve Wynn. Este año vemos su confirmación como uno de los grandes grupos indies españoles con el lanzamiento de su último disco, “Heavenly”. Al equipo de producción se suma la colaboración de la flor y nata del indie español, con gente de La Habitación Roja y Los Planetas, que además se deshacen en elogios hacia su música. Pero no sólo eso: Jon Auer, de los Posies, quería producir el disco; al estar ya comprometido el otro productor, iba a colaborar en una canción y ha acabado metiendo voces en 7 temas y guitarras en 3. Aquí tenéis el single “Driveways” para que comprobéis porqué despierta tantas pasiones este grupo.

2008-11-25T13:26:00.002+01:00

Ritualpedia II G

Guns n Roses

Guns N' Roses es una banda de hard rock que nació en Los Ángeles, en marzo de 1985. El grupo estaba formado por el cantante Axl Rose, los guitarristas Slash e Izzy Stradlin, el bajista Duff McKagan, y el baterista Steven Adler. El nombre deriva de la combinación de dos bandas muy importantes en Hollywood, los L.A. Guns y los Hollywood Rose.

A partir de aquí, la historia de esta banda es un culebrón, en el que aparecen todos los ingredientes del rock, peleas, conciertos sin acabar, drogas, detenciones y un sinfín de abandonos y retornos de los componentes del grupo, de los que por cierto, solo ha aguantado el tipo Axl desde su inicio hasta el esperado Chinese Democracy el que, se supone, será su nuevo disco.

Su primer trabajo, Apetitte for destruction fue una autentica revolución en el rock, aparecio en 1987, si quereís saber mas, consultad la letra W del tomo I de nuestra ritualpedia. (Wellcome to the Jungle).
“G N” R Lies” publicado 1988, es un álbum de ocho pistas, fue criticado por el carácter homofóbico y racista de una de sus canciones. Contenía temas electricos y acústicos.
En 1991 vino el doble álbum “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II”. Durante la grabación del disco Adler fue cesado de la banda por sus problemas con la droga. La batería quedó a cargo de Matt Sorum. Los discos entraron en los lugares 1 y 2 de la lista Billboard. Los discos contenían los éxitos “Knockin’ On Heaven’s Door” de Bob Dylan y “You Could be Mine” que aparecería en la banda de sonido de Terminator 2.

En 1992, la industria de la música quedó en shock con el lanzamiento del disco de Nirvana “Nevermind” en el que se estrenaba la estética “Grunge”. En términos comparativos, los excesos de Guns ‘N’ Roses parecían vacíos y superficiales cuando se los ponía frente a la poco refiniada banda de Seattle.
En 1993 la banda respondió con un disco punk llamado “The Spaghetti Incident” que desató la polémica por una pista en la que interpretaban un tema original de Charles Manson.
En el año 2000 Rose y la nueva formación de Guns ‘N’ Roses salieron del taller rumbo a Las Vegas para una presentación de año nuevo. Esto abrió las puertas para un nuevo álbum (Chinese Democracy)que aún no ha salido, aunque se espera para algún momento de la er actual. Sin embargo, si se toma en cuenta la cantidad de productores que han ido y venido por ese disco podríamos esperar sentados.

Garage

El garage rock es una forma sencilla y cruda de rock and roll creada por varias bandas de Estados Unidos a mediados de los años sesenta. Inspirados por bandas de la Invasión Británica como The Kinks o The Who, estos grupos tocaban una variación de estos estilos de música.

Llamada garage precisamente porque la mayoría de las bandas que militan este estilo han comenzado con muy pocos medios, ensayando en el garaje de uno de los componentes del grupo. La mayor parte de las bandas utilizaban sencillas secuencias de notas octavas y quintas debido a que los amplificadores de la época poseían mucha distorsión a un volumen alto, se sobresaturaban y con el uso de esas notas, junto con una batería agresiva y unas letras pegadizas, se evitaba este problema.

Los años 80 vieron un nuevo renacer de este tipo de rock con bandas como The Fuzztones, The Chesterfield Kings o The Cynics; coincidió con un resurgimiento del surf rock, todo lo cual confluyó en el rock alternativo y el futuro grunge, que, según algunos, fue en parte influenciado por el rock de garaje que se hacía en Seattle a manos de The Sonics o The Wailers.

El rock de garaje y el garage punk coexistieron a lo largo de los 90 hasta ya entrados los 2000 gracias a multitud de sellos discográficos independientes que lanzaban miles de discos de bandas que tocaban varios estilos de rock and roll primitivo. Algunos de los sellos discográficos independientes más prolíficos fueron Estrus, Rip Off, In The Red, Telstar, Crypt, Dionysus, Get Hip, Bomp! y Sympathy for the Record Industry.

A fines de los años 90, Steven van Zandt ("Little Steven"), se convirtió en portavoz y defensor del rock de garaje promoviendo conciertos y festivales por todo Estados Unidos y, además, en el año 2002 inició un programa de radio llamado Little Steven's Underground Garage.

A principios de la década del 2000, algunas bandas de rock de garaje adquirieron presencia en los grandes medios y cobertura en la radio comercial, éxito que faltó a las bandas de rock de garaje en el pasado. Este nuevo impulso fue dado, en primer lugar, por: The Vines, The Strokes, The Hives y The White Stripes; estos últimos provienen de la destacada escena garajera de Detroit.

El General

Edgardo Franco mejor conocido como "El General" nació el 27 de Septiembre, en la ciudad de Panamá. A los 12 años, Edgardo empezó a escribir canciones inspirado en la situación social de su barrio y sus propias vivencias, les añadía melodías y luego las grababa en cassettes, que después distribuía a los conductores de transporte colectivo para que los pusieran, en sus rutas, y así llevar su mensaje a la comunidad. Un amigo de su infancia, que estaba en la armada, le dio su primer uniforme, naciendo así su seña de identidad que lo caracteriza, luego un productor Jamaicano, le ofreció grabarle su primer tema,"Tu Pum Pum" grabado en Español pero su lanzamiento fue en el mercado Americano. Su primer álbum "Estas Buena" que incluía su segundo hit "Te Ves Buena" fue Multi-Platino.

Con su tercer Hit "Muévelo" se une al gran sello BMG. Este Nuevo disco le gano el premio MTV International's Latín video of the Year. "Muévelo" fue el primer video en Español que se vio en MTV Americano. El General también tuvo el placer de recibir por primera vez en la historia de Billboard el premio "Best Latín Rap Artist" la cual gano cinco años consecutivos. Más impresionante es que el premio fue especialmente creado para él por su gran éxito.

Extraido de su web oficial:
“Personas de todas las edades, disfrutan la música de El General pero la Juventud lo a proclamado como un héroe, muchos de ellos imitan su manera de cantar y su exquisita forma de bailar”.

2008-11-24T10:12:00.000+01:00

Escaleta Lunes 24 de Noviembre de 2008

2008-11-09T10:01:00.000+01:00

Ritualpedia II ~F~

Faith No More

Quizás uno de los grupos que más influyentes en el rock de nuestros días, y uno de los menos conocidos por el gran público a este lado del Atlántico. Formado en San Francisco en el año 1982, no fue hasta la llegada del vocalista Mike Patton, en 1989, cuando se consagraron como mega-banda de rock, al dar un giro a su sonido. Su evolución fue constante, y Mike Patton lo utilizó como laboratorio de experimentación, pasando por el thrash metal, el heavy metal, el funk, el rock progresivo, el soul, el hip hop y el jazz.

El nombre del grupo tiene su origen en la expulsión del mismo de su fundador, Mike "The Man" Morris que lo llamó Faith No Man. Un año después, Mike Morris fue expulsado, entonces, un amigo de la banda dijo: The Man was no more, literalmente "No estuvo más el hombre", haciendo referencia a que habían echado a Morris, al que apodaban "The Man". De modo que tomaron ese juego de palabras y sustituyeron "The Man" por "Faith", y la banda se quedó como "Faith No More".

En 1985 lanzan su primer álbum, titulado We Care a Lot. En 1987, tras haber firmado contrato con Slash Records, lanzan su segundo álbum: "Introduce Yourself".

En 1989, aparece Mike Patton del grupo Mr. Bungle. El cambio se notaría. Ese mismo año, lanzan su tercer disco, llamado "The Real Thing". Gracias al single "Epic", y su gran circulación en el canal musical MTV, Faith No More gana fama y reconocimiento mundial. A finales de 1990, The Real Thing ya era disco platino en Estados Unidos.

El álbum fue un éxito de crítica, y, tras ello, la banda salió de gira con Metallica, actuando ante grandes audiencias.

En 1992 lanzan el disco "Angel Dust" que incluye entre sus temas, el cover de The Commodores, "Easy" el cual le brindó una apertura a un espectro más amplio de audiencias.

En 1995, se edita un álbum titulado "King for a day fool for a lifetime", un disco que los expone a un espectro aún más amplio y popular.

Tras ello, lanzan el que sería el último disco de estudio, llamado "The album of the year", que marca el fin de una banda que ha marcado a muchas generaciones y que indiscutiblemente ha influido a gente como System of a down, Audioslave, o Foo Fighters entre otras muchas.

Fanzine

Para los que no hayan escuchado esta palabra nunca, un fanzine es una publicación temática amateur realizada por y para aficionados. Su nombre proviene del inglés: FAN de 'FANático' o 'aficionado' y ZINE de magaZINE, 'revista'). El termino empezo en octubre de 1940 con el fanzine de ciencia ficcion de Russ Chauvenet, que se popularizo por temas de ciencia ficción.

Por experiencia de algunos (o de todos) los miembros de este programa, podemos decir que el desarrollo de esta actividad no suele ir acompañado de intereses económicos, y al depender del tiempo y el esfuerzo desinteresado de sus creadores, no suelen durar mucho.

Los problemas endémicos de los fanzines son: su dependencia de las ganas desinteresadas de sus colaboradores, en un trabajo no remunerado que debe obtenerse del tiempo libre; y sus problemas para distribuirse llegando a su público potencial. Sus ventajas indiscutibles es contar con grandes especialistas en su materia, publicando de forma libre y directa sin ataduras ni intereses para con terceros.

Actualmente, medios como Internet y la facilidad para maquetar en HTML han facilitado la distribución y el formato, por lo que la edición de fanzines se ha extendido a la red. Este tipo de fanzines electrónicos se denomina ezine. Muchos de los blogs que tanto éxito tienen hoy en día, no son más que fanzines del siglo 21.

Flow

Flow quiere decir "flujo", y para los no iniciados, en el mundo del rap y del hip hop, dicho término se usa para definir la capacidad del MC (o sea, del que rapea), de crear y mantenerse fluido en base a algo, generalmente el ritmo que marca el dj, o alguien haciendo beat box, por ejemplo. Digamos que sería la forma de rapear del MC, ya que además de ser una habilidad, el flow también es un sello reconocible, es, en algunos casos como la firma, la identidad del MC.

Los parámetros básico a tener en cuenta en un flor, serían el no trabarse durante una improvisación, haber concordancia entre las rimas y lo que se esta diciendo, o que el tempo de la voz debe ir acompañando al tempo que marca el dj.

En la historia del hip hop y del rap, hay artistas con flows realmente reconocibles. Sería el caso más claro el de Busta Rhymes, Beastie Boys, The Streets, mi favorito Method Man, o el amigo Eminem.

2008-11-06T19:30:00.000+01:00

Ritualpedia II -E-

ECHO & THE BUNNYMEN

Muchos hablan de Joy Division como el grupo más influyente de la escena post-punk inglesa. Quizas sea así, pero la medalla de plata se la lleva sin discusión Echo & The Bunnymen. Desde Liverpool, el trío compuesto por Ian McCulloch, Will Sargeant y Les Pattison comenzó a tocar en directo con una caja de ritmos a la que llamaban Echo. Tras grabar su primer single entró como batería Pete De Freitas, y de la caja sólo quedó el nombre. De sus coetáneos les distinguía sus influencias musicales (principalmente de los años 60: desde los Rolling Stones y The Beatles hasta David Bowie, The Velvet Underground, Iggy Pop, The Doors o Leonard Cohen) y el lirismo y melancolía de sus letras; la música, sin llegar a lo gótico o la oscuridad de The Cure o Joy Division, combinaba el pop con arrebatos eléctricos y pasajes más rugosos; sin olvidar, por supuesto, los dos rasgos distintivos del grupo: la imaginativa y caleidoscópica guitarra solista de Sargeant y la inconfundible e hipnotizante voz de McCulloch.

Desde su primer disco, el excelente “Cocodriles” (1979), hasta su momentánea disolución en 1987, debida a la muerte de De Freitas, en su discografía destacan dos maravillosos álbumes: “Porcupine” (1983) y “Ocean Rain” (1984), que son el anverso y el reverso de su sonido: de la electricidad y la fiereza del primero pasaron en un año a la orquestación y la ternura del segundo. Entre los fans del grupo se encuentra Flea, que recordando su juventud comenta con cuánta expectación vivió la llegada a California de una de sus bandas favoritas para presentar “Porcupine” y cuánto le influyó ese concierto. Por otro lado, es rara la lista que se refiera a los mejores álbumes del siglo XX que no incluya a “Ocean Rain” entre los 50 mejores.

Lo que da una buena medida de la calidad de esta banda es que, tras 10 años de separación y con varios proyectos en solitario, decidieron unirse de nuevo para grabar otro disco, “Evergreen” (1997) (con el consiguiente miedo y desconfianza de los fans; cuántas bandas han enfangado su duramente ganado prestigio con una simple gira de reunión); pues bien, no sólo ese disco mantiene su nivel y los sitúa como si no hubiese pasado una década desde su anterior disco, sino que 11 años después la banda continúa editando discos, algunos excelentes (como el reciente “Siberia” (2006)), girando por todo el mundo y ganando nuevos adeptos.

Es facil seguir la influencia de Echo & The Bunnymen en grupos como The Killers, Arcade Fire, Editors, Doves, The Dears, Interpol (escuchen “The Cutter”) o, por supuesto, Coldplay, el grupo que mejor ha adaptado la música de The Bunnymen a su propio estilo; es imposible oir “Nothing Lasts Forever” y no acordarse de “In My Place”.

E-BOW

Para todos aquellos que os preguntáis si tal o cual guitarrista usa 80 pedales más 400 efectos para conseguir esos sonidos de guitarra que hacen que parezca cualquier cosa menos una guitarra eléctrica, os vamos desvelar un truquillo bastante curioso y efectivo: el e-bow. Ésta es una abreviatura de electronic bow, que podemos traducir como arco eléctrónico, ya que la intención de este aparato, que funciona a pilas y cabe en la palma de la mano, es reproducir en las cuerdas de la guitarra el efecto que produciría un arco de violín, por ejemplo, mediante el campo electromagnético que emite. Fue inventado en 1969 por Grez Heet, y funciona de la siguiente manera: al girarlo sobre las cuerdas produce distintos tonos, además de aumentar o disminuir la intensidad del sonido al acercarlo o alejarlo a las mismas. En posteriores mejoras han conseguido que también produzca sonidos armónicos, no sólo la nota básica.

No sólo se puede usar en instrumentos eléctricos; también funciona en acústicos, pero la respuesta sonora que se obtiene es mucho menor.

Hay múltiples ejemplos de guitarristas que han usado este aparato en alguna de sus canciones, pero, por poner un ejemplo curioso, os diremos que todo lo que no os suene a guitarras, sino a teclados y sintetizadores en el disco Mer De Noms (2000) de A Perfect Circle, está hecho en realidad con guitarras eléctricas y un e-bow.

THE EVERLY BROTHERS

Vamos a hablar ahora del dúo con las voces más armónicas de la historia de la música, y uno de los principales culpables de que el rock´n´roll sea lo que hoy es. Pertenecen al grupo de bandas, junto a Buddy Holly o Roy Orbison, que por su imagen, algo más recatada que la de otros artistas, y por su música, más melodiosa que la del resto, consiguieron que quien veía peligroso a Eddie Cochran o Gene Vincent aceptara que sus hijos escucharan rock´n´roll (lo que no quiere decir que no fueran verdaderos rockers). Lo que caracterizaba a Phil y Don Everly era la fuerte influencia del country en su música; los padres de los dos hermanos eran músicos de este estilo y esto los llevó a actuar desde muy temprana edad. Cuando llegaron a la adolescencia ya eran músicos experimentados y comenzaron a intentar encontrar un hueco en el mercado musical. Sus comienzos no hacían presagiar el tremendo éxito que alcanzarían después; sus primeras grabaciones no consiguieron ninguna repercusión, hasta que Wesley Rose se hizo cargo del dúo como manager. Les consiguió un contrato con el sello Cadence y registraron en 1957 su primer éxito, “Bye Bye Love”, una canción compuesta por el matrimonio Felice y Boudleaux Bryant (que surtiría de excelentes canciones a los dos hermanos en el futuro) y que fue rechazada por varios cantantes antes de que la aceptara nuestro dúo. El éxito fue increíble: top 3 y un millón de copias vendidas en USA, y top 5 en UK, actuaciones en la incipiente televisión, giras… Parte del secreto del éxito de los Everly se basaba en el uso de sus guitarras acústicas; las tocaban de forma tan cruda que conseguían un efecto inédito hasta entonces; y por supuesto, en sus espectaculares voces, conjuntadas de manera increíble. Escuchar este tema y no reconocer la influencia que tuvo en bandas como los Beatles es imposible.

Durante 3 años consiguieron éxito tras éxito, cada nueva grabación era un hit seguro: “All I Have To Do Is Dream”, “Wake Up, Little Susie”, “´Till I Kissed You”… Dejaron el sello Cadence en 1960 para ser el primero de los fichajes de una nueva compañía que empezaba por aquel entonces, la Warner Bros., que se los agenció por una suma increíble por aquel entonces, algo más de un millón de dólares. La aventura comenzó bien, con el mayor éxito de su carrera, “Cathy´s Clown”, al que siguieron otros como “So Sad”, “Temptation” o “Crying In The Rain”; pero la ruptura con su manager, ingresar en los marines, el cansancio producido por interminables giras a ambos lados del Atlántico y algunos temas que no alcanzaron el éxito deseado hicieron que su relación se deteriorara y las grabaciones se espaciaran en el tiempo, reforzando además su faceta country, que aunque aumentó la calidad de las canciones y encantó a la crítica, les alejó de los posiciones de éxito. En 1973 decidieron separar el dúo y comenzar carreras en solitario, discretas aunque sobradas de calidad, hasta que un concierto en 1984 los reunió de nuevo y grabaron un nuevo disco. Desde entonces sus apariciones han sido más que esporádicas, retirándose cada uno de los hermanos a sus respectivos negocios.

Sus canciones están grabadas en el imaginario colectivo de todos los que aman la música; se mantienen jóvenes y frescas porque son grandes canciones, bien construidas y magníficamente interpretadas; y aunque no lo sepáis, alguna vez habéis escuchado alguna canción de los Everly Brothers, se ha quedado en vuestra mente para siempre, y sobre todo, seáis heavies, hip-hoppers, techno heads o góticos, OS GUSTA MUCHÍSIMO.

2008-11-05T07:57:00.002+01:00

La banda de rock chiclanera Echovolt viajará a Normandía para presentar su nuevo disco ‘In Control'. La formación compuesta por los hermanos Andrade, Carlos, Pedro y Antonio -vocalista, bajo y guitarra-, respectivamente, además de Daniel Tocino -batería- tiene previsto actuar en las ciudades de Cherburgo-Octeville y Brehal entre los días 18 y 24 de noviembre.

Será al norte de Francia donde la banda chiclanera presente los temas compuestos por Echovolt y producidas por Colin Preston y Javier de la Rosa, contando con los arreglos en las letras de Jayne Preston. A finales del mes de noviembre será cuando Echovolt presente su nuevo trabajo en la localidad de Chiclana.

2008-11-03T13:28:00.001+01:00

Ya a la venta las entradas para ver a Oasis en los dos conciertos que darán en España

La banda británica visita España dentro de la gira mundial de presentación de su séptimo álbum Dig Out your Soul, que les llevará a Canadá, Reino Unido, Mexico y EEUU. Desde ésta semana, pueden adquirirse las entradas para acudir al concierto del día 12 de febrero en Madrid y el 13 en Badalona, a través de Iguapop, Servicaixa y Tic Tac Ticket

Parece que la vuelta de los británicos coincide con una etapa muy creativa y fructífera musicalmente, ya que han anunciado que tienen ya avanzado su próximo trabajo, según ha anunciado Noel Gallagher, guitarrista de la banda, a la revista especializada Billboard. El mayor de los siempre polémicos Gallagher, ya ha escrito el que será el siguiente álbum de la banda, algo que comenzó a hacer durante el proceso de mezcla de Dig Out Your Soul, en Los Ángeles

Lo que no desvela es cuándo podrán grabar y lanzar el nuevo trabajo. "Depende de lo que la gente quiera hacer. Ocurrirá cuando tenga que ocurrir. Trabajamos según nuestro propio horario", afirmó el británico, que recalcó su firme intención de publicar un disco en solitario en un futuro.

DVD de Smashing Pumpkins

Smashing Pumpkins sigue en marcha tras su retorno discográfico y a los escenarios y ya tienen listo un DVD, “If All Goes Wrong”: un documental y concierto que recoge imágenes de los once conciertos que realizaron en el Filmore Auditorium de San Francisco el pasado julio de 2007. El DVD se edita el 11 de noviembre. Más información en www.smashingpumpkins.com.

Led Zeppelin busca un nuevo cantante para su próxima gira.

El grupo Led Zeppelin piensa ya en la grabación de su nuevo disco y en una próxima gira, por lo que han empezado a buscar un nuevo cantante capaz de sustituir a Robert Plant, quien ha decidido excluirse de este nuevo proyecto.

Jones explicó que los tres -él mismo, el guitarrista Jimmy Page y el batería Jason Bonham, hijo del malogrado John Bonham- no buscan una réplica de Robert Plant.

"Pensamos en un disco y una gira, pero tenemos que estar todos", dijo Jones, quien calificó de magnífica la actuación en el O2 Arena de Londres, el pasado 10 de diciembre, donde volvieron a tocar y repasar algunos de sus clásicos, como Starway to Heaven o Whole Lotta Love.

2008-11-03T13:24:00.000+01:00

Escaleta Lunes 3 de Noviembre de 2008

2008-10-28T09:12:00.001+01:00

Escaleta Lunes 27 de Octubre de 2008

2008-10-26T20:30:00.001+01:00

Ritualpedia II ~D~

Diesel and Dust

Diesel and Dust es el sexto álbum del grupo australiana Midnight Oil, publicado en 1987 por el sello CBS. Para mi es el disco imprescindible de The Oils, que es como llamamos los fans a esta increible banda. Precedido por el disco Red Sails in the Sunset, Diesel and Dust apoya la lucha de los aborígenes australianos por la recuperación de sus derechos sobre la tierra del continente australiano y defiende diversas causas medioambientales, temáticas éstas muy recurrentes en las letras de Peter Garrett. Se editó a continuación de la gira Black Fella White Fella, realizada con la Warumpi Band en 1985 a través de comunidades indígenas australianas remotas. De hecho, se dice que el ritmo de la canción Beds are Burning está inspirado en el ruido que hacían las ruedas de sus coches en las pistas de barro existentes en las regiones por las que pasaron durante esta gira.

Un disco que según la revista Rolling Stone es el numero 13 entre los 100 mejores discos de la decada de los 80, no puede sino contener una batería importante de temas bien conformados. Prueba de ello es que temas como The Dead Heart, se ha convertido en todo un símbolo en Australia, tras ser empleada para el documental sobre el retorno de los aborigenes a Uluru (conocido como Ayer`s Rock). Otros temas como Beds are Burning han sido singles reconocidos internacionalmente, y es canción de culto que asoma incluso a las pasarelas de moda. LA canción llamada Gunbarrel Highway, en cambio, no se incluyó en la versión estadounidense del álbum, al parecer porque una de sus estrofas, "shit falls like rain on a land that is brown" ("la mierda que cae sobre tierra marrón lo hace como si fuera lluvia"), fue considerada demasiado fuerte para el oyente medio estadounidense.

Un apunte, durante la gira de Diesel and Dust, Midnight Oil sufrió una inportante baja, la de Peter Gifford, que fue sustituido por Dwayne “Bones” Hillman.

1ª estrofa de The Dead Heart (www.deadheart.org.uk fansite)

We don't serve your country
Don't serve your king
Know your custom don't speak your tongue
White man came took everyone

DRO

Discos Radiactivos Organizados (DRO) es un sello discográfico español fundado en 1982 por Servando Carballar, líder del grupo de tecno pop Aviador DRO.
En un principio fue creado para autoeditar sus discos, pero gracias al éxito inicial del sello empezaron a editar discos a Extremoduro, Siniestro Total, Glutamato Ye-Yé, Gabinete Caligari, Loquillo, Los Nikis, Nacha Pop, Decibelios, Alphaville y a otros grupos de la Movida. De este modo se convierte en la primera compañía independiente de España.
Tras varias fusiones con otros sellos como GASA, Tres Cipreses o Twins, en 1988 el grupo abandona la compañía, para más tarde, en 1992, venderla a la multinacional Warner Music International. Se crea así la actual compañía Dro East West.

Def Con Dos

El grupo nació de un primer embrión llamado Freddy Krueger y los Masters del Universo que fue un grupo efímero que formaron a instancias de Julián de Siniestro Total para tocar la noche del 5 de enero de 1989 en un bareto de Vigo (Galicia) llamado El Manco. Con "Freddy Krueger y los..." hacían versiones de Public Enemy, Beastie Boys y RUN D.M.C. pero ningún tema propio.

Catalogar la música de los Def Con Dos, es practicamente imposible. Pero lo que si se puede catalogar son sus letras, auténticas gamberradas fielmente aclamandas por los comandos que rodean a esta banda, como la Agrupación de Mujeres Violentas, grupo de voluntarias seguidoras del grupo.

En el año 92 mientras algunos de sus miembros trabajaban en un bar del barrio de Malasaña, Madrid, apareció por allí Alex de la Iglesia diciendo que iba a rodar su primer largometraje llamado Acción Mutante y que quería que hiciéran un par de canciones para su banda sonora. Estos temas fueron un rotundo éxito para una, hasta entonces, desconocida banda, pero pese a su participación en Acción Mutante, nadie se arriesgaba a grabarles un nuevo disco. Finalmente, Eugenio Muñoz, dueño de los estudios BOX, se atrevió a financiar la grabación de lo que sería Armas pal pueblo, el que es, sin duda, disco imprescindible de Def Con Dos.

En lo tocante a los andaluces, en el año 94 montaron una gira de clubs junto con el grupo granadino Lagartija Nick por toda España que titularon "Gira de apoyo a la Vasectomía". La gira funcionó y demostró que el grupo empezaba a crecer pero por diferencias con el mánager se independizaton y comenzaron a trabajar solos.

Sus discos:

Dogmatofobia / DroAtlantic: 2004
Dogmatofobia / Dro East West: 1999
De Poca Madre / Dro East West: 1998
Ultramemia / Dro East West: 1996
Alzheimer / Dro East West: 1995
Armas pal pueblo / Dro East West: 1994
Tercer Asalto / Dro East West: 1991
Segundo Asalto / Dro East West

Temas Imprescindibles: Acción Mutante, Ciudadano Terrorista, Tuno bueno, tuno muerto, Los reyes son los padres, Strawberry

Fragmento de su Primer Manifiesto, marzo de 2004

Fracasados, superados, perseguidos y sabiéndose perdedores de antemano, DEF CON DOS, EL ESCUADRÓN DE LAS SOMBRAS y LA AGRUPACIÓN DE MUJERES VIOLENTAS, sacan fuerzas de flaqueza y se reorganizan para acometer un último asalto músico-etílico-surrealista contra las ciclópeas murallas del estado del memoestar en un intento desesperado por dejar claro que no estamos de acuerdo con nada de lo que pasa a nuestro alrededor.

2008-10-26T20:21:00.002+01:00

Ritualpedia II ~C~

"Come as You Are" es la tercera canción del álbum Nevermind, de Nirvana y fue lanzada como single en 1992. Como en Ritual de lo Habitual damos por sentado que la mayoría de la audiencia estará empollada a saco sobre temáticas roqueras varias, vamos a pasar de hablar de la biografía de Nirvana, o del disco que cambió el curso de la música rock para centrarnos en la canción, en Come as you are.
Las letras de Nirvana siempre fueron bastante crípticas, por lo que buscar un sentido literal a sus canciones, en la mayoría de los casos es un error y una pérdida de tiempo. Come as you are es un collage de versos en los que parece que se tratan varios temas. Por el lado optimista (raro en kurt), Come as You Are le da la bienvenida al oyente «como amigo». La canción tiene el tema general de la aceptación, invitando al oyente a hacer lo que el título dice («Ven como eres»). Sin embargo, también contiene un ligero aire de sospecha por el encuentro, particularmente cuando dice «And I swear that I don't have a gun», («Y juro que no tengo un arma») que es repetida varias veces.
Los versos «Come dowsed in mud... soaked in bleach», hacen referencia a una campaña en San Francisco (California) a finales de los años 80. La campaña estaba dirigida a los usuarios de drogas intravenosas, a los cuales la ciudad les pidió desinfectar (bleach) sus agujas para reducir el riesgo de contraer enfermedades.
En cuanto al vídeo musical que sirvió para vender el single y el disco, nos muestra a la banda en un salón oscuro, de una aparencia gótica; además, un chorro de agua cayendo por un cristal delante del grupo dificulta ver las caras de sus integrantes. Además, se puede ver a Cobain colgado de un candelabro con su guitarra, y a pesar de que estaba asegurado con correas, le dio un pánico tremendo y naúseas por el movimiento (y por su enfermedad crónica) a tal grado, que estuvo enfermo varios días.
Otra controversia que rodea a ésta canción es la relacionada con la banda británica de post-punk Killing Joke, que alegó que el famoso riff de guitarra de Come as You Are era un plagio del riff de su sencillo Eighties. En una entrevista, Jaz Coleman (cantante de Killing Joke) dijo que no demandó al grupo porque los miembros de Nirvana le confesaron abiertamente que ellos habían tomado el riff, y que eso era lo único que él quería escuchar.
Posteriormente, Dave Grohl, tocó la batería en el decimotercer álbum de Killing Joke, y grabó con su propio grupo, Foo Fighters, una versión de la canción Réquiem, también de Killing joke.
Como última curiosidad, en el pueblo de origen de Cobain, Aberdeen, se colocó en 2005 un cartel que reza "Welcome to Aberdeen - Come As You Are".

Cadillac Solitario. Probablemente una de las canciones en castellano más cantadas por gargantas borrachas en la historia de éste país, junto al “Asturias patria querida”, “me subí a la reja” y esa canción que tan bien habla de una cabra que, de tanto comerciar con su cuerpo, acabó falleciendo.
El Cadillac está incluida en “El ritmo del garaje”, publicado en 1983, y que es el primer álbum de Loquillo y Trogloditas, tras dar por finalizada su etapa junto a Los Intocables.
Nos pese o no, el Cadillac es uno de esos himnos de juventud etílica y melancólica que ha acompañado a varias generaciones de chavalerío en sus correrías de juventud.
Todos los que nos encontramos entre los treinta y cuarenta años nos hemos imaginado alguna vez borrachos, despechados y apoyados en un Cadillac de segunda mano junto al Mervellé, con la ciudad a los pies y en la ladera del Tibidabo. Incluso los que no sabemos qué es eso del Mervellé, o no hemos visto el Tibidabo tenemos en la boca el sabor de ese Martini que nos ha hecho recordar que nuestra amada nunca nos volvió a llamar. Y es que todos llevamos un romántico dentro, porque además hace un momento que nos ha dejado la última rubia que vino a probar el asiento de atrás. Y dice la gente que ahora eres formal. Y yo aquí borracho en el Cadillac. Qué maravilla!!
Porque, quién no ha gritado alguna vez eso de NENAAAAAAAAAAAAAAAAAA!!!!!!!!!

Chaos A.D. es el quinto álbum publicado por la banda brasileña de thrash metal Sepultura en octubre de 1993 en el sello Roadrunner Records. Es quizás el disco que supone el cambio de estilo de los hermanos Cavalera y los suyos, y a la vez el salto de Sepultura a los grandes mercados internacionales. Se inventa lo que la crítica aburrida llamó el groove metal, que como siempre, provocó una división de opiniones entre los seguidores de la banda: mientras que algunos pensaban que con su nuevo sonido se habían vendido, otros aceptaron este cambio de rumbo.

En este disco hay joyitas como "Kaiowas" es un tema acústico de corte étnico, que se convirtió en todo un espectáculo en las actuaciones en vivo de la banda al incorporar enormes secciones de percusión e invitando a otras bandas para tocar la canción juntos. En cuanto al resto de temas, todos altamente recomendables, Jello Biafra, vocalista de Dead Kennedys, colaboró en "Biotech Is Godzilla", mientras que Evan Seinfield de Biohazard y hombre al que envidio profundamente por ser el marido de quien es (si queréis saber “de quien”, podéis investigarlo y os aseguro que os va a gustar), hizo su aparición en "Slave New World". Además, el tema "The Hunt" es una versión del tema del mismo nombre de New Model Army. Por su parte, la canción "Manifest" habla acerca de la masacre de Carandiru, un motín en la prisión de Carandiru de Sao Paulo, Brasil, en el que murieron 111 presos.

En resumen, un disco imprescindible si os gusta la caña y un grupo cuya historia explica mucha de la música que podemos escuchar hoy en día. Slipknot, Ill niño, y otras muchas bandas han bebido del manantial que Sepultura descubrieron.

2008-10-26T20:16:00.001+01:00

Ritualpedia II ~B~

THE BLUES BROTHERS

Lo que empezó siendo un proyecto de dos humoristas para el famoso programa de humor estadounidense Saturday Night Live a finales de los años 70 acabó convirtiéndose en un revival de blues y soul que volvió a situar en primera línea a artistas como Aretha Franklin, John Lee Hooker o Ray Charles.

John Belushi y Dan Aykroyd se conocieron en los castings para el show y comenzaron a intercambiarse la música que ambos escuchaban. John venía del rock y el heavy-metal, pero tras escuchar los discos de blues de Dan decidió que debían formar una banda de blues. El nombre lo proporcionó el director de la banda de directo del programa, que acompañó a los dos actores hasta que formaron la Blues Brothers Band; y respecto a su inconfundible indumentaria, el sombrero y las gafas de sol los copiaron de la portada de un disco de John Lee Hooker, y el traje y la corbata vienen inspirados por la forma de vestir de los músicos de los 50 y 60, que pretendían así parecer hombres de negocio y no músicos, para evitar rechazos sociales; además de un guiño a los “Men In Black”

Las primeras actuaciones de John y Dan fueron en pequeños clubes, no tenían claro cómo dar el salto a audiencias más grandes; de hecho, su primera actuación en el programa la hicieron disfrazados de abeja. Pero cuando decidieron comenzar con la banda de forma seria, consiguieron reunir a grandes músicos de soul para formarla, como Steve Cropper y Donald “Duck” Dunn, guitarra y bajo respectivamente de la mítica banda del sello Stax, que grabaron para Aretha Franklin, Otis Redding o Wilson Pickett; o Matt “Guitar” Murphy a la guitarra solista.

El primer disco que publicaron fue un directo, “Briefcase Full Of Blues” en 1980, del que editaron como single una versión de la canción de Sam & Dave, “Soul Man”. El éxito que obtuvieron fue tan inesperado como arrollador, vendiendo 3 millones y medio de copias y llegando el single al nº 1 en las listas.

Tras el éxito, decidieron hacer junto con el director John Landis una película sobre el grupo, The Blues Brothers, que hizo que su fama llegara a todas partes del mundo; pero la banda sonora, a pesar de incluir a gente como Ray Charles, James Brown o Aretha Franklin, vendió menos que su predecesor; más tarde se publicó otro directo, “Made in America”. Sus pobres ventas hicieron que John y Dan decidieran aparcar el proyecto momentáneamente.

La muerte de John Belushi en 1982 por sobredosis hizo que se truncara el proyecto de una segunda parte de la película; pero la banda ha continuado hasta nuestros días con cantantes como la leyenda del soul Eddie Floyd, tocando en directo de forma continuada y publicando discos esporádicamente. Por otro lado se filmó una secuela, “Blues Brothers 2000”, con John Goodman sustituyendo a Belushi, pero que no hace justicia en absoluto a esta banda que volvió a llevar el blues y el soul al gran público en un momento en el que estas músicas no estaban en su mejor momento.

THE BUG

The Bug es el alias que Kevin Martin usa para uno de sus múltiples proyectos, y en el que está más centrado en estos momentos. Kevin Martin es un músico londinense, amén de productor, crítico musical y propietario del sello Pathological Records, que desde hace más de 10 años reparte su tiempo entre bandas de dub, free jazz y hardcore, hip hop industrial y dubstep (The Bug). Su banda más conocida hasta el momento ha sido Techno Animal, con Justin Broadrick, que perteneció a Napalm Death y milita ahora en Godflesh y Jesu, y con quien practica un hip hop industrial al que se han unido ocasionalmente gente como Anti-Pop Consortium o Vast Aire; además ha remezclado a gente como Thom Yorke o Primal Scream.

Como The Bug, Kevin Martin se mueve entre el dub, el dancehall, el noise, el hip-hop y el techno. Resultado: el dubstep que ha plasmado en su disco London Zoo, editado en Ninja Tune este año. Este proyecto lo comenzó con DJ Vadim en 1997, para hacer una banda sonora alternativa a la película de Coppola “The Conversation”. Tras esto, Martin ha usado el seudonimo de The Bug para mostrar su pasión por el dub y lanzar todos los experimentos sonoros que ha realizado junto a toasters o cantantes de reggae desde el 2001, con lanzamientos esporádicos que han servido de preparación para un disco que va a ser de lo mejor que vayáis a escuchar este año. Junto a toasters como Tippa Irie, Warrior Queen, Ricky Ranking o Flowdan, Martin ha unido a la perfección la denuncia del reggae, la oscuridad densa del dubstep y la precisión rítmica del techno. El resultado es un contundente disco que esperamos tenga continuidad en el futuro, porque gracias a The Bug el dubstep puede empezar a trascender sus fronteras underground sin perder un ápice de su autenticidad.

2008-10-23T10:39:00.003+02:00

Comienza el Proyecto Peterson !!!

Querida audiencia, como ya sabéis, hemos comenzado un disparatado proyecto para convencer a los señores de Cuatro Televisión de que incluyan en su parrilla de programación la que, sin duda, es la mejor serie humorística de todos los tiempos, Búscate la Vida.

Acabamos de abrir un Blog paralelo a este de Ritual de lo Habitual, para tratar el tema con mas profundidad, en él encontraréis enlaces sobre la serie, videos, así como toda la información sobre las iniciativas que vayamos tomando. Todo sea por disfrutar una vez más de esta serie de culto, que mucho tiene que ver con la música de Ritual, ya que su banda sonora contaba con grupos de extraordinaria factura, tales como REM. Animo !!!

[Enlace al Blog del Proyecto Peterson]

2008-10-21T16:04:00.000+02:00

Escaleta Lunes 20 de Octubre de 2008

~ Entrevista a Vetusta Morla ~

2008-10-17T12:57:00.002+02:00

Por si no puedes esperar...

Enlace para descargar nuestra entrevista a Vetusta Morla

Pincha en este Enlace, RapidShare

2008-10-12T17:14:00.003+02:00

Esta semana... Entrevista Exclusiva a Vetusta Morla

2008-10-06T20:07:00.001+02:00

TOMO II, ~A~

Vuelve la ritualpedia, regresa en su edición tomo 2 temporada 2008-2009. En ella intentaremos mostrar el índice musical de nuestras vidas, intentaremos recomendaros grupos, estilos, instrumentos y cosas varias relacionadas con el rock. Y con el rock estaban relacionadas las tres palabras con las que iniciamos el anterior volumen. Esas palabras no eran otras sino AC/DC, Alcohol y Amplificador. Para esta entrega, cuyas tapas regalaremos junto con una de esaladilla, empezaremos con…

Alice in Chains

Alice in Chains se formó oficialmente en el año 1987, cuando el baterista y cantante Layne Staley y el guitarrista Jerry Cantrell se conocieron en una fiesta y decidieron formar una banda, ya que compartían gustos musicales y habían estado tocando en bandas de glam metal, estilo predominante en la época. Al poco, Cantrell se topó con el bajista de Gipsy Rose, Mike Starr, quien aceptó la oferta de entrar en la banda. Por último, sólo quedaba vacante el puesto de batería, para lo cual se reclutó a Sean Kinney, quien estaba saliendo con la hermana de Starr.

Considerada una banda “Grunge” Alice in Chains es más bien una banda de rock oscuro, promovida por la imagen pesimista sobre las drogas y la muerte que siempre asomaba en las letras de Staley. Oculto bajo un sonido claramente deudor del metal, se encuentran las tristes y enfermizas letras que se alzan como estandartes de la generación X con lo que consiguen ser parte del Mainstream.

Aunque la banda nunca emitió ningún comunicado certificando su ruptura, se considera que ésta vino de la mano de la muerte de Layne Staley el 5 de abril de 2002, a causa de una sobredosis de speedball (combinación de heroína y cocaína), aunque su cuerpo no fue encontrado hasta el día 20 de abril. La muerte de su novia a causa de una endocarditis bacteriana en 1996 había sumido al vocalista en una profunda depresión que intentó combatir por medio de las drogas.

La muerte de Staley hizo que el segundo disco solista de Cantrell, titulado Degradation Trip, fuese dedicado a la memoria del fallecido cantante. De ellos, de Alice in Chains, nos quedan como tributo alguno de los mejores discos de la historia del Rock, Discos como Dirt de octubre de 2002 que contiene himnos como “Them Bones” o “Angry Chair”, o temas como “Got me wrong” elegido magistralmente por Kevin Smith en 1994 para la banda sonora de una de las mejores películas de la historia del cine, Clerks.

Amazing Disgrace

Cuarto Álbum de la banda de Seattle “The Posies”. Una de las bandas de powerpop más reconocidas de los años 90, con lp’s imprescindibles para la discoteca de todo amante de la buena música. Este disco, en concreto, es mi álbum favorito de Posies, aunque el más laureado, bien lo sabe maese chispi, es el Frosting on the Beater de 1993. Jon Auer y Ken Stringfellow, a los que veremos en directo la semana que viene, demostraron toda su madurez musical en esta entrega, regalando infinidad de registros y arriesgándose con algunos temas que acabarían siendo imprescindibles de esta maravillosa banda. Espero escuchar maravillas como Please Return It (mi tema favorito de the Posies), como Precious Moments o como Hate Song.

En 1996, Joe Bass al bajo y Brian Young (futuro batería del grupo neoyorquino Fountains of Wayne) a las baquetas se unen al grupo y se encierran en el estudio para dar vida al que sería el cuarto álbum de la banda, “Amazing Disgrace” (1996 – Geffen Records). En este disco, The Posies se adentran aún más en ese sonido más “sucio” que habían experimentado en “Frosting On The Beater”, llegando incluso a rozar el punk pop en algunos temas como por ejemplo “Grant Hart” o “Broken Record”. Además, en este álbum podemos encontrar desde canciones puramente pop como “Song No. 1” , hasta ejemplos de hard rock como “Throwaway”, que demuestran la versatilidad de Auer y Stringfellow a la hora de componer. Al igual que su predecesor, “Amazing Disgrace” fue acogido con buenas críticas, pero de nuevo volvió a fallar en las ventas, en parte por la falta de promoción de la compañía de discos que seguía presionando a la banda para que compusieran un éxito. Finalmente, Geffen Records acabó por rescindir el contrato que les unía al grupo. Un año más tarde, Stringfellow publicó el que sería su primer álbum en solitario “This Sounds Like Goodbye”.

2008-10-06T20:04:00.002+02:00

TEMPORADA 2008-2009

Coldplay anuncia nuevo material en noviembre
El lanzamiento del nuevo single de lo último de Chris Martin y los suyos vendrá acompañado de sorpresas. Se trata de un nuevo EP que contendrá tres temas inéditos de la banda y que verá la luz el 10 de noviembre.
Chris Martin y los suyos han escogido Lost! como nueva muestra de su último disco, Viva la Vida, y cuyo publicación vendrá acompañada de tres temas más, que compondrán un EP que desde el próximo mes de noviembre tan sólo podrá adquirirse en formato digital.
El vídeo de su nuevo tema Lost!, dirigido por Mat Whitecross ya puede verse en la web del grupo, que hace unos meses anunciaba nuevo material para el invierno.

Lo nuevo de The Killers será ‘Day And Age’
La famosa banda de Las Vegas The Killers están a punto de terminar su tercer trabajo de estudio (si excluimos ‘Sawdust’) y ya ha dado a conocer cuál será su título: ‘Day And Age’.
El grupo liderado por Brandon Flowers actuó en varios festivales europeos, aunque ninguno español, en los que presentó en directo algunos de los temas de su próximo disco. Tras el lanzamiento de ‘Day And Age’, en el mes de noviembre, se espera que la formación vuelva de nuevo a Europa aunque, de momento, tan solo hay algunos rumores sobre sus posibles actuaciones.

Wes Borland, antiguo guitarrista de Limp Bizkit, es el nuevo fichaje de Manson para su grupo.
Wes Borland, conocido por haber sido el guitarrista y la imagen más impactante, con permiso de Fred Durst, de Limp Bizkit – aquel grupo de nu metal tan conocido a finales de los 90 -, es ya oficialmente el nuevo fichaje de Marilyn Manson.
El músico, que en estos últimos años ha estado trabajando con su propio grupo llamado Black Light Burns, se ha convertido en un miembro permanente de la familia Manson.
Borland se une así a Ginger Fish, Chris Vrenna, Manson y a Twiggy Ramírez (que ha regresado al grupo tras seis años trabajando en otros proyectos).
El polémico Brian Warner, líder de la formación, ya ha adelantado que el próximo álbum de la banda tendrá un sonido muy heavy y violento, y podría llegar a las tiendas de discos en diciembre.

2008-06-18T11:11:00.003+02:00

Ya tenemos apartamento!!!

Por si no lo sabéis, los integrantes de Ritual de lo Habitual veraneamos juntos (triste pero cierto). Desde nuestro "Apartamento para tres" seguiremos con vosotros en la Onda Local de Andalucía cada semana.

Y para los que creíais que no seríamos capaces de encontrar un sitio, os anunciamos que nuestras gestiones van dando resultado. Si todo va bien, dentro de una semana comenzaremos a contar nuestras peripecias desde nuestro sitio de veraneo. Un apartamento que encierra multitud de secretos e historias. Aquí os dejamos una afoto del edificio.

2008-06-05T18:33:00.003+02:00

Ritualpedia. Resumen del TOMO I.

Muchos han sido los artistas, canciones, conceptos, ideas, seres humanos, seres no humanos, fauna y flora que han tenido su particular hueco en nuestra Ritualpedia.

Una sección que ha tenido su primera edición en esta temporada de Ritual de lo Habitual que va tocando a su fin. Una sección que se nos ocurrió algún día de otoño, que nos ha mantenido entretenidos (a nosotros, y esperamos que también a vosotros), y que esperamos también haya servido para, en algunos casos, aprender, y en otros para recordar cositas del mundo de la música.

Han pasado por aquí, por nuestra particular enciclopedia de bolsillo términos como (en orden inverso):

ZAPP, ZYDECO y ZUTONS que han sido los últimos. Nos pusimos sesenteros con Yesterday, Ye-ye, y eufóricos con Yeah!. Algo nostálgicos con nuestra Generación X. Afilamos las guitarras con el eterno riff de Welcome to the Jungle, practicamos con un Wah-Wah que nos habían prestado los Weezer para acercarnos al sonido Hendrix en Voodoo Child, que se grabó en nuestro querido Vinilo, y que no tiene Video Clip (que yo sepa).

Maese Chispi nos trajo un UKELELE en la letra U, y se empeñó en tocar algo URBAN, que acabó sonando más bien a U-ROY.

The Smiths compartieron letra con gente que seguro que no habría otra forma de que coincidieran, como Tenacius D o los legendarios Iron Maiden con su The Number of the Beast.

La S se me atragantaba cuando leía aquellas líneas que la convertían en Z, por ahí aparecieron el Sampler, el clásico Sex, drugs and rock’n’roll y otro clásico de nuestros días, Smells like teen Spirit.

Ramones compartieron cartel con REM y con Rammstein en un festival donde bien podían haber estado QUANNUM PROJECTS, DJ Q-BERT, o QUEENS OF THE STONE AGE.

Pearl Jam miraban desde la P de reojo a Public Enemy preguntándose que tendrían en común los rockeros y los raperos. La respuesta vino casi sola en la tercera P, que no era otra que la Poesía.

Actuaciones estelares de nuestra Ritualpedia fueron sin duda OLVIDO GARA, que sigue igual… de bajita, ORCHESTRA BAOBAB, o los incansables corredores de cinta estática OK GO.

Rendimos pertinente tributo al Nevermind, más vivo que nunca. Un disco que seguro alguna vez escucharon Nada Surf y que todos llevamos encima gracias al MP3.

No faltó McCartney, ni las imprescindibles Maquetas en la letra M.

JOHN LYDON, que bien podría haber grabado para LUAKA BOP con LED ZEPPELIN algún tema de Kiss al estilo KoRn y que a buen seguro no se hubiera parecido en nada al Killing Me Softly… o quizás si??

Janis Joplin compartió letra con Johnny B. Goode y con Jane’s Addiction, padrinos sin saberlo de nuestro particular y semanal Ritual de lo Habitual.

En la I sacamos al INDIE que todos llevamos dentro (aunque algunos no lo reconozcamos en público). Maese Chispi nos descubrió el ILLBIENT y remató con otro imprescindible IAN DURY & THE BLOCKHEADS.

Disfrutamos una vez más con los HEROES DEL SILENCIO, después de que se forraran con su gira de reunión, y nos acercamos al HARD ROCK pasando por otro de los himnos generacionales, HEROES de Bowie.

En la G se me volvió a ver el plumero con Grunge, palabra que llevaba dentro y que emparejé con Gangsta y con los cada vez más redundantes premios Grammy.

La música y sus instrumentos. Tributo no publicitario a la leyenda de las FENDER, toque exótico con el FAVELA FUNK y obligada parada en FOO FIGHTERS.

Dos caras tuvo la letra E, la de Elvis y la de su versión más friki ElVez, los dos a bordo del Enola Gay.

En la D, un hombre que se apellida Zimmerman, Dylan (Bob), con un Disc Jockey en las ya míticas Desert Sessions, donde no hubiera venido mal un CAJÓN FLAMENCO, instrumento de origen peruano que bien pudiera utilizarse para hacer CRUNK con versiones de los CLASH.

Y terminamos por el principio, con un Bajo que se trajo Félix, instrumento que apenas se escucha en el Black Album de Metallica y que tenía forma de violín en los Beatles. Un bajo que bien podríamos haber enchufado a nuestro Amplificador de la letra A. Para tocar los acordes (tres) de algún temazo de AC/DC en una atmósfera cargada de humo y Alcohol.

Así terminamos lo que empezamos, y hablando de alcohol, esperamos que la Ritualpedia no os deje resaca y que tengáis ganas de más.

FIN DEL TOMO UNO. CON EL DOS GRATIS LAS TAPAS Y LA PRIMERA PIEZA DEL COLECCIONABLE “MONTA TU MINIESTUDIO DE GRABACIÓN CON PALILLOS DE DIENTES”.

2008-05-23T11:04:00.001+02:00

fin de la primera entrega Z

ZAPP

La Zapp Band es uno de los grupos de soul y funk más famosos y respetados de finales de los años 70. Formados en 1978, sus integrantes eran 5 hermanos: Roger (voz), Larry (percusión), Lester (batería), Tony (bajo)y Terry Troutman (teclados). A éste último se le apodaba Zapp, y de ahí viene el nombre de la banda. En 1979 fueron descubiertos por George Clinton y todo el colectivo P-Funk, que los ficharon para su sello. Al desaparecer éste pasaron a la nómina de Warner, y en 1980 apareció su primer álbum, homónimo, que supuso un increíble éxito, llegando al platino y al Top Twenty en el Billboard. El single de este disco, “More Ounce To The Bounce”, pasa por ser el tema más sampleado en la historia del hip-hop, y contiene los dos elementos típicos del sonido Zapp: la batería con sonido de palmas y la voz pasada por el filtro de la Talk Box.

Larry pasó de percusionista a manager del grupo, y Roger alternó los discos de Zapp con otros editados a su nombre, aunque contando con miembros del grupo para realizarlos. Los éxitos siguieron sucediéndose con cada nuevo lanzamiento hasta el año 1985, cosechando una fama de directos increíbles. A pesar de no dejar de girar, la carretera fue desgastando al grupo, sufriendo modificaciones en su formación a lo largo de los años.

El sampleo constante de sus temas y un recopilatorio de grandes éxitos en 1993 reactivó el interés por el grupo; pero el asesinato de Roger por parte de su hermano Larry y su posterior suicidio en 1999 truncaron momentáneamente la carrera de Zapp hasta que Terry, en 2002, se hizo cargo de la banda, volvió con nuevo disco y hasta la fecha sigue girando en directo manteniendo el nivel que ha caracterizado siempre a esta máquina de funk.

ZYDECO

El Zydeco es un estilo musical propio de los criollos de habla francesa de Nueva Orleáns, que surgió a mediados del siglo XVIII en las casas de baile donde se reunían para bailar y relacionarse. Es un estilo que surge de mezclar la música tradicional criolla con el blues y con la música de baile de entonces, como los valses, two step o shuffles.

En esta época los criollos eran la clase más poderosa de la comunidad de Nueva Orleáns y tenían un estatus social único para la gente de color, análogo al de la raza blanca, y más sorprendente aún es que ocurriera en el sur de los Estados Unidos; incluso se regían por un código de leyes propia, El Code Noir. Pero tras la Guerra Civil, al abolirse las diferencias de raza y clase, perdieron estos privilegios, y los criollos se concentraron en sus labores agrícolas, intentando mantener su identidad.

Tras la II Guerra Mundial, algunos criollos salen de Nueva Orleáns para buscar trabajo fuera de Luisiana, llevando su música con ellos. El Zydeco comienza a recibir influencias del rock´n´roll, del jazz, del rhythm & blues… así nace el zydeco contemporáneo. El nombre deriva del francés Haricots, que quiere decir habichuela; y se le dió este nombre porque la primera canción famosa del zydeco se llamaba Les Haricots Sons Pas Salés, las habichuelas están sosas (porque el cantante es tan pobre que no le puede echar cerdo salado para darle sabor al guiso).

Ésta es una música folk de baile muy alegre y animada, fácilmente reconocible por sus instrumentos principales: el acordeón para la melodía, y el rubboard para la percusión. El rubboard no es ni más ni menos que un lebrillo para lavar la ropa, pero metálico, que se sujeta a los hombros y se raspa con dos cucharas, también de metal. Las bandas de zydeco pueden estar tocando durante horas y horas, hasta que se acabe la fiesta. Es un folk distinto al topicazo que tenemos en mente de Estados Unidos, y cuyo número de seguidores va en aumento año tras año.

ZUTONS

The Zutons es uno de esos grupos ingleses realmente interesantes que aquí en España pasan un poco desapercibidos, a pesar de que su trayectoria y su trabajo va mejorando con cada nuevo álbum que publican. Surgidos de las cenizas de otros grupos, la banda se forma alrededor de su cantante y guitarrista David McCabe, y publican su primer disco, Who Killed…. The Zutons? en 2004. Comparten ciudad (Liverpool), sello discográfico (Deltasonic) y productor (Ian Broudie, lider de los Lightning Seeds) con otro excelente grupo, The Coral, lo que les vale comparaciones sin mucho sentido, ya que la música de ambos grupos sólo se parece en que es difícil de clasificar. Este disco se coloca en el nº 13 de las listas de ventas, y pasa un año hasta que llega al nº 9; es decir, se mantiene constante en las listas mientras va convenciendo a público y crítica, hasta obtener un disco de platino y ser nominados al Mercury Prize y a los Brits.

En 2006 publican su segundo disco, Tired Of Hanging Around, que llega al nº 2 en las listas británicas, consiguiendo doble disco de platino, y se embarcan en dos giras por Inglaterra y otra por U.S.A. junto con The Killers.

Actualmente acaban de terminar la grabación de su tercer trabajo, You Can Do Anything, producido por el gran George Drakoulias, que se publicará el 2 de Junio; el single de adelanto, Always Right Behind You, lo podéis escuchar a partir del 26 de Mayo.

Varias curiosidades sobre The Zutons:

- El sonido del grupo es bastante peculiar, ya que recoge influencias de muchos estilos musicales. Ante lo complicado de encuadrarles en uno u otro estilo, algún crítico ha llegado a definir su música como psichedelic cartoon punk.

- El último miembro en incorporarse a la banda fue la saxofonista Abi Harding, novia del batería. En los primeros conciertos del grupo, Abi subía a mitad del show a tocar riffs simplísimos de saxo en algunas canciones. Se volvió muy popular entre los fans y a la banda le gustaba como redondeaba las canciones, así que acabó siendo miembro de pleno derecho del grupo.

- La portada del primer disco, en su primera edición, estaba impresa en 3D, y venía acompañada de las gafas Zutons 3D, para visionarla convenientemente. Los fans leales al grupo suelen llevarlas puestas en sus conciertos.

2008-05-16T08:56:00.000+02:00

Esta Semana, en Ritual de lo Habitual...
>>> APNEA <<<

2008-05-16T08:47:00.000+02:00

~Y~

Penúltima letra de nuestra Ritualpedia, es la Y una letra con historia, arte y tronío. Es su antepasada la letra griega ípsilon, y hasta 1726 no fue reconocida por la Real Academia de la Lengua Española, dejándola fuera de las vocales frente a su prima, la i latina, que sí que es una vocal.

Pero, ¿por qué "y griega"? ¿por qué esa connotación sexual en una inocente letra?, y para colmo, y para arreglarlo nos la llaman "conjunción copulativa". Ea! Ya la hemos liado. Bueno, que me voy por las ramas. Vamos a lo que vamos. De todas las Y presentes en la historia de la música, he elegido hoy tres que brillan como tres soles.

La primera, es casi obligada. La música pop tal y como la conocemos hoy en día, quizás no sería la misma sin esta canción. Adorada por muchos y odiada por otros muchos, es quizá la canción más famosa del grupo más famoso de todos los tiempos:

Yesterday

La canción "Yesterday" de Paul McCartney fue grabada por The Beatles para su álbum Help! en 1965, Yesterday es además la canción más regrabada en la historia de la música popular con más de 3.000 versiones. McCartney ha comentado en varias entrevistas que considera esta canción como la mejor de sus composiciones.

"Yesterday" fue la primera grabación del grupo en la que un solo miembro de la banda cantaba, fue compuesta por McCartney, pero debido al acuerdo sobre las composiciones del grupo, en los títulos de crédito se atribuía a la pareja "Lennon/McCartney".

Inicialmente McCartney temió haber plagiado la composición de otro. Según dijo, "Durante cerca de un mes fui a ver gente del negocio de la música, preguntándoles si conocían esa melodía. Fue como si hubiera llevado algo encontrado a la policía. Pensé que si en unas semanas nadie lo reclamaba entonces sería mía".

Después de convencerse de que no había tomado la melodía de otro, McCartney empezó a decidir qué letra le iría bien. Como era costumbre en los Beatles entonces, mientras encontraba la letra para esta canción, le asignó una letra provisional, titulada "huevos revueltos". Uno de los versos de esta letra dice "Scrambled eggs / Oh my darling you've got lovely legs".

Tiene más de 3000 versiones en todo el mundo.
Se calcula que suena en alguna radio del mundo una vez por minuto.

Ye-ye

El movimiento ye-yé tuvo sus orígenes en el programa de radio Salut les copains, creado por Lucien Morisse y presentado por Daniel Philipacci, que salió en antena por primera vez en diciembre de 1959. El programa resultó un éxito inmediato y una de sus secciones, Le Chouchou de la Semaine se convirtió en el punto de partida a una carrera exitosa para muchos yeyés. Todas las canciones presentadas como chouchous iban directas a los primeros puestos en las listas. Solían ser temas bastante bailables, no sabemos si de ahí su nombre, ya que incitaban al público femenino a mover precisamente eso, el chouchou. El fenómeno Salut les copains continuó con la publicación de una revista del mismo título, publicada por primera vez en Francia en 1962. Esta revista fue más tarde publicada también en Alemania, España e Italia, con éxito similar.

El movimiento ye-yé, aunque nacido en Francia, fue un movimiento musical eminentemente europeo.

En Italia, Mina representó a un nuevo tipo de ye-yé: componía sus propias canciones y tenía influencias del rock y del jazz. Por su parte, Rita Pavone representaba a la chica ye-yé tradicional, con su rostro aniñado y sus éxitos cargados de ingenuidad.

En España, al principio la música ye-yé fue en cierto modo reprimida (se cuenta que en concierto de los Beatles en Madrid en 1967 multitud de chicas fueron amonestadas por la policía por "vestir provocativamente"), pero aun así alcanzó un gran éxito que duró incluso más que en el resto de los países. En 1968 Massiel ganó Eurovisión con La, la, la, compuesta por El Dúo Dinámico; en 1971 Karina intentó repetir triunfo con En un mundo nuevo, quedando en tercer lugar. Otras representates de la música yeyé en España fueron Marisol, Rosalía, Jeanette, Gertru o Conchita Velasco.

Algunos de los grupos que hoy en día admiten influecias de la música ye-yé son La Casa Azul, Les Très Bien Ensemble o Cola Jet Set en España; The Pipettes o Belle and Sebastian en el Reino Unido.

Yeah

Quizás sea esta la palabra más usada en la historia de la musica, o por lo menos, empatada a puntos con "love". La diferencia es que la que nos ocupa es una palabra inventada y que a priori, no significa nada. Es una derivación del término "yes", que como todos sabemos, si lo dice un hombre significa " a lo mejor", y si lo dice una mujer significa "ni de coña".

Muchos músicos has tomado esta expresión como nombre, o parte del nombre de su grupo, o han incluido esta expresión en el título de algún tema. Ejemplos recientes son los "Yeah yeah yeahs", Yeah! Se llama el disco de versiones de Def Leppard, yeah se llama una canción de Usher, y así podríamos seguir durante Rituales y Rituales.

Es verdad también que cada intérprete le ha dado al yeah una personalidad propia. Famosos son los YEEHEAH de James Hetfield, de Metallica. Los yeah yeah más mariquitosos de Prince, los yeah que protagonizan el estribillo de una de las canciones más famosas de Nirvana, Lithium. O cómo olvidarnos del "She loves you yeah yeah yeah", de los Beatles.

Sirve el yeah como apoyo, oooohhh yeah, como enfatizante en una frase yeah!!, y como principal recurso en multitud de películas donde sale gente sudando "yeah, yeah, nena!"… pero bueno, eso es otra historia.

En resumen, nunca una palabra tan corta de longitud y de significado ha tenido tanta importancia en la historia. Y por supuesto, en la música tenía que ser.

2008-05-16T08:37:00.002+02:00

~X~

Bueno, pues hoy la Ritualpedia se pone sociocultural, ya que musicalmente es complicadísimo encontrar algo que comienze con la x… aparte de que no creo que muchos de vosotros esté interesado por ese instrumento de sonidos angelicales que es el xilófono. Así que vamos a tratar un asunto de los que luego veremos su influencia en la música.

Generación X

Se denomina con este nombre a la generación siguiente a la del baby-boom, cuya adolescencia transcurre en los años 80, y que se supone es una generación confusa y que intenta conservar ese espíritu de adolescencia. Esta generación está obviamente englobada en la cultura occidental, y se enmarca en ella a los nacidos entre principios de los 60 y finales de los 70. Los nuevos sistemas de enseñanza, las nuevas tecnologías que empiezan a aflorar y a instalarse en los hogares, conviviendo al mismo tiempo con los juegos y las costumbres tradicionales, que a su vez se mezclan con nuevas estructuras familiares; más las crisis económicas de esos años y el paro que surgirá del gran número de personas que buscarán trabajo sin éxito debido al aumento de población, hace que todos esos críos se conviertan en adolescentes que no comulgan con las costumbres de sus mayores, que sean desconfiados y descreídos con las promesas de sus mayores, de las instituciones y los políticos, sin objetivos claros sobre qué hacer en la vida…

Musicalmente, esta es la generación que rompe con la música anterior, y la que hasta el momento ha llevado a cabo mas “revoluciones musicales”: los primeros en llegar, a mediados de los 70, comienzan a hacer punk, renegando tanto en ética como en estética de lo hecho hasta el momento; surge el krautrock y luego el electro de Kraftwerk en Alemania; después nos encontramos con la New Wave, el post-punk y lo gótico; el rap surge de las calles de Nueva York; también de allí es la no-wave; en la parte sur comienzan las primeras fusiones entre funk y rock duro, y también nos encontramos con los primeros grupos hardcore y straight-edge; en Inglaterra aparecen los nuevos románticos; la música de baile se reinventa con el techno y más tarde el acid-house, además de mezclarse con el rock; también se mezcla el soul con el rap: acaba de nacer el trip-hop…

Y por supuesto, todo esto habría sido imposible sin algo que ya existía pero que con essta generación explotó: la independencia. Sellos minúsculos que dan salida a las inquietudes de grupos que, con mayor o menor éxito, acabarán influyendo sobremanera en la música que hoy escuchamos o hacemos. Esto fue tan importante que a una forma de hacer rock se la llamó indie, sin importar que fuese más duro, más experimental, de raices, eléctrico o acústico: Pixies, R.E.M., Sonic Youth, Dinosaur Jr….La que podríamos considerar última corriente musical de esta generación es el grunge, mezcla de hard rock e indie que revolucionó el panorama sonoro del momento, gracias sobre todo a Nirvana y Pearl Jam; además estaban Mudhoney, Soundgarden, Alice In Chains, Screaming Trees… Jonathan Demme intentó reflejar esta eclosión de grupos de Seattle en su película “Singles”. Por último, recordar que el nombre dado a esta generación viene del gran libro “Generación X”, de Douglas Coupland, donde se hace un repaso a la angustia vital de este grupo de personas a los que los componentes de Ritual de lo Habitual pertenecemos.

2008-05-12T08:29:00.000+02:00

Escaleta lunes 12 de Mayo de 2008

Artista Invitado: Fan (live)

2008-04-29T08:56:00.001+02:00

El video al que hacíamos referencia el pasado ritual,
weezer en la Mansion Playboy, Beverly Hills...

2008-04-29T08:53:00.000+02:00

Escaleta correspondiente al programa emitido el

Lunes 28 de Abril de 2008, salud

2008-04-26T21:24:00.001+02:00

Ritualpedia ~W~

Es lo que tiene vivir en españa, que las uves dobles siempre han estado perseguidas, es más, usadas para los mas siniestros propósitos, y ojo, que en Ritual no tenemos nada contra los Wallance, los Westinhouse o los Warriors, pandilleros de pro. Lo que tenemos es que en castellano la uve doble es como que… como que se usa solo en triple y siempre delante del nombre de una página web, leches, una palabara con W. Nos disculpe Walker, texas ranger, o los jugadores de Warcraft, pero como que no hay cancion de grupo español que destaque por esta famosa consonante, y aunque podría hablar de The Who, esta digna banda pertenece más bien a la T, por lo que empezaré con una coplilla….

Wellcome to the Jungle. Guns N’ Roses

Welcome to the jungle es el primer single de la banda norteamericana de rock "Guns N' Roses" sacado del álbum "Appetite for Destruction". Quizá uno de los más famosos y conocidos estandartes del rock de finales de los 80’ y comienzos de los 90’.

Welcome to the jungle fue escrita por Axl Rose y Slash. Según Axl la inspiración para escribir la letra le vino de un encuentro que él y un amigo tuvieron con un vagabundo mientras caminaban por la ciudad de Nueva York, el vagabundo en cuestión les gritó: "You know where you are?, you're in the jungle baby, you're gonna die!" frase incluida en la letra definitiva del tema.

Otra línea "I wanna watch you bleed" fue originariamente escrito como una alusión al tema de AC-DC If you want blood (You´ve got it), y la letra de la canción I want you to bleed for me, pero Axl cambió las letras una semana antes de grabar la canción y la métrica de la letra revisada coincidía mejor.

La canción fue usada durante la Operación Just Cause, durante la invasión de Panamá en 1989. Cuando Manuel Noriega se refugió en la embajada del Vaticano en Panamá, las tropas de Estados Unidos rodearon la embajada y pusieron música a todo volumen. Noriega era muy aficcionado a la opera y detestaba la música rock en general. Las tropas enchufaron sus amplificadores y arremetieron contra la embajada con algo de rock and roll americano. Guns N Roses, Welcome to the Jungle fue la primera canción en salir de los altavoces. Más adelante la música fue parada a petición del Vaticano.

Wah-Wah

El pedal de wah-wah es un tipo de efecto de guitarra y bajo. Consiste en un filtro pasa bajos cuya frecuencia de corte es variable. Cuando esa frecuencia de corte varía de un valor bajo a uno alto, produce un sonido similar a una voz humana pronunciando la palabra "uaaa" (de ahí su nombre). A medida que el pedal es presionado, disminuye la frecuencia de los bajos de la señal que son recortados.

Jimi Hendrix hizo mucho por popularizar el wah-wah a fines de los 60s, como se puede escuchar apenas empieza su "Voodoo Child (slight return)", tema que por cierto formó parte de la letra V de esta misma ritualpedia y que estaba incluido en el álbum "Electric Ladyland" de 1968.
El uso de este pedal se hizo notar en la época de los 80. Varios y famosos guitarristas (como Slash) o bajistas (Jaco Pastorious) usaron éstos pedales para variar el estilo musical y revolucionar el sonido rock de la época. Desde entonces los pedales "wah wah" se usan en la mayoría de los grupos ya que el sonido es muy característico y particular, un ejemplo de un guitarrista actual que usa un "wah-wah pedal" seria John Petrucci, principal guitarrista del grupo "Dream Theater".

También este efecto, se puede utilizar para otros fines diferentes a hacer "hablar" a la guitarra. Por ejemplo, guitarristas como Frank Zappa y Brian May, dejan el Wah Wah activado, dejando el pedal en algún punto medio del recorrido, para sacar un timbre diferente a la guitarra.

Weezer

Weezer es una banda de rock alternativo proveniente de Los Angeles, Estados Unidos, y liderada por Rivers Cuomo. Se formaron el Día de San Valentín de 1992 y hasta la fecha han publicado 5 álbumes de estudio, han vendido 7 millones de discos en EE.UU. Actualmente se ha anunciado un sexto disco para este 2008.

El grupo se formó en Los Ángeles, por Rivers Cuomo (voz y guitarra), Matt Sharp (bajo), Patrick Wilson (batería) y Jason Cropper (guitarra). A las cinco semanas dieron su primer concierto, teloneando a Dogstar, la banda del actor Keanu Reeves. Siguieron dando conciertos en la escena de Los Ángeles hasta firmar con Geffen Records.

Weezer ha citado varias influencias, entre ellas KISS (haciendo referencia directa en la canción "In The Garage") y Nirvana, con quienes fueron compañeros de discográfica un muy breve tiempo antes del fallecimiento de Kurt Cobain. Los primeros demos de Weezer como "Paperface", tienen muchos vinculos obvios a Pixies y Nirvana. La canción "Suzanne" originalmente tenía la frase "Even Kurt Cobain, Slash..." fue cambiada por "Even Izzy, Slash...". El grupo también solía tocar canciones de Nirvana bajo el nombre de Goat Punishment.

En agosto de 1993, Weezer fue a Nueva York a grabar su primer disco, el que sería conocido como The Blue Album, bajo las órdenes del ex-miembro de The Cars, Ric Ocasek. Después de finalizar la grabación, Jason Cropper fue remplazado por Brian Bell, procedente de la banda "Carnival Art". Las guitarras grabadas por Cropper fueron regrabadas por Cuomo y sus voces por Bell. En este disco se encuentran éxitos como "Buddy Holly" o "Undone - The Sweater Song". El disco recogía influencias de grupos como Pixies o los Beach Boys, con un sonido que podía ofrecer similitudes con bandas del momento como Pavement, Sebadoh o Dinosaur Jr. The Blue Album es uno de los discos más exitosos de los '90 y ha llegado a vender más de 3 millones de copias en EE.UU.

El logo de Weezer, frecuentemente mostrado como =w=, fue creado por Pat Wilson durante la mezcla de The Blue Album. El logo, que puede ser visto en el Salón de la Fama del Rock, es una parodia del logo de Van Halen, otra influencia importante en la banda.

2008-04-26T21:20:00.002+02:00

Ritualpedia ~V~

Pues la V es una letra bastante maltratada, sobre todo hoy en día, que los niños con los móviles y el Messenger, todo lo escriben con B. Con B escriben Valencia y con B escriben Volar, con B escriben Vivir, y con B escriben “illo nos vemos a las die en la plazoleta pa ve que hasemo con eso de lo que hablamo que dise er canino que a ve si vamo a eso que si no no te vea que marrón que lleva dos semana to rayao con er tema que dise que no vea que pechá de rayarse con el temita y to eso, yo que se, eso, que nos vemo a las dié”.
El caso es que desde Ritual, nos hemos propuesto hoy reivindicar el derecho de toda V de ser V. Porque es muy digno ser una V y no una vulgar B, porque con seis V se forman 3 W que es lo que sirve para internet, y sobre todo, porque V era una serie de marcianos lagartos que yo veía cuando era chico.
Hoy, vamos a construir un éxito musical. No a la usanza de los concursos de karaoke de la tele, sino con el llamado •Método de las tres V”.

Sigamos un criterio lógico. Un artista, Jimi Hendrix. Una canción, nuestra primera V:
Voodoo Child (Slight Return) es la última pista del disco Electric Ladyland, de The Jimi Hendrix Experience, publicado en 1968. La canción es famosa por el sonido de la guitarra cargada de efectos wah-wah, con acordes mudos combinados con riffs y solos explosivos.
Es uno de los temas más característicos y conocidos de la carrera musical de Jimi Hendrix, por el virtuosismo con que se expresa y por un sonido heavy —lo más heavy que se conocía por aquella época—. El origen de esta canción está en el tema "Voodoo Chile", una improvisación larga de blues que contaba con Steve Winwood y Jack Casady.
Esta canción fue versionada en 1984 por Stevie Ray Vaughan para su álbum Couldn't Stand the Weather.
Voodoo Child es también el título de la biografía del Jimi Hendrix ilustrada por Bill Sienkiewicz.
Ya tenemos una canción, ahora la grabamos, por supuesto en un…
…Vinilo
El material de acetato de vinilo se impuso a otros en la fabricación de discos ya que otorgaba mayor calidad de sonido respecto a los materiales anteriormente usados, como la pizarra de los discos de gramófono o la cera, el papel de estaño o el plástico denominado Amberol de los cilindros del fonógrafo de Edison.
Aproximadamente hacia 1985 el disco de vinilo comenzó a ser desplazado por el CD-Audio, de menor tamaño y mayor durabilidad aunque, al menos al principio, estas ventajas prevalecían a costa de perder calidad sonora.
A pesar que el CD-Audio se ha impuesto sobre el disco de vinilo, éste se sigue editando en pequeñas cantidades y es utilizado tanto por los Disc jockeys como por los audiófilos.
En la actualidad más que nada se utilizan como discos de mezclas para los DJ's en salas de musica, y claro está, siempre hay nostálgicos del vinilo que no soportan los cd y que siguen enganchados al tocadiscos.
A continuación, recordaremos entre lágrimas los tipos de discos de vinilo
Single (Sencillo): 7 pulgadas y una canción por cara, grabados a 45 R.P.M. Apareció en el año 1955.
Flexi disc: 7 pulgadas. Formato de plástico flexible usado en promociones.
Extended Play o EP: 7, 10 o 12 pulgadas con dos o tres canciones por cara, grabados a 33 1/3 o 45 R.P.M.
Maxi single: 12 pulgadas con una sola canción por cara. También conocido simplemente como 12", es el formato mayoritario en el que se edita la música utilizada por los disc-jockeys en sus sesiones. Grabado a 33 1/3 o 45 R.P.M.
Long Play o LP: 4 o más canciones por cara. Normalmente grabado a 33 1/3 R.P.M. o 16 R.P.M.

Bueno, nuestro artista ya tiene su canción grabada en un disco. Ahora lo promocionamos con un…
…Video Clip.
Los videos musicales se hacen y usan principalmente como técnicas de marketing con la intención de promocionar la venta de discos. Aunque los orígenes de los videos musicales vienen de mucho más lejos, veamos un poco de historia.
Ya en los años 20, una corriente de creadores europeos sientan las bases de la música visual, creando piezas de imagen para temas musicales preexistentes. Más tarde, en 1930, Carlos Gardel graba diez canciones en Argentina capturando a la vez imagen y sonido. En 1940, Walt Disney crea la pelicula Fantasia, mezclando la animacion y la musica. Nacen las películas musicales. Como siempre, la industria del cine huele el dinero y crea una auténtica ola de filmes de Rock & Roll. (Rock Around the Clock, Don't Knock the Rock, Shake, Rattle and Rock, Rock Pretty Baby), y las famosas películas de Elvis Presley, que más que nada eran presentaciones de sus nuevos trabajos discográficos metidos dentro de una historia.
La televisión crea en los 60 programas como Top Of The Pops en Reino Unido, o Hullabaloo en Estados Unidos. Los grupos presentan sus canciones en la tele. Los primeros videos conceptuales son transmitidos, como "Paperback Writer" y "Rain" de The Beatles. En 1967, salieron videos más ambiciosos como "Penny Lane" y "Strawberry Fields Forever".
Las industrias discográficas empezaron a producir "promos", primeros videos musicales que empezaron sustituyendo las presentaciones en vivo de los artistas en los programas de televisión.
En 1974 el grupo sueco ABBA, graba sus dos primeros videos: Ring-Ring y Waterloo, sin embargo fue hasta un año más tarde, con el video de Dancing Queen, que los videos se convierten en algo rentable para la promoción de los sencillos del grupo.
En 1975, Queen, lanza "Bohemian Rhapsody", el cual se considera como el primer video clip de la historia.
En 1981 MTV, el primer canal de videos musicales las 24 horas, sale al aire. Inicialmente, pocos operadores de cable lo tenían, después de volvió un mayor éxito e icono cultural. El primer video que emiten es Video Killed the Radio Star del grupo The Buggles.
En 1983, aparece el video Thriller de Michael Jackson, que marca un antes y un despues en la insdustria del videoclip,brindandoles una tematica y revolucionando la forma de hacerlos. Considerado hasta nuestros dias como el mejor video clip de la historia.
A partir de ahí, más o menos, todos conocemos la historia.

2008-04-17T18:02:00.001+02:00

Ritualpedia U

UKELELE

El ukelele es un instrumento de 4 cuerdas originario de las Islas Hawai, creado a partir del cavaquinho, una guitarra introducida por los inmigrantes portugueses y que los hawaianos adaptaron para su música tradicional. Es un instrumento con el que se tocan acordes, no se usa para arpegiar ni para solos, por su tamaño y la poca cantidad de cuerdas que tiene. Esto hace que sea sencillo de tocar, y por esto y por su sonido tan peculiar se hizo muy popular a mediados del siglo pasado en Estados Unidos; y de allí al resto del mundo. Músicos como Elvis Presley, Neil Young, Artie Shaw o Vic Chesnutt lo han usado con asiduidad; y si nuestras fuentes no nos fallan, Eddie Vedder no sale de gira sin su ukelele para pasar las horas muertas.
Por cierto, el significado de la palabra ukelele en hawaiano es ni más ni menos que “pulga saltarina”.

URBAN

La urban music es una etiqueta que se usa para denominar lo que hasta hace poco se conocía como R´n´B. Aunque este acrónimo se ha usado tradicionalmente para designar al rhythm and blues de los años 40, se adoptó a principios de los años 80 para englobar a los artistas que, como Michael Jackson, reactivaron la música soul y el sonido disco. De todas formas, en esos primeros años, este estilo era principalmente pop; es a mediados de los 80 que productores como Teddy Riley, o Jimmy Jam y Terry Lewis comienzan a incorporar los nuevos ritmos del hip-hop a sus producciones de soul. Al igual que el hip-hop, este estilo encuentra su caldo de cultivo entre la comunidad negra, y al irse haciendo popular, se va comercializando progresivamente. Al final, los que recogen los frutos son artistas como los babosos Boyz II Men, Mariah Carey o All 4 One, Bobby Brown…

En los 90 la cosa va mejorando un poquito. Las producciones se van separando en dos direcciones; por un lado tenemos a artistas que quieren recuperar el soul de los 70 sin olvidar el ritmo de las calles (gente como Maxwell, Lauryn Hill, Erykah Badu o D´Angelo entregan estupendos discos), y por otro, el hip hop va ganando terreno en las entregas de otros cantantes como Usher, Aaliyah, Mary J. Blige o TLC, con bases musicales con sus mismos elementos (sintetizadores y cajas de ritmos).

A principios de este nuevo siglo la cosa ya se despendola: aparecen nuevos sub-estilos como el crunk o el reggaetón, y en Inglaterra se sacan de la manga el UK Garage, el two-step y el grime; artistas como Missy Elliot o Justin Timberlake pasan del soul al hip-hop como si tal cosa… El R´n´B se queda demasiado corto para dar cabida a tanto sub-estilo y se crea uno nuevo, cajón de sastre donde cabe todo: Urban.

Al final, resulta que tan urban es Craig David como Dizzee Rascal, o Rihanna, Beyoncé o Jennifer López como Ciara o John Legend. Y quien viene de la calle odiará que a su música la encasillen así, mientras que quien desee popularidad o credibilidad no dudará en englobarse dentro de esta denominación.

U-ROY

Éste es el nombre artístico de Ewart Beckford, pero en Jamaica también se le conoce como The Originator. ¿Por qué? Bien, sin U-Roy no existiría el raggamuffin, el dancehall y el hip-hop tal y como lo conocemos.

U-Roy comenzó su carrera en 1961 como deejay en varios soundsystems, siempre a la sombra de otros con mayor fama. El deejay, por aquel entonces, se limitaba a entretener a la audiencia con chistes, introducción de las canciones, etc. Durante casi 10 años fue perfeccionando su técnica y grabando algunos singles con Lee Perry o Keith Hudson. Pero su leyenda arranca cuando el mago del dub King Tubby le ofrece su puesto de principal deejay en su soundsystem. Tubby forma un tándem perfecto con U-Roy: había inventado una máquina que eliminaba las partes vocales de las grabaciones, y el deejay lo aprovecha para hablar sobre toda la canción, improvisando y manteniendo el ritmo: U-Roy había inventado el toasting. El dúo estaba transformando la historia de la música, tanto jamaicana como internacional. En 1970, el excelente cantante John Holt se queda asombrado con el resultado, y convence al dueño de los estudios Treasure Isle y jefe de King Tubby, Duke Reid, de que debe grabar al deejay haciendo lo que hacía en directo. Con la base de antiguos éxitos del sello sin las partes vocales, se editaron 3 singles, “Wake the Town”, “Rule the Nation” y “Wear You to the Ball”, con tanto éxito que se mantuvieron los tres en el nº 1 durante 6 semanas.

Todos los soundsystems necesitan un deejay capaz de hacer lo que hace U-Roy con la música manipulada que crea King Tubby, y rápido; tu soundsystem no vale un duro si no puede ofrecer esa nueva moda, ni vas a vender un disco si no lo haces al nuevo estilo. La semilla del raggamuffin, y por ende del hip-hop, está sembrada y crece rápido: van surgiendo nuevos valores como Big Youth, o Dennis Alcapone; en Nueva York comienzan a surgir soundsystems imitando a los jamaicanos. pero tomando como base el funk en vez del reggae, y con una entonación distinta a la jamaicana: acaba de nacer el rap…

U-Roy continúa en activo tras más de 50 años en esto de la música, y es considerado sin discusión por toda la crítica como el padre del raggamuffin y del hip-hop.

2008-04-15T17:02:00.002+02:00

Escaleta Lunes 14 de Abril de 2008

2008-04-11T15:21:00.000+02:00

The Ukulele Orchestra of GB, Smells Like Teen Spirit

2008-04-10T16:12:00.001+02:00

Nuevo disco y single de NajwaJean, Crime, precioso, sin más

2008-04-08T13:33:00.003+02:00

El pasado sábado se cumplieron 14 años de la muerte de Kurt Cobain. Desde Ritual, lo recordamos con cariño. Él nos cambió a todos.

También recordamos a Layne Staley, que murió el mismo día pero del año 2.002.

2008-04-08T08:10:00.003+02:00

Beats by one pipeline.

Por aquí os dejo la recomendación de la sección de Maese Chispi para esta semana. Son Hot Chip, que significa Patata Caliente.

2008-04-06T20:41:00.000+02:00

Ritualpedia ~T~

The Smiths

The Smiths fue una banda de Indie rock formada en Manchester, Inglaterra en 1982 por el cantante Morrissey y el guitarrista Johnny Marr. La banda disfrutó de un éxito considerable hasta su separación en 1987. Su música ha sido de gran influencia en la música indie britanica, y en los '90, una gran influencia para el Britpop.

El origen del nombre se basa en la historia de David Smith, quien denunciara ante la policía de Manchester la identidad de los asesinos de la pradera (Moors Murders). Sin embargo, en una entrevista en 1984 Morrissey dijo que llamó así a la banda porque era el nombre más común y ordinario y pensaba que era hora de que la gente más ordinaria se mostrara al mundo

En 1983 The Smiths firman contrato con la discográfica Rough Trade Records y graban su primer sencillo "Hand in Glove". Posteriormente lanzaron a las radios los temas "This Charming Man" y "What Difference Does It Make?". De esta manera se fueron haciendo conocidos y en 1984 lanzan su álbum debut bajo el título de “The Smiths”. Con este LP consiguieron alcanzar el segundo puesto en las listas inglesas. Sin embargo la prensa los atacó duramente ya que, según ellos, canciones como "The Hand That Rocks The Cradle" y "Reel Around the Fountain" promovían la pedofilia.

Dado el fuerte carácter del Sr Morrissey, así como de Marr, la vida de esta banda fue todo un calvario, que no desapareció al disolverse la misma. Años despues aún siguen los litigios interpuestos por Andy Rourke, bajista de la formación, contra Marr y Morrissey, debido al impago de Royalties. Sin contar con las extravagancias del lider de los Smith, que hizo cosas como prohibir a los miembros de la banda aparecer en fotografías comiendo carne tras la aparicion de su segundo disco Meat is Murder, disco que incluía un discurso a favor del vegetarianismo.

Tenacius D

Tenacious D (a veces llamada también «The D») es una banda musical estadounidense formada por los músicos y actores Jack Black (1969) y Kyle Gass (1961). Son famosos por sus composiciones humorísticas mezcladas con el rock clásico, punk, country rock, folk, etc. El grupo logró la fama en el año 1999 con una serie del mismo nombre en HBO, en la que Black y Gass se identificaban como «The D» y «la mejor banda del mundo».

Tenacious D lanzó su primer disco, homónimo, en 2001. Fue producido por The Dust Brothers, y en él trabajaron también Dave Grohl (el vocalista y líder de Foo Fighters), Page McConnell (tecladista de Phish), Warren Fitzgerald (guitarrista de The Vandals) y el bajista Steve McDonald.

De él se desprende su canción más conocida hasta la fecha: Tribute, un tributo a «la mejor canción del mundo», la cual fue escrita improvisadamente por The D para poder vencer a un demonio (representado por Dave Grohl en el vídeo). El actor Ben Stiller también hace una corta aparición en el video. Algunas de las primeras versiones de Tribute tenían ciertas similitudes con Stairway to Heaven, de Led Zeppelin sugiriendo así que «la mejor canción del mundo» era, de hecho, aquélla. En la versión final, sin embargo, los indicios casi desaparecieron por completo.

El video de otro de los temas de su primer disco, Fuck her gently (de mayo de 2004), mostraba animaciones de Spümcø, el estudio creador de la serie animada Ren y Stimpy.

Su segundo trabajo, The Pick of Destiny, es la banda sonora de una película de igual título. Esta película es totalmente recomendada por los componentes de Ritual de lo Habitual, ya que sintetiza de manera micrométrica la misma esencia del rock, enseñando todo tipo de aptitudes y movimientos apropiados para este estilo de vida tan peculiar. En el film, hay cameos varios de artistas de renombre del cine o la canción, lo que nos hace pensar que Jack Black además de todo un showman es bastante más popular que Zack Morris, en saved by the bell.

The Number of the Beast

The Number of the Beast es el tercer álbum de Iron Maiden. Fue editado el 29 de marzo de 1982 por EMI en el Reino Unido. Su principal novedad es el cambio de cantante, ya que este es el debut de Bruce Dickinson en la banda que sustituyó a Paul Di’Anno. El álbum supuso un salto en la popularidad de Iron Maiden, llegando a alcanzar el primer puesto en las listas de ventas del Reino Unido y en revistas especializadas es considerado el mejor album de metal de la historia.

Bruce Dickinson – vocals
Dave Murray – guitar
Adrian Smith – guitar, backing vocals
Steve Harris – bass guitar, backing vocals
Clive Burr – drums

Éste albúm y el grupo fueron tachados de satánicos debido a la portada del álbum (en la que se ve a Eddie con una marioneta del diablo, y al diablo con una marioneta de Eddie) y debido también a la temática de algunas canciones.

Como curiosidad contaros que esta polémica portada estaba pensada para el single Purgatory, pero cuando Derek Riggs la terminó vieron que era demasiada buena como para utilizarse en un single.

The number of the beast es uno de los álbumes más renombrados de Iron Maiden ya que podemos encontrar en él algunos de los temas más populares entre los seguidores del grupo, como The number of the beast, Run to the hills o Hallowed be thy name, canciones que aun hoy son frecuentes en sus directos.

Por último comentaros que la BBC incluyo este disco en la serie de documentales musicales que realizó con el nombre de Classic Albums Series. Al mismo tiempo, The Number of the beast esta incluido en Gitar Hero III: Legends of Rock.

2008-04-06T20:37:00.002+02:00

Escaleta Lunes 7 de Abril de 2007

2008-04-04T09:20:00.001+02:00

Ritualpedia S

Una zemana mas, llega la Ritualpedia, eza fuente del zaber repleta de conocimiento que nozotros los integrante de Ritual tenemo a bien compartir con vozotros, nuestro fiele oyente.

Hoy toca la “eze”, esa letra que nozotro los andaluce normalmente ponemo donde nos viene bien o zimplemente donde nos da la gana. Asin zemos.

Como primera eze, hemos elegido uno de los último instrumento, pero no por ello meno popular, aparecido en el mundo de la múzica.

Sampler
Queridos amigo, un zampler, a grandes rasgo, es un aparato que permite muestrear digitalmente secuencia zonoras para ser reproducida posteriormente, o transformada mediante efectos.
El origen del sampler ze remonta a los año 50 pero es en lo zezenta cuando aparece el "órgano" Mellotron, conziderado por mucho el verdadero precuzor analógico de los moderno zamplers. Como anésdota, el Mellotron fue el primer intrumento de esta claze en usarze en música pop. Los mismo The Beatle lo uzaban a menudo.
A finale de los zetenta aparece el Fairlight, el primer zampler digital. Podemos destacar a Trevor Horn, productor de The Buggles y Frankie goes to Hollywood entre otros, como uno de los pioneros en su uso.
Finalmente la propagación y difuzión del uso del zampler ze hase realmente patente cuando la compañía E-Mu zaca al mercado su famoza serie Emulator a principios de los año 80 siendo Depeche Mode y Kraftwerk algunos de zus grande abanderado.
Zon mucho los grupo muzicale que han adpoptado el zampler como instrumento, y para hacer muzicas de distinto género, por ejemplo, Slipknot, Prodigy, The Chemical Brothers, Fat Boy Slim, Moby y muchos otro.

Zex, drug and rockanroll.
Sex and Drug and Rock and Roll fue una cansión y zingle de finale de los zetenta, interpretada y compuesta, junto a Chas Jankel, por Ian Dury, probablemente el má punk del punk-rock británico, ya con the Blockheads, la banda con la que llegó a sierta fama.
Parte de eza fama es debida a las repetida senzuras que la BBC impuzo a zus cancione.
Con el inexcuzable pazo del tiempo, la exprezión “zex and drug an rockanró” ha sido uzada como todo un lema que de algún modo define el espíritu y la forma de vida rebelde de las banda de rock en todo el mundo. Una fraze que queda muy bien en las camizeta, los poster y los tatuaje de algunos roquero de postín.
Como última eze, y como no podía zer de otra forma, hemo elegido todo un himno generacional maldito. Una canción que dividió en dos la línea temporal en la historia de la múzica.

Smells like teen Spirit.
Como ya zabemos todo porque zomos muy listo, esta canción fue el primer zingle de Nevermind, zegundo album de Nirvana. Lo más curiozo que en principio, la canción elegida para programarze a travé de las grande emisora era “Come as you are”. Lo que paza es que smells like teen spirit comenzó a alcanzar notoriedad gracias a las emizoras univerzitaria y al final ze impuso como single.
Para aquellos que no zepáis de donde viene el título de la canción, os diremo que "Teen Spirit" es una marca de dezodorante estadounidense. Cobain tomó el nombre de la canción cuando una amiga, Kathleen Hanna, cantante de la banda de punk Bikini Kill, pintó con spray "Kurt Smells Like Teen Spirit" en una pared. Debido a que estaban hablando zobre anarquía, punk rock y temas zimilare, Cobain lo tomó como un eslogan de esta cauza. El zignificado verdadero del mensaje de Hanna, zin embargo, era que Kurt olía como el dezodorante, que Vail (por eze entonces novia de Cobain y compañera de banda de Hanna) usaba.
El fabricante de este producto rápidamente creó una campaña publicitaria para tratar de hacer algún beneficio por la conexión. Un anuncio de televizión incluía líneas cómo "Do you smell like teen spirit?" y "Deodorant made for your generation" ("Un dezodorante hecho para tu generación").
En cuanto a la letra de la canción, Kurt ziempre defendió la idea de que la letra no decía gran coza, que zimplemente había uzado partes de poema que tenía a medio escribir, luego cada uno le dio la interpretación que más le apetecía.
Mucho ze ha escrito zobre este tema. Como ziempre es la crítica la que nesecita rellenar páginas y hora de programación a baze de darle vuelta a este tipo de cozas. Como nozotros, que zin ser críticos hemo rellenado un buen trozo de programa como el que no quiere la coza.

Muchas noche, y buenas zuerte.

2008-04-03T07:58:00.003+02:00

Beats by one pipeline.

Maese chispi nos ha traido esta semana a Duffy, con su single "Mercy". Ahora que el soul vuelve a estar de moda, no te quedes en Amy Winehouse como todo el mundo. Duffy nos gusta más. Y por lo menos no le huele el aliento a destilería.

2008-04-01T09:45:00.000+02:00

Escaleta Lunes 31 de Marzo de 2008

we're back !!!

2008-03-20T08:24:00.001+01:00

Ritualpedia R

¡Qué desconfort! Llegamos a la letra R, y tras letras de sequía aparece, Radiante y Rotunda, con su Rabillo, con su pronunciación, tan empleada, tan querida… Y es que en la letra R se encuentran palabras básicas de la ritualpedia. En la R está el Rock, con mayúsculas, el Reagee, El Rythm & Blues, estan las Ruidosas composiciones, esta Rayito, que es flamenquín sin queso, estan tantas cosas…

R de Red Hot, R de Reo Speedwagon, R que te quiero R y claro R de rarito, rarito es el término con el que mas nos han descrito a Ernesto y a un servidor. Por R empezaba el Run to the hills de los Iron Maiden, y de R de Ron hemos acabado mas de una noche, hasta las trancas, escuchando a Rosendo Mercado, a Rage Against the Machine o sencillamente el Rugir de la Harley Davidson de Ernesto, o de sus tripas, que rugen y lo hacen a Ritmo de Rondo veneciano…
Pero he de elegir tres erres, y con el permiso de sus satánicas magestades, los Rolling Stones, comienzo por… Ramones

Ramones

The Ramones fue una influyente banda de punk formada en Forest Hills, en el distrito de Queens, Nueva York, Estados Unidos, en el año 1974. En 2002 fueron incluidos en el Rock & Roll Hall of Fame.

Pioneros del naciente punk rock, cimentaron las bases del estilo con composiciones simples, minimalistas y repetitivas, contrarias a la pomposidad del rock progresivo de los años 70. Su sonido se caracteriza por ser rápido y directo, con influencias del rockabilly de los años 1950, el surf rock,The Beatles, The Velvet Underground, las bandas de chicas de los 60's como The Shangri-Las, el garage proto-punk de MC5 y The Stooges y el glam callejero de New York Dolls y T. Rex. Ramones lideró la Primera ola del punk en Nueva York y su influencia se percibe desde The Clash y Sex Pistols a Sonic Youth y Nirvana .

La banda se disolvió en 1996, luego de culminar el último show de su gira mundial en Argentina para luego retirarse en el festival Lollapalooza.

Hablar de Ramones, es, muy a nuestro pesar, hablar de Necrológicas:

Joey Ramone murió de linfoma el 15 de abril de 2001 en Nueva York, mientras estaba escuchando la canción "In A Little While" de U2. (En junio de 2001, en un concierto en Boston, Bono dijo que la canción trataba sobre una resaca, pero Joey la convirtió en una canción gospel)
Dee Dee Ramone apareció muerto en su casa de Hollywood el 5 de junio de 2002, por una sobredosis de heroína. El compositor más activo de la banda tenía planeado realizar una gira por Brasil, tocando los clásicos de la banda de Queens.
Johnny Ramone murió de un cáncer de próstata el 15 de septiembre de 2004, en Los Ángeles.

El resto sobre Ramones se resume en una canción que nos viene muy al pelo
Do You Remember Rock 'n' Roll Radio?

REM

En la década de los 70, plena era punk, un estudiante de arte llamado Michael Stipe conoce a un coleccionista de LP´s de los años 60 llamado Peter Buck. Ambos se unen a dos músicos experimentados, Mike Mills y Bill Berry, y comienzan a tocar en pubs locales en la ciudad de Athens. Pronto se expanden por todo el estado y en 1982 publican un EP, "Chronic Town", con la discográfica I.R.S. Records. Combinando folk-rock y punk logran que la crítica les defina como auténticos innovadores de la música.

YA a principios de los años 1990, R.E.M. era enmarcados como una de las principales bandas pioneras del rock alternativo, lanzaron los álbums más exitosos de la banda: Out of Time (1991) y Automatic for the People (1992), los cuales consolidaron totalmente al grupo. Monster, el siguiente álbum, fue un retorno a un sonido más orientado hacia el rock, con el que comenzaron una gira que se vio estropeada por emergencias medicas sufridas por la banda. En 1997, R.E.M. firmó nuevamente con Warner Bros.. A finales de ese año, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales. Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con variadas criticas y exitos comeriales. En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock.

Su canción titulada "Stand" fue la primera canción que sonó en Marte. Esto ocurrió el 30 de marzo de 2004 gracias a la máquina de la NASA Opportunity para comprobar la existencia de vida inteligente en el planeta rojo. Esta misma canción se usó de sintonía en la serie de televisión Búscate la vida (Get a life). Los títulos de crédito al inicio de cada capítulo presentan a Chris Peterson (Chris Elliott) repartiendo periódicos montado en su bicicleta. Get a life, es mi serie Tv favorita, ¡que se edite en dvd ya!.

Rammstein es una banda alemana formada en 1994 Musicalmente incorporan elementos de numerosos estilos. En ocasiones se ha definido su estilo como Tanz-Metall ("metal de baile"). Sus canciones están escritas casi exclusivamente en idioma alemán y han vendido más de 12 millones de copias en todo el mundo. Entre otros reconocimientos han sido nominados en dos ediciones de los premios Grammy en la categoría de "mejor actuación de música metal": en la de 1999 con "Du hast" y la de 2006 con el tema "Mein Teil". Todos sus álbumes están editados por la multinacional discográfica Universal Music.

El nombre del grupo está inspirado en la ciudad de Ramstein, en cuya base aérea ocurrió un accidente durante un espectáculo, en el que se vieron implicadas tres aeronaves italianas. Dos de ellas chocaron en el aire y otra cayó sobre el público; como resultado murieron 70 personas. Para transformar el nombre añadieron una "m", de modo que el nombre incluye la raíz del verbo rammen (chocar, hundir); una traducción aproximada de "Rammstein" sería "piedra de embestir". Aunque la banda ha tratado a lo largo de su carrera de negar una relación entre su nombre y dicha catástrofe, seguramente por motivos de imagen, lo cierto es que justo después de su creación actuaron en varias ocasiones bajo el nombre Rammstein-Flugschau ("espectáculo aéreo de Rammstein"), lo que no deja lugar a dudas.

Rammstein ha desarrollado una fama particular por el uso de pirotecnia en sus directos. El vocalista Till Lindemann es un pirotécnico cualificado

Algunos medios de comunicación han implicado en diversas ocasiones a Rammstein con episodios violentos. El videoclip de Ich will fue estrenado el día antes de los ataques terroristas de Nueva York del 11 de septiembre de 2001. Casualmente, en dicho vídeo los integrantes de Rammstein aparecían caracterizados como terroristas. En Estados Unidos se restringió su emisión a la franja nocturna, y desde algunos sectores se pidió su prohibición. La banda saltó nuevamente a los titulares tras la masacre del instituto Columbine (Colorado, EE.UU.) Se habló de que los asesinos, Eric Harris y Dylan Klebold, eran seguidores de Rammstein. El grupo condenó públicamente cualquier tipo de violencia, rechazando cualquier conexión de su música con el suceso.

2008-03-13T08:26:00.003+01:00

Vetusta Morla. Un día en el mundo.

The next big thing del indie patrio. Nos gustan. Y a vosotros?

2008-03-06T18:05:00.001+01:00

Ritualpedia Q

QUANNUM PROJECTS

Éste es el nombre del colectivo formado en San Francisco por gente tan importante dentro del mundo del hip-hop como Blackalicious, DJ Shadow, Lateef o Lyrics Born, junto con los periodistas DJ Zen and Jazzbo. Estos artistas se unieron en 1992 bajo el alias de Solesides, y en 1997 cambiaron el nombre al actual, Quannum. El nombre del colectivo engloba también el sello discográfico que gestionan de forma totalmente independiente, y que ha vendido más de 2 millones de discos desde que comenzaron su andadura. Además de las excelentes producciones underground de los arriba citados, el sello se ha caracterizado por una excelente política de fichajes, dando a conocer a artistas tan interesantes como el sonido de teclado vintage de General Elektriks, Curumin y su funk desde Sao Paulo, el dúo de hip-hop electrónico Apsci, o la leyenda del skateboarding Tommy Guerrero, lo que demuestra su amplitud de miras y nos asegura futuros lanzamientos cargados de buen hip-hop.

DJ Q-BERT

Hablamos ahora del DJ más importante e influyente, junto a su compadre Mixmaster Mike, de la historia del scratching. De hecho, es el DJ que más nuevos trucos y técnicas ha inventado, el que más concursos ha ganado, del que más artículos de prensa se han escrito… Richard Quitevis, que es su nombre real, ya desde 1985 llamaba la atención por sus habilidades con los platos, pero su reconocimiento mundial llegó cuando ganó junto a Mixmaster Mike el Disco Mixing Club World Championship durante 3 años seguidos, de 1992 a 1994. Su dominio era tan absoluto que la organización les pidió que no participasen más y pasasen a formar parte del jurado, cosa que Q-Bert hizo en 1995. Ese mismo año formó con Mixmaster Mike, D-Styles, Yogafrog y Shortkut los Invisibl Skratch Piklz, cinco DJs que asombraron al mundo con sus habilidades hasta que se separaron amigablemente en 1999.

Sus influencias musicales, además de obviamente los DJs de hip-hop, son Miles Davis o Thelonius Monk por parte del jazz, y guitarristas como Jimmy Hendrix o Les Paul.

Si queréis saber de la maestría de Q-Bert a los platos, os recomendamos la película Hang The DJ, donde se le ve scratcheando a sus anchas, o sus discos Wave Twisters, de 1998, el primer álbum conceptual de scratching de la historia, basado en una civilización residente en el espacio interior que sólo se pueden comunicar entre ellos mediante el scratching, y del que se hizo una película en el 2000; y Breaktionary, donde se recopilan los 4 maxis que editó en el 2006, con más de 250 breaks de puro funk en 8 temas de más o menos 10 minutos, ideales para dejar el parquet con más brillo que la calva de Michael Stipe.

QUEENS OF THE STONE AGE

Formados en 1996 a partir de las cenizas de Kyuss, QOTSA es el proyecto con el que Josh Homme continuó y continúa en el mundo de la música. El nombre que Homme había pensado inicialmente para su banda era Gamma Ray, pero ante los problemas legales a los que se podían enfrentar por existir otra banda con ese nombre registrado cambiaron al que usaba el productor de Kyuss para burlarse de ellos.

La música que practican los Queens, al ser un rock pesado basado en riffs, ha sido calificada como stoner rock, término que rechazan radicalmente al considerar que encasilla su música, cuando ésta tiene muchos más matices y en absoluto pretenden un arquetipo de rock machista. La verdad es que la banda practica un rock denso (que no pesado), y que curiosamente se va complicando y oscureciendo a medida que el grupo va ganando fans y vendiendo más álbumes.

Otra curiosidad de la banda es que nunca ha mantenido una formación fija a lo largo de estos 12 años de carrera (de hecho, Josh Homme no tiene una banda fija, repartiendo su tiempo entre QOTSA, su otra grupo Eagles Of Death Metal o sus Dessert Sessions), buscando siempre los músicos que mejor se adapten a la idea que tenga en cada momento concreto de cómo debe sonar su banda; pero los que sí son casi fijos son los colaboradores: Mark Lanegan, Julian Casablancas o Billy Gibbons aparecen en casi todos los discos de los Queens.

Su último disco hasta la fecha, Era Vulgaris, es una excelente forma de introducirse en la tensa, dura y oscura música de esta gran banda de Rock, ya que junto con su tercer álbum, Songs For The Deaf, es lo mejor que han editado hasta el momento.

2008-02-25T19:02:00.000+01:00

Escaleta Lunes 25 de Febrero de 2008

2008-02-19T20:54:00.007+01:00

ESTE AÑO... SÍ A EUROVISIÓN!!!

Ya sabéis que somos alérgicos al festival de Eurovisión. Sin embargo, este año parece que la cosa va a cambiar. Alguien tuvo la brillante idea de elegir al representente español mediante votos de internet a través de un myspace (este). Como el pueblo es sabio y bastante cabroncete, de momento va ganando Rodolfo Chiquilicuatre, con una ventaja de casi 2.000 votos sobre el segundo. Esperamos que se cumpla la legalidad y Rodolfo nos represente. Con él sí nos sentimos identificados.

2008-02-19T08:44:00.001+01:00

Un video que me ha molado mucho, y que no conocía...

HushPuppies - Bad Taste & Gold On The Door

2008-02-19T08:41:00.000+01:00

Escaleta Lunes 18 de Febrero de 2008

2008-02-14T11:35:00.003+01:00

Novetá novetá!!!

Esta semana en Ritual, contaremos con la presencia sonora de Maxïmo Park. Vienen con su single "Girls who play guitars", extraído de su último album, "Our Earthly Pleasures". Aquí os dejamos el video. Salute!!

2008-02-11T10:10:00.000+01:00

~P~

Ah! la P, la P. Qué letra más Precisa, Preciosa, Pizpireta, Parlanchina y, Paradójicamente, Penosa algunas veces.

Es la P una letra imprescindible en los campos de fútbol, donde cada domingo se le regalan al árbitro, o más bien a su señora madre, algún que otro calificativo que con esa letra comienza.

Es la P, por otro lado, letra usada como comienzo del nombre de algunos gases que eligen la puerta de atrás para salir del cuerpo humano.

Pero dejémonos de chistes de cacaculo, y vayamos a lo nuestro, la música. Es la P parte de Placebo, de Portishead, de Pink Floyd, y de p!nk, pero también es parte de…

Pearl Jam

Parada obligada de la Ritualpedia. Amén de kilos, metros, litros, pintas, yardas y toneladas de datos biográficos que podéis encontrar a lo largo y ancho de la prensa y el interné, Pearl Jam siguen en pie después de que muchos de sus grupos contemporáneos hayan doblado la rodilla de una manera u otra.

Nacidos como una unión de músicos de la agitada escena musical del noroeste de los estados unidos a finales de los 80 y principios de los 90, Green River, Mother Love Bone, Soundgarden, Temple of the Dog, Singles (la película) y otros muchos nombres saltarán a vuestros ojos cuando busquéis información sobre esta banda. Más allá de nombres y fechas, ellos han sabido estar y no estar en aquella mal llamada escena “grunge”. Cierto es que su carrera está plagada de altibajos, peleas, momentos de mayor o menor acierto musical, pero más cierto es que si no fuera así, sería para no creérselo.

A día de hoy, son leyendas vivientes más allá de las etiquetas que algunos críticos musicales se preocuparon en colgarles. Son uno de los últimos estandartes sólidos del rock entendido a la antigua usanza. Herederos de su querido Neil Young, de Led Zeppelín, de The Who, de los mismos Beatles o del genio Hendrix, pocos grupos son capaces de provocar en el público que asiste a sus conciertos lo que Pearl Jam son capaces de provocar.

Desde nuestra Ritualpedia, gritamos y no nos cansaremos de gritar: Larga vida a Pearl Jam.

… y larga vida a la letra P!!! qué sería de nosotros sin Pixies, sin el punk, sin el pop, sin Porno for Pyros, … y sin porno sin Pyros!!!

Sería injusto dejar atrás otra P famosa, con una historia de leyenda, y girando la cabeza de la P de Pearl Jam a la P que rima, la P que irrita, la P que está loca y la P maldita.

Public Enemy

Chuck D, Flavor Flav, Professor Griff, Terminator X, DJ Lord y la Bomb Squad al completo forman ya parte de la memoria colectiva de todo bicho con orejas que ande, vuele, se arrastre o nade por el planeta tierra.
Cuando en 1985 un activista llamado Chuck D colaboró con un tal Flavor Flav en una cinta que titularon Public Enemy #1,refiriéndose la persecución que decía sufrir por parte de la escena rapera local, seguro que ni imaginaban la que iban a liar.
Luego llega Def Jam Records, con el incombustible Rick Rubin al frente, que oye a Chuck D en una maqueta marcándose un Freestyle y decide ficharlos. Allí coinciden con más joyas de la old school, como los Beastie Boys.
A partir de aquí, la historia se acelera. Que si "Yo! Bum Rush the Show", que si "It Takes a Nation of Millions to Hold us Back", la expulsión de Professor Griff de la banda, y el éxito a nivel mundial con aquél "Fight the Power".
Más tarde siembran la semilla de lo que depués sería el nu metal al grabar "Bring tha Noize", una versión metalera interpretada por Public Enemy y Anthrax de "Bring the Noise", original de los propios Public Enemy.
Tras pasar por varios discos más y temporadas bastante irregulares, Terminator X se retiró de la banda, y en su reemplazo entró Dj Lord; y tras la ida de un gran compañero de la banda, regresó otro: el Professor Griff.
Pasan varios años más y los medios ya consideran a Public Enemy como una banda legendaria del rap. Los miembros del grupo se sentían halagados, pero sentían que esa califición era como practicamente decir que su época ya pasó; y en contra de esto, lanzaron, después de tiempo, un álbum en 2007, fue titulado "How You Sell Soul to a Souless People Who Sold Their Soul".
Dos bandas legendarias, dos estilos y dos historias con la P. Pero… estoy fallando en la base, estoy construyendo la Ritualpedia por el tejado, y es que acabo de caer en que hay otra P dentro de la música, porque la música es sólo una parte de ella misma. Decididamente hoy me he levantado metafísico. Me tenía que haber quedado en la cama.

Bueno, a lo que iba, parte importante y P sin la que no podríamos recordar esas letras de canciones que tantos recuerdos nos traen, es sin duda…

Poesía

Si en un brete me pusieras,
Si a elegir me obligaras,
Probablemente me muriera,
O quizás no acertara.

All you need is love,
Sol, Do, Sol, Do
O dicho de otra manera
La letra de la música es compañera

Si el enigma preguntaras
De lo que mueve mis días
Una respuesta bastara
Sería Música y poesía.

2008-02-11T10:09:00.000+01:00

Escaleta Lunes 11 de Febrero de 2008

2008-02-08T12:58:00.000+01:00

BeaTs by oNe piPeliNe.

Mientras Maese Chispi continúa intentando conectar a internet una máquina de escribir portátil Olivetti, yo os pongo a los protagonistas de su sección esta semana. Son los NYGz con "Ya dayz R #'D". Old School 100%. Asín si!! Yo!!

2008-02-05T13:24:00.000+01:00

Ha vuelto Lost 4th season, aupa calamar !!
... y de regalo... un vidéo...

2008-02-04T08:26:00.000+01:00

· No habrá conciertos de Led Zeppelin al menos hasta septiembre
La banda de rock británica Led Zeppelin disfrutó el año pasado de su reencuentro en un concierto benéfico, pero no volverá a reunirse al menos hasta septiembre, dijo el lunes en Tokio el guitarrista Jimmy Page.
El éxito del concierto, ofrecido en Londres en diciembre, reavivó la esperanza de una gira mundial, pero Page indicó que la gira del vocalista Robert Plant con la cantante estadounidense de música country Alison Krauss le mantiene ocupado por el momento.
Page, de visita en Tokio para promocionar el lanzamiento de un disco de grandes éxitos, dio una imagen feliz del reencuentro.
La banda, formada en 1968, ha vendido aproximadamente unos 300 millones de discos en todo el mundo.

· Ya os contamos en una edición anterior de Ritual de lo Habitual que Portishead estará los días 29 y 30 de mayo en el Primavera Sound de Barcelona. No habían acabado aquí las buenas noticias. La banda de Bristol ha titulado su tercer álbum de estudio Third, y previsiblemente el próximo 14 de abril podremos encontrarlo en las estanterías de las tiendas de discos.
Aunque sólo conocemos que el disco contará con 11 temas de los que aún no se han conocido títulos ni más detalles, lo que son las cosas. Diez años para sacar un nuevo disco, que es el tercero y titularlo con un simple Third.
Porque lo cierto es que Geoff Barrow y Beth Gibbons, osease los componentes del grupo, no le han dado muchas vueltas a la cabeza para sorprendernos. Veremos si en este próximo trabajo lo hacen como lo hicieron antaño, renovando los manidos conceptos de psicodelia y música

experimental, y si en el Primavera Sound demuestran que mantienen su caché intacto.

· La banda sueca The Cardigans lanza el próximo 29 de enero su primer grandes éxitos que lleva por nombre The Cardigans: Best Of y recopilará imprescindibles de una de las bandas más ricas en cuanto a estilo del panorama musical internacional.
El primer recopilatorio de los de Jönköping se editará en formato de doble CD con 24 canciones cada uno y que muestra la constante evolución de una banda incansable e innovadora. Sobre todo, este recopilatorio ofrece un recorrido de la trayectoria de formación desde sus inicios en 1992, además de varios temas inéditos y rarezas.
Nina Persson y los suyos resumen así en este greatest hits lo mejor de 16 años de carrera: un estilo clasificable según álbumes: nuevo pop, nuevo rock y nuevos experimentos de la tan dulce como amarga voz de una sueca de apellido Persson.

· The Gutter Twins, en abril
El dúo formado por Mark Lanegan (ex Screaming Trees) y Greg Dulli (Afghan Whigs) ofrecerá 3 conciertos en España.
The Gutter Twins actuarán en España en abril. El proyecto común de Greg Dulli -líder de Afghan Whigs- y el ex Screaming Trees Mark Lanegan presentará su primer trabajo, titulado ‘Saturnalia’. El álbum será editado en España por el sello Sub Pop y saldrá a la luz el próximo 24 de marzo. Dulli y Lanegan se han encargado, junto a Mathias Schneeberger (The Twilight Singers), de la producción de las canciones.
El dúo actuará el 26 de abril en Barcelona (Razzmatazz); el 27 en Madrid (Sala Heineken) y el 28 en Bilbao (Kafé Antzokia). Con las tres citas nacionales pondrán fin a su gira europea.
Dulli y Lanegan ya coincidieron en el estudio con Twilight Singers (grupo liderado por el primero) y realizaron una gira conjunta hace ya dos años.

· Psilicon Flesh, de nuevo entre los vivos
Corren tiempos de retornos. Incluso en nuestro país se han presenciado recientemente los de artistas como Subterranean Kids o Fromheadtotoe, así que estamos de suerte. Esta vez son Psilicon Flesh quienes vuelven con gira, recopilatorio, “No Shame”, y algunos temas nuevos. Psilicon Flesh, desapareció en 1999 después de siete años de carrera en los que tuvieron tiempo de grabar tres flamantes elepés y, al menos, cinco Ep’s, participaciones en recopilatorios aparte.
Para empezar publican “No Shame” (BuenRitmo/Pias, 07), una compilación con dos piezas nuevas y con un documental sobre su carrera como extra. Aunque nada estaba tan planificado como puede parecer. En realidad la cosa comenzó de una manera mucho más casual. Se juntaron para dar una sorpresa a Juanlu (baterista original) el día de su boda. Ese fue el germen de todo, y a partir de ahí surgió el enganche.
Ya están preparando la gira de regreso, que consistirá en unos diez bolos en ciudades grandes, empezando el 29 de marzo en Barcelona, y después van a firmar un contrato con PIAS Records para sacar otro disco.

· Klaxons grabarán con Tony Visconti
Klaxons contarán con un productor muy especial para su nuevo disco. Se trata de Toni Visconti, conocido por haber dado forma al sonido Glam de los setenta al haber producido algunos de los discos más conocidos de David Bowie y T-Rex. El trío de Londres también ha confirmado en los mandos a otro productor de altura, Focus, que ha trabajado con Destiny’s Child o Dr. Dre, entre otros. Las jornadas de grabación se inician durante el mes de febrero.

2008-02-01T08:39:00.000+01:00

Escaleta Lunes 4 de Febrero de 2008

más info sobre Dayligth in Red, en este LINK

2008-01-31T19:04:00.000+01:00

La verdad es que la letra O no es precisamente un caramelito para esto de la Ritualpedia. Por mucho que me he estrujado las meninges, ¡qué poquitas cosas en la música empiezan por O! Pensad, pensad a ver que se os ocurre que empieze por O, venga… porque, ¿de qué vamos a hablar? ¿De Olivia Newton – John? ¿De grupos perdidos en la bruma del tiempo de mediados de los ´80 como Oingo Boingo? ¿De “On The Beach” de Chris Rea? Ay, Dios mío… ¿Caerá por mi culpa esta sección en el olvido? Espera, un momento… Olvido, olvido… ¿No hay por ahí una chica que se llama…?

OLVIDO GARA

Su educación y su saber estar hace que esta mujer no te salte al pescuezo y te pegue una paliza de padre y muy señor mío por llamarla así, ya que desde muy temprana edad abjuró de su nombre real para adoptar el que a ella le gusta y por el que es internacionalmente conocida, Alaska. Con la friolera de más de 30 años en esto del negocio musical, ha sido musa y participante de pleno derecho en la eclosión del punk en España a principios de los ´70, de lo gótico con Los Pegamoides y de la modernez bien entendida con Dinarama en los ´80, y de la electrónica con Fangoria, cuando arrancó el Acid y estaba mal visto no hacer R´N´R; y todo ello sin casi perder fans por el camino, lo que hace que ahora disfrute de un éxito masivo con cada nuevo lanzamiento discográfico. Su afición por lo kistch y lo hortera ha hecho que se haya implicado sin problemas en programas de televisión tan horrendos como Lluvia De Estrellas, en el que hacía de jurado, resolviendo la papeleta con tanta habilidad que esto no le ha restado crédito alguno entre sus fans, y encima consigue caerle bien a los padres y abuelos de éstos; y por otro lado, su conocimento y perspectiva del negocio y la historia musical de este país hace que su opinión sea muy respetada y tenida en cuenta. Se ha convertido, por tanto, en uno de los poquísimos iconos pop de verdad que tenemos en España, a la altura de su admiradísimo Raphael, y que hace que le perdonemos casi todo, como su último disco, que ha sido de lo más flojito que ha sacado últimamente. Nunca ha tenido miedo de darle un vuelco a su carrera, y quizás la fórmula Fangoria se ha agotado. ¿Veremos a una nueva Alaska dentro de poco? ¿Conseguirá hacer con Fangoria otro disco como Naturaleza Muerta, o continuará a la baja su cotización musical actual? Seguro que pronto lo averiguaremos.

Bueno, ¿Qué otro grupo del que merezca la pena hablar empieza por O? A ver, a ver… Podríamos hablar de Outkast, pero no me apetece mucho. O de Opa Dance, pero no, normalmente es un baile hostil. Pero… Un momento… Baile… Músicos negros… ¡Ya lo tengo!

ORCHESTRA BAOBAB

La Orchestra Baobab se formó en 1970 como banda fija del Club Baobab, creado por varios ministros del gobierno de Senegal para reunirse con sus amigos. La música cubana era muy popular en esta zona de África, pues los marineros traían discos de Cuba en sus viajes. La Baobab fusionó el son cubano, la pachanga y el cha cha cha con ritmos autóctonos como el mandinka, el diola y el wolof con gran calidad y tremendo éxito, llegando a ser considerada a mediados de los ´70 la mejor banda de Senegal y una de las mejores de toda África. A este éxito contribuyó que los fundadores de la banda apostaron por el eclecticismo tanto en sus influencias musicales como en las nacionalidades de los músicos que integraban la banda; entre los 8 músicos fijos cubrían 6 países distintos.
Cuando el club cerró en 1979, la Baobab continuó su exitosa carrera hasta que un nuevo ritmo mucho más funk y rápido, el mbalax, cuyo principal representante era el hoy famosísimo Youssou N´dour, hizo que su música pasara de moda. Resistieron hasta 1987 y se separaron hasta que Nick Gold, capo del sello World Circuit y enorme fan del grupo, proyectó una reunión entre ellos y músicos cubanos. Problemas de visado impidieron la reunión, pero, no hay mal que por bien no venga, del lado cubano surgió el Buena Vista Social Club, y del lado africano la Baobab se reunificó en 2001, debido a la tremenda demanda de su música en Europa.

Acaba de editarse la nueva grabación de la banda, Made In Dakar, toda una gozada para los fans de la música africana, cubana, étnica y buena música en general.

… Y de nuevo la nada, el cero, que es como la O, el vacío total, oscuro, ominoso y … De repente... ¡de O a 100 en 4 segundos! Aquí hay tropecientas oes, éste no se me escapa: Su 2º disco se llama “ Oh No ”, y el grupo es…

OK GO

Que deben su nombre al profesor de arte de Damian Kulash, guitarra y voz, y Tim Nordwind, bajista, que les daba esa orden para empezar a dibujar. Éstos dos se conocen desde los 11 años, y en 1988 forman la banda junto a Dan Ponopka, batería, y Andy Duncan, guitarra solista, que abandona la formación tras la grabación del 2º disco, y ha sido sustituido por Andy Ross. En 2002 grabaron su primer disco, homónimo, consiguiendo un Top-20 en Inglaterra con su single Get Over It. Esto fue la antesala del éxito masivo que les ha llegado con su 2º disco, Oh No, producido por Tore Johansson; y a ello ha contribuido tanto la calidad de su mezcla de glam, power pop y R´N´R como, obviamente, sus dos vídeos caseros coreografiados por la hermana de Damian, Trish Sie, que se han convertido en dos de los vídeos más vistos en la historia de You Tube; y en el caso de “Here It Goes Again”, ha acabado ganando un Grammy al mejor vídeo en 2007. También su vestuario da que hablar, resultado de la misma mezcla de influencias vista en lo musical.

Como curiosidad, comentar que el que aparece cantando en estos vídeos es Tim, el bajista, costumbre que se mantiene desde el vídeo que grabaron también en el mismo estilo de plano fijo y pasos de baile, en el 2003; en los que no son coreografiados, sí aparece Damian, el cantante real. Si hace tiempo que no tenemos noticias de ellos es porque se embarcan en giras bastante extensas; lo más probable es que en este 2008 tengamos su nuevo trabajo discográfico.

2008-01-28T08:30:00.000+01:00

Escaleta Lunes 28 de Enero de 2008

2008-01-24T17:51:00.000+01:00

Adelanto del nuevo trabajo de Ivan Ferreiro

2008-01-24T13:15:00.000+01:00

The Killers - Tranquilize

Esta semana en Ritual, lo nuevo de The Killers, Tranquilize. Incluido en su disco de rarezas "Sawdust", con la participación de Lou Reed. Temazo.

2008-01-22T15:04:00.000+01:00

Ritualpedia ~N~

Nevermind, Nirvana

El primer single de Nirvana fue grabado en 1988 y producido por Jack Endino. Se componia de dos canciones: "Love Buzz" versión del grupo holandes Shocking Blue y "Big Cheese". A la bateria el nuevo tercer miembro de Nirvana, Chad Channing. Sólo se editaron 1.000 copias.

Formación. Ernesto dixit.

Nevermind fue producido por Butch Vig y mezclado por Andy Wallace, que concentró las guitarras distorsionadas, la batería, el bajo y la voz caótica de la banda en un álbum diseñado para amplias audiencias, y colocó un estándar para la música rock de los 90. El cantante y guitarrista Kurt Cobain expresaría posteriormente que no estaba satisfecho con la producción por ser "ligero" y "amigable a la radio", pero también admitió en la biografía de la banda, Come as You Are, escrita por Michael Azerrad, que al escuchar el álbum lloraba.

Inicialmente, la expectativa de ventas para Nevermind no superaba las 500,000 copias. Sin embargo, el álbum recibió certificación de triple platino en los Estados Unidos en menos de seis meses. "Smells Like Teen Spirit" recibió alta rotación en MTV y llegó al lugar número 6 en el Top 100 de la revista Billboard, inspirando a un puñado de imitadores y llevando al sonido grunge y alternativo a los listados. La popularidad del rock alternativo, así como el fin de la era del hair metal, son atribuidos a Nevermind. El 11 de enero de 1992, con 12 millones de copias vendidas, el álbum alcanzó la cima del listado de álbumes de Billboard, quitando del primer lugar a Dangerous de Michael Jackson, un hecho considerado símbolo de la subida de la música alternativa sobre el pop. Además, la llegada de Nevermind ayudó a la entrada a las listas de varios álbumes de grunge como "Ten" de Pearl Jam y "Badmotorfinger" de Soundgarden.

Al menos tres canciones fueron grabadas durante las sesiones de Nevermind que no lograron llegar al corte final del álbum: "Sappy", "Old Age", y "Verse Chorus Verse". Las últimas dos fueron lanzadas en el box set de 2004, With the Lights Out. Adicionalmente, es posible que una cuarta canción, "Song in D", haya sido grabada. Sin embargo, también es probable que "Song in D" fuese simplemente una versión temprana de "All Apologies", que sería grabada en 1993 para In Utero.
Y par de curiosidades:
La Guitarra Que Uso Cobain En Nevermind Para Polly Y Something In The Way, Tenia Solo 5 Cuerdas.
Nevermind No Es Una Palabra, Para Que Sea Gramaticamente Correcta Seria "Never Mind"

Nana Mouskouri, New Kids on the block, November Rain…

Es cierto que con la N se hicieron auténticas barbaridades, pero este párrafo es para exculpar a todos los que usaron de manera indiscriminada esta preciosa consonante, consonante que, no olvidemos, ha acompañado con gran dignidad a títulos como NIN, New wave, Natalie Cole, Nerd, o… y que chispi me disculpe Nick Cave & the bad seeds… Tambien con la N podríamos hablar de grupos de actualidad como Nightwish, o clásicos populares como la distinguida Nina Hagen, con su maravilloso New York, New york, también en la N. Y aunque ahora os podría contar cosas de NOFX o de No doubt, que regresan este 2008, os hablaré mejor de….

Nada Surf

Banda de power-pop y pop-rock alternativo estadounidense, cimentada en guitarras prominentes, melodías bien construidas, estribillos de fácil recuerdo y energía y emocionalidad a nivel parejo con influencias sonoras de Cheap Trick, Teenage Fanclub, Weezer, Pavement, Foo Fighters, Posies o Pixies.

La génesis del grupo se establece en el encuentro entre dos amigos del colegio llamados Matthew Caws, cantante y guitarrista y Daniel Lorca, bajista de nacionalidad española. Ambos forman parte de varios conjuntos independientes que no logran repercusión alguna, como The Cost of Living. En 1994 su banda Because Because Because se convierte en Nada Surf y un año después se une al proyecto el batería Ira Elliot, quien había tocado en los Fuzztones.

Daniel Lorca, de familia madrileña pero afincado en Nueva York desde la infancia, se encarga de hacer la mayoría de coros en directo y utiliza el mismo bajo Fender Precision destrozado que recibió como regalo de sus padres a los 18 años. Sus líneas de bajo son melódicas, con claras influencias de la New Wave de los años 1980, y especialmente de New Order, cuyo tema Blue Monday han versionado a menudo.

Publican un EP titulado “Karmic” (1995) en No 6 Records, un sello propiedad de Terry Tokin, antes de firmar por Elektra en donde aparece su Lp debut, “High/Low” (1996), un disco producido por Ric Ocasek en donde se aprecia su escritura derivativa que no impide componer temas sobresalientes como “Stalemate” o “Popular”, un single satírico que consiguió gran repercusión comercial (número 11 en el Billboard) gracias a su promoción en la MTV y al ácido miramiento a la superficialidad adolescente

Con temas como este, Nada Surf fueron acuñados como “geek rock”, rock escrito con inteligencia e ironía por inadaptados sociales y convencidos perdedores vitales cuyo mayor ejemplo es Rivers Cuomo con su grupo Weezer

Su último trabajo "Lucky" (2008) es un disco producido por John Goodmanson, colaborador de Posies y Death Cab for Cutie.

2008-01-21T08:41:00.000+01:00

Ville Valo feat. Natalia Avelon - Summer Wine -
No es que el tema sea para tirar cohetes, pero... mola el video ^^

2008-01-21T08:32:00.000+01:00

Pack Set Lunes 21 de Enero, Escaleta + News

Un millón de discos reciclados de Robbie Williams pavimentarán las calles en China.
Que las ventas discográficas de los últimos trabajos de Robbie Williams han bajado es un secreto a voces. A tanto ha llegado que a las autoridades chinas no les ha quedado más remedio que reciclar casi un millón de álbumes no vendidos del británico que serán usadas para pavimentar las calles.
Las copias pertenecen a Rudebox, elepé que vio la luz en octubre de 2006, y según las informaciones pasarán a servir para asfaltar algunas carreteras y para la iluminación viaria.
Sin embargo, hay quienes han querido ver en este "reciclaje" una vendetta de su compañía discográfica contra el supuesto plante que el músico comenzó hace unos días y que podría provocar el retraso de su nuevo CD e incluso su marcha.

Portishead actuará en el Primavera Sound 2008 tras 10 años fuera de la escena musical.
Uno de los grupos más representativos del trip hop, que hizo de este género lo que es hoy, vuelve a dejarse ver tras más de 10 años de ausencia. La banda de Bristol, o lo que es lo mismo, Geoff Barrow y Beth Gibbons, vueven a encararse a los escenarios y al público, y lo harán en el Festival Primavera Sound de Barcelona.
El festival se celebrará este año del 29 al 31 de mayo en el Parque del Forum de Barcelona, donde se celebrará una nueva edición. Por el momento, Portishead ha programado dos actuaciones en nuestro país: una en uno de los escenarios principales del festival y otra en el Auditorio del Parque del Forum. Y sí, por fin podemos descansar tranquilos: volveremos a oír la indolente voz de Beth Gibbons sobre un escenario.
Será uno de los grupos cabeza de cartel junto a otras bandas de tan alto nivel como The Felice Brothers, Eric`s Trip o Deerhunter.

“Prospekt”, el nuevo disco de Coldplay, se publicará en mayo
Casi un año de trabajo llegará a su fin el próximo mes de mayo cuando el nuevo proyecto discográfico de Coldplay, Prospekt, vea la luz.

Finalmente serían 11 y no nueve las canciones que compondrán este esperadísimo CD que recogerá el testigo de X&Y (2005) y que contará con la producción de Brian Eno. Durante todo el proceso de creación, Chris Martin, Will Champion, Guy Berryman y Jonny Buckland han ido anunciando algunos de los títulos de sus nuevos temas a través de su página web.

2008-01-16T12:59:00.000+01:00

Escaleta Lunes 14 de Enero

2008-01-07T13:36:00.000+01:00

Escaleta lunes 7 Enero de 2008

2008-01-07T13:32:00.000+01:00

~M~

Bueno, amigos, como cada semana, aquí tenemos una nueva edición de nuestra Ritualpedia. Hoy hablaremos de la letra M, esa letra que usaríamos si quisiéramos hablar de de un Macarra que escucha Metallica o de MacGyver pensando en cómo escapar de un McDonalds con un cd de Macaco y acompañando a Winton Marsalis. En fin, un sinvivir…
El caso es que había que escoger tres palabras y sólo tres, por lo que aquí están.

MP3
MPEG-1 Audio Layer 3, más conocido como MP3, es un formato de audio digital comprimido con pérdida desarrollado por el Moving Picture Experts Group (MPEG). Lo quieran muchos o no, el caso es que ha supuesto la última revolución en lo tocante a la tecnología aplicada a la música. A pesar de tratarse de un formato con pérdidas, o sea, que lo que escuchamos en un mp3 no es exactamente lo que estaba recogido en la grabación original, el éxito y la popularidad del mp3 está haciendo que la pesada y correosa industria musical tenga que adaptarse a los nuevos tiempos y sacar partido a este invento. Eso sí cuando se den cuenta y empiecen a usarlo como una herramienta y dejen de empeñarse en llevar al juzgado a todo el que se atreva siquiera a nombrarlo.
Seguro que nuestra segunda M, ni hubiera sospechado hace unos años lo que iba a suponer en su vida nuestra primera M, porque la primera M ha sido casi igual de importante para la segunda M que la segunda M para la primera M, que lío, más que lío, marabunta, que es como un lío pero con M. Bueno, vamos a la segunda.

McCartney, James Paul (Liverpool , 18 de junio de 1942) de Paul, ya casi todo el mundo lo sabe casi todo, y el que no lo sabe, pues cree que lo sabe. Todos conocemos imprescindibles datos biográficos como que tocaba en… el… grupo ese…, si, hombre, los…, bueno, que también cantaba ese otro de las gafitas redondas, el… el tío ese que se casó con una japonesa con mu mala leche…, y que luego se separaron los cuatro, porque eran cuatro. Paul, el de las gafas, el de la nariz y George Harrison, y Paul formó otro grupo con su mujer, que se llamaba Linda McCartney. Bueno, lo que todos sí que sabemos es que es vegetariano, y que posee una compañía llamada MPL Communications que es la propietaria de los derechos de autor de más de tres mil canciones, incluido el catálogo musical de Buddy Holly.
Como curiosidad, en los años 60, y durante mucho tiempo, corrió el rumor de que Paul había muerto en un accidente automovilístico y había sido reemplazado por un imitador, William Campbell. Muchos fanáticos buscaron pistas en las carátulas de los discos y en las letras de las canciones, llegando a todo tipo de extrañas teorías. Ejemplos clásicos fueron la carátula del LP Abbey Road, supuestamente una metáfora de la muerte y el funeral de Paul. Lennon aparecía con un traje blanco en su condición de oficiante, Ringo Starr vestido de negro representaba a la funeraria y George Harrison con unos pantalones vaqueros raidos hacía las funciones de enterrador. Paul McCartney era el único que aparecía descalzo y con el paso cambiado y extrañamente aparecía con un cigarro en su mano derecha pese a ser zurdo: era la prueba "evidente" de que la persona que aparecía era un doble que suplantaba al fallecido. "Magical Mistery Tour", donde algunos encontraron "oculto" un número telefónico en el que (cuenta la leyenda), John Lennon aceptaba la supuesta muerte de su compañero, y "The Beatles" (también conocido como "El Album Blanco"), donde se llegó al punto de escuchar las canciones al revés para encontrar pistas y mensajes ocultos. Existe un rumor que dice que si se escucha la canción "I'm so tired" de The Beatles, se puede distinguir claramente el verso "Paul is a dead man, miss him, miss him, miss him..." Incluso en los años '90, en varias entrevistas se le preguntó a McCartney si "estaba muerto", a lo que él solía responder: "No, estoy bastante vivo"
También, en el disco del "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band " existe el rumor de que toda la escena de la portada es un funeral para Paul. Algunas cosas obvias que saltan a la vista son: el busto de piedra que semeja a una lápida, el "antiguo" Ringo Starr que está vestido de negro y siendo consolado por el mismo Paul, el espacio de tierra (donde están las flores que leen "BEATLES") siendo la parcela donde se va a enterrar, además de otras.
Otra curiosidad es que Paul es un fanático de las composiciones musicales de Kōji Kondō , un compositor japonés de Nintendo, creador de las célebres bandas sonoras de videojuegos como The Legend of Zelda o Mario Bros.
Bueno, ya van dos M. Y ahora a por la tercera, que tiene también que ver con la segunda y con la primera, o sea, que todas son primas hermanas de las otras y viceversa. Y es que, amigos, en el mundo del rock, todo el que llega lo primero que quiere es que alguien le grabe una…

Maqueta
Vale, ya tienes el ampli (prestao), la guitarra (prestada), tus dos colegas con sus instrumentos prestados menos dos platos que le han puesto al batería por reyes. Ya sabéis tocar tres temas de Nirvana, uno de Stone Temple Pilots que os sale regulero regulero y tenéis cuatro temas propios de tres acordes cada uno. El único obstáculo entre ti y la fama absoluta, universal y eterna es… UNA MAQUETA!!
Que levante la mano el que no haya grabado una maqueta, o haya colaborado en una, o la haya comprado. Todos los rockeros nos pasamos la vida intentando que alguien nos diga lo buena que es nuestra maqueta!! Luego la mandamos a un millón de concursos, nos clasificamos para dos finales, una en un pueblo de Cuenca y otra en la feria de la butifarra de Villaconejos del Copón, que está en el quinto cuerno y mi padre no me deja el coche para ir tan lejos. Pero qué importa!! La maqueta es buena!! Mi colega la pone en el bar!!!
El resto de la historia, la sabéis todos. La maqueta acaba en el mejor de los casos en un cajón de la discográfica Subterguay y en el peor en el cubo de la basura.
Tus colegas se van a estudiar fuera, se casan, te abandonan y tú, a tus tempranos 45 años, le cambias las cuerdas a tu guitarra (ya esta es comprada), miras a Keith Richards en la tele y piensas: VOY A POR TI!! Porque, nunca es tarde para grabar otra maqueta, aunque sea en el ordenador de tu casa, y además, todos sabemos que la segunda maqueta siempre es mejor que la primera!!!

2007-12-28T13:05:00.000+01:00

El video más valorado en Youtube en este (casi) pasado año 2007
(no tiene desperdicio)

2007-12-28T08:47:00.000+01:00

JOHN LYDON

La importancia de John Lydon en la música independiente y contra el sistema establecido no se acaba en el primer grupo del que fue vocalista, los Sex Pistols; su segunda banda, PiL, fue tanto o más importante.

Cuando los Sex Pistols se separaron, John Lydon, harto del férreo control de su mánager Malcom McLaren y la incompetencia de Sid Vicious, rompió con su pasado tanto estética como musicalmente, recuperando su nombre real y abandonando el apodo de Johnny Rotten. Ambos aspectos quedan reflejados en el nombre que escogió para su nueva banda: Public image Ltd. Reclutó a Keith Levene, ex - guitarrista de The Clash, y al excelente bajista Jah Wobble, y con la vista puesta en los ritmos jamaicanos, comenzó una andadura musical que, junto a otras bandas como The Pop Group o Wire, sentaría las bases de lo que se conocería como Post – Punk, que tantísima influencia ha tenido en la música independiente que escuchamos en esta década, y que les llevaría 9 años y cinco discos. El segundo de ellos, “Metal Box”, es el más conocido por ser su mejor trabajo, contener su mejor single, “Poptones”, y la mejor presentación: la 1ª edición del disco era tres maxi-singles (El orden de las canciones era así intercambiable, o bien el que desease el oyente, no el impuesto por la discográfica; la mejor calidad del sonido también influye en la apuesta por este formato) dentro de una caja metálica para proteger rollos de película, con el nombre del grupo grabado en ella.

Se acaba de publicar en Inglaterra el libro “Metal Box. Stories from John Lydon´s Public image Ltd.”, que confiamos se edite pronto en nuestro país para poder tener acceso a una de las bandas más importantes e influyentes de la década de los 80.

LUAKA BOP

Luaka Bop es el nombre del sello discográfico que David Byrne creó a finales de los años ochenta, cuando disolvió a su grupo Talking Heads para iniciar su carrera en solitario. Su pasión por la música centro y sudamericana, que ya era patente en la última grabación de la banda, “Blind”, le llevó a editar un recopilatorio de música brasileña al que siguieron 3 más, después del éxito del primero; mientras tanto también salió a la luz su primer disco en solitario, “Rei Momo”, con colaboraciones como la de Celia Cruz. Siguieron recopilaciones de Cuba y la India, incluyendo a veces grabaciones casi imposibles de encontrar, alternándolas con el lanzamiento de nuevos grupos, modernos pero con fuerte influencia de la música propia de sus países de origen.

Estas primeras grabaciones son las que marcan el rumbo que ha seguido el sello en sus 20 años de vida: Eclecticismo, gusto por la música de otras culturas, mestizaje y fusión bien entendidas… algo así como el Real World de Peter Gabriel pero con ganas de fiesta. Y siempre con un altísimo grado de calidad. Si os asomáis a su catálogo encontraréis músicas de los cinco continentes, con una atención especial a la cubana y brasileña: David Byrne ha recuperado para el mundo a Os Mutantes y a Tom Zé, ha editado en Estados Unidos un recopilatorio de Silvio Rodríguez, y publica los trabajos de grupos tan dispares como Los Amigos Invisibles, King Changó, Zap Mama, Louise Attack, Cornershop o Jim White.

Por cierto, el nombre del sello es prestado de la marca favorita de té de David Byrne.

LED ZEPPELIN

Uno de los grupos más importantes de la música popular de las últimas décadas. Los culpables del nacimiento del heavy metal, del rock progresivo, del virtuosismo en el rock´n´roll, de los conciertos multitudinarios, influencia capital en el grunge… y se formaron casi de casualidad.

Jimmy Page era un guitarrista de sesión que ya había trabajado con The Who, Them, Tom Jones o Joe Cocker, a quien se le propuso entrar a formar parte de los Yarbirds para cubrir la plaza de Eric Clapton. Rechazó el puesto, pero a los 2 años aceptó el puesto de bajista. Acabó sustituyendo a Jeff Beck como solista cuando éste se puso enfermo. Cuando Beck se marcha definitivamente, todos los demás abandonan el grupo, y Page se queda sólo y con el nombre de la banda. Recluta entonces a Robert Plant a la voz y a su amigo John Bonham a la batería, y al poco se les une John Paul Jones al bajo. Adoptan el nombre de The New Yarbirds y acaban una gira por Escandinavia que tenían contratada, y que les sirve de rodaje; pero Keith Moon, batería de The Who, les sugiere, medio en broma, medio en serio, que cambien al de Led Zeppelín.

El resto es historia: Éxito de ventas y crítica desde el primer al último disco publicado, conciertos ante 200.000 personas, legiones de fans fieles hasta la médula… Sí es cierto que determinados asuntos, como por ejemplo la afición de Page por las ciencias ocultas y lo esotérico (plasmado en los famosos símbolos para cada uno de los integrantes, que aparecen por primera vez en Led Zeppelin IV), deterioró la relación entre los miembros de la banda; pero lo único que consiguió que la banda se separara fue la muerte de Bonham en Septiembre de 1980 , ahogado en su propio vómito después de una borrachera monumental. Hasta la fecha, entre discos de estudio y recopilaciones, han vendido la friolera de 300 millones de discos en todo el mundo.

Se ha publicado en Noviembre de este año “Mothership”, un nuevo recopilatorio de la banda; se reedita la película “The Song Remains The Same” en DVD; y han vuelto a tocar juntos en vivo el pasado 10 de Diciembre, para recaudar fondos para la asociación benéfica Ahmet Ertegün; por lo que es posible que pronto podamos disfrutar, después de tres décadas, de Led Zeppelin en directo, una de las bandas que ha hecho que el rock´n´roll sea como lo conocemos hoy en día.

2007-12-27T09:02:00.000+01:00

:: Escaleta Semana Pasada ::

2007-12-27T09:00:00.000+01:00

R.E.M. lanzará su próximo trabajo el 1 de abril de 2008
La banda estadounidense está de vuelta. Hace varios meses, el bajista de R.E.M., Mike Mills, confirmaba en una entrevista que su nuevo álbum estaría disponible para la primavera de 2008. Hoy ya sabemos que se publicará el 1 de abril de 2008.
Bajo la producción de Garret Jacknife Lee (U2, Snow Patrol), el nuevo disco de R.E.M. desde aquél Around the sun de 2004, está casi listo a falta de algunos detalles. Este trabajo, el décimo cuarto de los de Athens, será mucho más guitarrero y tirando hacia el hard rock, según ha dicho Mike Mills.

El próximo 29 de enero saldrá la venta la nueva edición de 'Odelay'. Un doble CD que recoge el superventas de Beck, remezclas y material inédito.
En el que fue su tercer larga duración, Beck reunió toda clase de estilos musicales, desde el blues o el country hasta el indie rock y el funk.
El ecléctico 'Odelay' revolucionó el panorama musical mundial en 1996, vendiendo más de 2 millones de copias. Doce años más tarde, se lanza su reedición, que incluirá los temas originales del mítico álbum así como cortes descartados, remezclas, caras b de las ediciones de importación y rarezas.
Por otro lado, Beck ha colaborado con The White Stripes en 'Conquest', lo nuevo de los hermanos White. Beck ha participado en la grabación de tres nuevos temas para el lanzamiento de tres vinilos de 7" - 'Black', 'White' y 'Red' -, en diferentes colores y con diferente contenido.

The Police se convierten en cabezas de cartel del festival bilbaíno BBK Live 08.
Se desvela la primera banda confirmada para el cartel del Bilbao BBK Live 08. The Police hará las delicias del público que asista al evento el día 4 de julio, la primera de las tres jornadas del festival bilbaíno.
Sting y los suyos sólo visitaron Barcelona en su gira de reunión celebrada durante 2007, por lo que se subirán al escenario de Kobetamendi rodeados de la mayor expectación.
Desde el 20 de Diciembre están a la venta 2000 abonos completos (tres jornadas, 130 euros) y las entradas de un día para asistir al concierto de Sting, Stewart Copeland y Andy Summers, a un precio de 72 euros.

2007-12-27T08:58:00.000+01:00

Kiss, es una banda de hard rock estadounidense formada en la ciudad de Nueva York en el año 1973. Se caracterizó por el uso de cantidades industriales de maquillaje al más puro estilo de terror o típica historia de cómic y su puesta en escena extravagante. Mientras otros artistas como Alice Cooper y David Bowie representaban el rock de una manera teatral, Kiss fueron aun más lejos en la vertiente circense y autoparódica del rock. En cualquiera de sus actuaciones se les podía ver escupiendo sangre, con sus guitarras humeando, y rodeados siempre de diversas pirotecnias. Kiss ha obtenido 45 álbumes de oro a la fecha. Las ventas mundiales del grupo exceden 100 millones de álbumes.

La banda original estaba conformada por Gene Simmons (bajo y voz), Paul Stanley (guitarra rítmica y voz), Ace Frehley (guitarra lider y voz) y Peter Criss (batería y voz). Con su composición y trajes, ellos asumieron los personajes de El Demonio (Simmons), el Chico De Las Estrellas (Stanley), el As Espacial (Frehley), y el Gato (Criss). Debido a los problemas de abuso de substancias y diferencias con los lideres, Criss, abandono Kiss en 1980 y Frehley estaba fuera del grupo en 1982.

Se reunieron en los 90 aprovechando una ola de nostalgia hacia las bandas de los 80’s, resaltando la Gira de Alive/Worldwide en 1996. Comienza el culebrón de idas y venidas: Criss, abandono la banda en enero de 2001 y Ace Frehley en marzo de un año después, ese mismo año, Peter Criss regreso a la banda, para grabar Kiss Symphony: Alive IV y la abandono nuevamente en 2004. Se les reemplazaron por Eric Singer y Tommy Thayer, respectivamente mientras Stanley y Simmons han seguido siendo los únicos dos miembros constantes.

KoRn se formó en 1993 a raíz de la combinación de dos grupos: Sex Art y LAPD. Las dos bandas cruzaron su camino por primera vez cuando Munky y Brian estaban una noche en Bakersfield y fueron a un bar donde daba la casualidad de que Sex Art estaba tocando esa noche.

El origen del nombre KoRn tiene varias versiones según sus propios artífices, aunque todas tienen en comun que escucharon durante una fiesta hablar a una pareja de ciertas prácticas sexuales relacionadas con el maiz tostado, no puedo entrar en detalles porque hay niños escuchando…. Así que se dedicaban a ir por ahí diciendo corn a la gente que conocía la historia para repugnarles.

Korn son pioneros del ciberespacio: En julio del 96 se convirtieron en el primer grupo en Internet en hacer una emisión radiofónica interactiva a través de Internet, durante la cual la banda ofreció un pequeño anticipo del Life is Peachy en directo, y los fans pudieron hacer preguntas a los miembros del grupo. Korn se han labrado una buena legión de seguidores en América con sus constantes giras, que finalmente convirtieron a su primer LP (KoRn, Editado en Octubre del 94) en disco de oro, con unas ventas (sólo en los Estados Unidos) de 700.000 copias.

Una curiosidad de Jonathan Davis, tiene un tatuaje con las siglas HIV en su Triceps derecho. No es que esté infectado de sida, se lo hizo en referencia a sus compañeros de clase en High School que le ridiculizaban, por ser distinto a ellos, llamándole gay.
Y comentaros también que Korn aparecieron en un episodio de South Park, haciendo de ellos mismos y en el que sonó en primicia la cancion Falling Away from me, primer single de su disco Issues.

"Killing Me Softly with His Song" es una cancion compuesta en 1971 por Charles Fox y Norman Gimbel que se ha convertido en todo en clásico pop. La cancion fue inspirada en un poema de Lori Lieberman titulado "Killing Me Softly with His Blues" esctito tras una actuacion de Don Mclean.

El primero en grabarla fue Liberman en el año 1971 pero realmente se reconoce este tema por la grabación de Roberta Flack en el año 1973. Su versión ganó tres premios Grammy: Canción del Año, Grabación del Año y mejor interpretación pop femenina. Se mantuvo durante 4 semanas en el número 1 del Billboard norteamericano. En 1999 esta version de Roberta Flack se incluyó en el Hall of Fame.

Killing me softly with this song ha tenido distintos covers, uno de los mas conocídos es el interpretado por el grupo de hip-hop Fugees en el año 1996, con la magistral interpretación de Lauryn Hill. Se vendieron mas de un millon de copias de esta versión que alcanzó el numero 2 en USA y los primeros puestos de las listas de exitos británicas. Gracias al éxito del tema de Fugees, se remezcló una vez mas la version de Flack en 1996 para una versión dance club.

Como curiosidad os contaré que en 2006 la canción se hizo un cántico popular de fútbol del equipo de fútbol irlandés Shelbourne F.C. con la letra cambiada "Dillon Me Softly with His Song " en referencia al antiguo defensa Sean Dillon. El cántico ha seguido a Dillon desde entonces hasta su nuevo equipo Dundee United F.C.

2007-12-19T13:31:00.000+01:00

Siglo 21, la cultura empieza a cambiar
¿quieres saber cómo? Toma apuntes

2007-12-18T13:35:00.000+01:00

Escaleta Lunes 17 de Diciembre de 2007

2007-12-17T22:03:00.000+01:00

Estamos haciendo tiempo... bendita navidad

2007-12-08T20:56:00.000+01:00

Lo nuevo de Foo Fighters

Ya sabéis que de entre todos los vicios que tenemos el equipo de Ritual de lo Habitual, los Foo Fighters es el más sano. Aquí os dejo su último single, "Long road to ruin", que ya ha sonado en nuestro programa. Un vídeo Foo 100%.

2007-12-08T13:38:00.000+01:00

Seguimos con estas lamentables fiestas...
Fuck Xmas (and fuck U2)

2007-12-06T12:37:00.000+01:00

Ritualpedia ~J~

Joplin (Janis)

Janis Lyn Joplin (19 de enero de 1943 - 4 de octubre de 1970). Fue un símbolo femenino de la contracultura de los 60. Fue la primera mujer blanca considerada gran estrella del rock.
La vida de Janis, llena de altibajos emocionales, crisis de identidad y encuentros y desencuentros con las drogas y la música tocó a su fin el 4 de octubre de 1970. Había sido un buen día de grabación. Se fue de copas y se emborrachó. A la 1:40, según el forense, murió por sobredosis de heroína. Janis ya había pasado por experiencias similares y había salido con vida, pero esta vez no había nadie para ayudarla. Descubrieron su cuerpo unas 18 horas después.
Algunas circunstancias en torno a su muerte permanecen sin explicar. La droga que la mató era de una pureza extrema (tenía el 40% de pureza, mientras que lo común sólo es del 2%). Las jeringuillas que usó desaparecieron de su habitación horas después de su muerte y se especula que pudo haber alguien más allí. De esta forma, los medios de comunicación rodearon su muerte de misterio, al igual que con las de Jimi Hendrix o Jim Morrison.
A las seis semanas de su muerte, salió el disco "Pearl", que fue un éxito y se mantuvo en el número uno de ventas durante 14 semanas. Como homenaje, se dejó el tema "Mercedes Benz" a capella, sin música, ya que fue la última canción que Janis grabó; asimismo, se incluyó la canción "Buried Alive in the Blues" sólo con música, sin la voz de Janis que habría debido cantarla.
El cuerpo de Janis Joplin fue incinerado en Westwood, California, y se arrojaron sus cenizas al Océano Pacífico. Dejó en testamento 600 dólares a sus amigos para que celebraran su muerte con una fiesta salvaje.
Curiosidades
Una serie de coincidencias han conducido a calificar a las muertes de Janis Joplin, Jimi Hendrix y Jim Morrison una especie de "maldición del Rock":
• Janis, Jimi y Jim tenían la misma edad (27 años) al momento de sus muertes.
• Todos murieron de sobredosis de droga.
• Sus nombres empiezan con "J".
• Los tres murieron entre 1970 y 1971, habiendo solo un mes de diferencia entre la muerte de Jimi Hendrix que murio el 18 de septiembre de 1970, y 8 entre ella y Jim Morrison.
• Los tres se han convertido en iconos culturales de los 60, triunfando, y muriendo al acabar esta década.

Johnny B. Goode

Johnny B. Goode es una canción escrita por Chuck Berry en 1955, y es considerada una de las primeras canciones de rock and roll puro de las que se tiene constancia.
La canción es la versión rock and roll de el sueño americano - un pobre chico del campo tiene el sueño de convertirse en una estrella a base de arduo esfuerzo y su destreza tocando la guitarra. Aunque en parte basada en el propio Berry, se dice que la inspiración para la canción vino de Johnnie Johnson que tocaba el piano y compuso varias canciones con Berry.
Esta canción ha sido versionada por muchos artistas, incluyendo a:
Elvis Presley, Jimi Hendrix, AC/DC, Andrés Calamaro, Aerosmith, Burning, The Beatles, The Grateful Dead, Elton John, NOFX, Sex Pistols, Los Suaves, B.B. King, Green Day.
La grabación de esta canción de Berry fue incluida en el Voyager Golden Record, incluida en la sonda espacial Voyager.
En la película Regreso al futuro, Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, tocó esta canción en un baile de instituto.
Berry más tarde escribió una secuela llamada "Bye Bye Johnny". Dicha canción luego es versionada por The Rolling Stones.
En 2004, el candidato Demócrata John Kerry usó la canción como banda sonora en la mayoría de los eventos de su campaña.

Jane’s Addiction

Su origen es Los Ángeles California, fue formado a mediados en los 80 por Perry Farrell, Dave Navarro, Eric Avery y Stephen Perkins. Se les considera uno de los pilares del rock alternativo, y un avance de lo que representarían los años 90 en la música. A pesar de ser un grupo formado en los 80, y que desarrollan la mayor parte de su carrera en esta década, a Jane's Addiction se los coloca habitualmente en el saco de los grupos de los 90, porque encajan perfectamente en el espíritu de la década. Coinciden en la misma época y ciudad que Red Hot Chili Peppers, que intentan dar también un nuevo concepto al rock, fusionándolo con el funk y el rap, y que unos incipientes Guns n' Roses, que intentan hacer lo propio cambiándole la cara por completo al hard rock; a menudo son comparados debido a su influencia y la renovación que representaron en una época determinada. A pesar de que Farrell solía despreciar a Guns n' Roses por su apropiación de todos los clichés rockeros, Martin Scorsese los une para siempre en un guiño de la película El cabo del miedo, al mostrar un clip de Jane's Addiction acompañado de música de los Guns.
En la historia de este grupo podemos distinguir dos etapas claramente diferenciadas:
Una primera más lírica y pesada, con influencias como la Velvet Underground y Led Zeppelin, aunque si se les escucha con detenimiento se pueden reconocer también matices de David Bowie o Black Sabbath. Sus tres primeros discos, Jane's Addiction, Nothing's shocking y Ritual de lo Habitual, conforman una trilogía imprescindible en la fonoteca de cualquier aficionado.
El grupo se separó, durante una accidentada gira que acabó con Farrell Y Navarro peleándose a puñetazos delante de un multitudinario público. Su fama había ido creciendo, y Jane's Addiction estaban pasando de ser un grupo alternativo a ser capaces de llenar estadios; esta etapa del grupo verá el nacimiento del festival de música alternativa Lollapalooza, creado y organizado por Perry Farrell. En el último concierto de la gira de Ritual de lo Habitual, en 1991, el grupo al completo se lanza sobre su público a modo de despedida. El grupo se separaba en su cima, besando la fama mundial y en el punto más álgido de su creatividad.
Tras el desmembramiento de Jane´s Addiction, sus miembros se reparten entre Porno for Pyros, Red Hot Chili Peppers y otros proyectos. En los siguientes años, la leyenda de Jane´s no hizo más que crecer, su legión de fans aumentó, y los nuevos grupos que surgieron durante la década se declaraban admiradores de la banda. Las tensiones entre Navarro y Farrell se aminoraron con el tiempo, y se editó un disco llamado Kettle Whistle, que incluía varias rarezas y temas inéditos en directo. El disco incluía una novedad: un tema nuevo, grabado por unos reunificados Jane's Addiction y con Flea, de Red Hot Chili Peppers, al bajo. Esto dio paso a una multitudinaria gira que se recibió con entusiasmo, y la gira a un nuevo disco, que, según la crítica, a pesar de mantener el nivel, no devuelve el espíritu de aquellas obras maestras, porque en ocasiones el arte, el verdadero, los libros, películas y discos que nos marcan son el producto también del espíritu de una época, y eso es irrecuperable.

2007-12-02T16:23:00.000+01:00

Escaleta Lunes 3 de Diciembre de 2007 Fun Fun Fun!

2007-11-27T09:55:00.000+01:00

Ritualpedia - I -

INDIE

El término independiente comenzó a aplicarse a discográficas que actuaban al margen de los canales de promoción y distribución habituales, con el fin de dar a conocer músicas que de otra forma jamás saldrían a la luz, por no ajustarse a los cánones preestablecidos de comercialidad y, por supuesto, beneficios económicos; asimismo, los músicos que quieren tener un control total sobre todo lo concerniente a su trabajo, desde los arreglos musicales de sus canciones hasta la portada de su disco, comienzan a crear sus propias discográficas, para lanzar sus productos y quizás los de grupos afines, o se adscriben a las independientes más acordes a su estilo. En definitiva, el amor a la música y la experimentación es lo que provocó el nacimiento de las discográficas y los grupos independientes.

Si bien en los 70 la frontera era más difusa y las grandes discográficas permitían a los grupos musicales crecer como artistas y mantener una carrera larga, aunque publicaran obras de difícil digestión, en los 80 se produce la separación total entre ambos conceptos: El punk, el hip-hop, la no-wave, el ska y la new-wave, el techno pop… las grandes compañías no asimilan tantas nuevas corrientes, ancladas en el pop meloso, el AOR y el rock progresivo, y la filosofía DIY se convierte en la norma para quien quiera hacer algo distinto a lo habitual. Es entonces cuando el término indie comienza a aplicarse a una actitud ante la música: Es indie quien antepone su música al beneficio económico, al reconocimiento público, a la fama y los fans… La actitud vende, y las grandes compañías usan a las independientes como campo de pruebas: arriesgan otros, apostando por nuevos grupos, y ellas recogen el beneficio fichando a los que consiguen algún éxito bajo la promesa de unos ingresos y una promoción que la independiente no puede ofrecerle por su carácter casi amateur, amén de ganar prestigio por tener a un grupo así en su plantilla; o bien crean y financian subsellos de tapadillo, con apariencia de independiente y mayor libertad artística que la casa madre. Aparecen los “vendidos”, los que venden su alma al diablo de las majors, los que traicionan sus ideas por dinero.

En los 90 y hasta la actualidad, lo indie, o lo alternativo, que queda más bonito, ha sido fagocitado por el mercado y se ha quedado en una entelequia: se ha convertido en una marca que vende. ¿Era Blur un grupo indie? ¿Lo es ahora Coldplay, que comenzó en un sello que sólo publica vinilos de 7”? Actualmente, se viene observando en l@s independientes de verdad un retorno a los planteamientos de principios de los 80, y ahora casi podemos distinguir entre lo mainstream, el indie de escaparate, y el indie real y comprometido.

Y no puedo acabar esta sección sin dedicarle una poesía al indie. Vamos allá:

¿Qué es el indie? Dices mientras me miras
Con tu flequillo alborotado sobre la cara, tu sueter a rayas,
Tus pantalones anchos y caídos y tus bambas Vans.

¿Qué es el indie? ¿Y tú me lo preguntas?
El indie… eres tú.

ILLBIENT

Esta variación del ambient surgió en Williamsbourgh, barrio de Brooklyn, NY, alrededor del colectivo Soundlab, que comenzó a mezclar los paisajes sonoros del ambient con la profundidad en los graves y los efectos del dub, y los ritmos, samples y loops del hip-hop. Los detractores de este estilo suelen comentar que tan sólo se trata de una adaptación del trip–hop al estilo americano; pero la verdad es que este sonido tiene su entidad propia, ya que el trip-hop mezcla el hip-hop con el soul y la música cinematográfica sobre todo, mientras que la fusión con el ambient da como resultado un sonido mucho más denso, oscuro y urbano. De hecho, el dubstep es el heredero directo del illbient, adaptando su sonido a la síncopa del two-step y el grime.

Los artistas más destacados de este estilo, a los que podéis acudir para comprobar que tal suena esto del illbient, son DJ Olive, en solitario o con su grupo WE (donde hacían un drum´n´bass buenísimo), Byzar, Subdub, y por supuesto DJ Spooky That Subliminal Kid (excelente músico y periodista musical), sobre todo en su disco Riddim Warfare.

IAN DURY & THE BLOCKHEADS

Ian Dury fue uno de los músicos más relevantes de la New Wave británica, injustamente relegado al olvido ya que fue de los más originales de su generación, tanto en la composición de sus letras (donde mezclaba poesía, juegos de palabras y crítica social) como de la música que produjo, una estupenda mezcla de música disco, rock´n´roll de los 50, punk, reggae, music-hall, power pop y acento cockney, que con su personal y particularísima forma de cantar dió como resultado un magnífico coctel con un gran éx¡to en Inglaterra, aunque menor repercusión fuera de su país.

Pero Ian Dury siempre será recordado por el que fue su primer single, co-escrito junto a su mano derecha, Chaz Jankel: Sex & Drugs & Rock´n´Roll,. El estribillo es una adaptación de una frase hecha más antigua de la lengua inglesa, Wine, Women & Songs (de hecho, actualmente no se menciona ya la antigua, sino la de Ian Dury, que se ha establecido de pleno derecho en el lenguaje inglés); pero la letra de la canción no es en absoluto una apología de lo mencionado en su estribillo, sino más bien lo contrario: hay mucho más en la vida que disfrutar que sólamente esta tríada de placeres. Pero la forma en que estaba escrita era muy críptica y su mensaje no se entendió, vendiendo poco en su momento.

Fue con su primer álbum, New Boots And Panties, cuando le llegó el éxito, vendiendo más de un millón de copias en el Reino Unido. Tras este disco llegarían canciones tan estupendas como Hit Me With Your Rhythm Stick, con la que consiguió un Nº 1 en las listas británicas, o Spasticus Autisticus; y unas ventas irregulares a lo largo de su carrera, compensadas con un excelente directo, que no abandonó ni siquiera cuando enfermó de cancer, del que murió en Marzo del 2000.

Ian Dury contrajo la polio cuando tenía 7 años y durante toda su vida apoyó la lucha contra esa enfermedad, llegando a ser nombrado embajador de UNICEF por este motivo.

2007-11-26T09:13:00.000+01:00

El Swedish Rock Days se plantea como un intercambio musical entre Suecia y España. Un escaparate para nuevas bandas que se cojen el avión desde Estocolmo y acaban compartiendo escenario con grupos españoles en Madrid y Barcelona.

Este año el cartel para Madrid (Sala Heineken, 6 de diciembre) y Barcelona (Sala Apolo 2, 7 de diciembre) incluye a los siguientes artistas: Björn Dixgård (Mando Diao), Miss Li (la Amy Winehouse sueca), Norma Bates, The Gain (organizadores del evento) y The Moonstones (banda madrileña que empieza una nueva etapa con nueva cantante).

En años anteriores el festival nos permitió conocer a bandas suecas como Asboo, Sugarplum Fairy, Suburban Kids With Biblical Names, Lucknow Pact o Ida Maria, que compartieron cartel con grupos españoles como Idioterne, 57 grados o los propios The Gain.

Las entradas para los conciertos de este año cuestan 20 euros en venta anticipada y 22 en taquilla.

A falta de tres meses para la ceremonia de los Oscar 2008, ya empiezan a aparecer quinielas sobre los ganadores. Y entre ellas sale el nombre de Jonny Greenwood. Es más, los entendidos lo ven tan seguro como ganador que dicen que la estatuilla ya viajan en dirección a Oxford. Obviando la exageración, el hecho es que el guitarrista de Radiohead ha puesto su creatividad musical al servicio de la banda sonora de ‘There Will Be Blood In Hollywood’, la nueva película de Paul Thomas Anderson (Boogie nights, Magnolia), y a pesar de que todavía no se haya estrenado, los críticos están entusiasmados, no sólo con la cinta, sino también con la banda sonora.

Lo que podría parecer un coto cerrado de artistas tipo John Williams o Giorgio Moroder, se ha invitado a pasar a artistas habitualmente enrolados en la llamada música popular. El último ejemplo, el de Jorge Drexler, que se llevó el galardón por ‘Al otro lado del río’.

Así, si Jonny Greenwood consigue la estatuilla compartirá el honor de haber recibido el gran premio cinematográfico con una larga lista: Bob Dylan se lo llevó gracias a su canción ‘Things have changed’, de la película ‘Jóvenes prodigiosos’; Annie Lennox era coautora de la canción ‘Into the west’, de ‘El señor de los anillos: El retorno del rey’ y fue premiada con el bicho dorado; ‘Lose yourself’, de ‘8 millas’ logró que Eminem se llevase la figurita de la espada a Detroit.

WINTER EUROPEAN TOUR 2007, se acerca hasta Madrid una de las giras más interesantes del año en el Metal extremo, con cabeza compartida entre Marduk y Unleashed y abriendo cartel los noruegos Vreid. La cita será el jueves 6 de diciembre de 2007 en la sala Caracol. Marduk son habituales de los escenarios españoles, practicamente todas sus giras han pisado suelo hispano, en esta ocasión vienen a presentar su último trabajo Rom 5:12 (Regain Records),la banda liderada por el guitarrista Morgan se ha asentado con una formación muy compacta y estable en la que sobresale por encima del resto el cantante Mortuus, que ya ha hecho olvidar al defenestrado Legion. Unleashed, pese a sus mas de 15 años de existencia, visitan España por primera vez en una gira. Aunque vengan a presentar su octavo disco en estudio Midvinterbolt (Steamhammer), no dejarán de interpretar todos sus grandes clásicos. Vreid son la banda revelación del Black Metal noruego, con 3 discos ya editados, su último trabajo I Krig (Tabu Recordings) les ha consolidado dentro de la escena del Black Metal.

2007-11-23T09:06:00.000+01:00

GRAN EXCLUSIVA !!! Nuevo vídeo de Raices y Puntas

2007-11-22T16:41:00.000+01:00

Un día en la redacción de Ritual de lo Habitual.

Aquí os ponemos un pequeño video de los integrantes de Ritual de lo Habitual preparando el gran show del Rock'n'Roll. Concentrados y dispuestos a rellenar con sabiduría, temple y buena música 60 minutos de radio para gente tan inteligente como nosotros. Las imágenes hablan por sí solas.

2007-11-16T11:25:00.000+01:00

La dificultad de escribir sobre la letra H, es que no suena, una letra que pasa desapercibida, sobre todo en la radio, ha de ser resarcida, musicalmente hablando. La H de Hey Joe, la H de Hello!, la H de Hall of fame… Esa H, única letra que para su pronunciación necesita de su hermana acompañante, la che, y que en inglés es una jota o una ge, o aserejé, da, de jevi and the jevi….

HEROES DEL SILENCIO nacen en 1984, cuando Enrique Bunbury entra en el grupo de Juan Valdivia y su hermano, Zumo de Vidrio.

Sobra decir que este grupo es referencia en el panorama rock nacional, y uno de los grupos de habla hispano más importantes del mundo. Han editado 13 Discos, mas una larga lista de recopilatorios y directos entre los años 1987 y 2006.

Formación Original:
Enrique Bunbury Voz, armónica y guitarra acústica
Juan Valdivia Guitarra solista
Pedro Andreu Bateria
Joaquin Cardiel Bajo, coros
Otros miembros
Alan Boguslavski (1993-1996) guitarra rítmica, Gonzalo Valdivia (2007) guitarra rítmica

El 14 de febrero de 2007, veinte años después de sus primeras grabaciones y diez desde su separación, Héroes del Silencio anunciaron su vuelta a los escenarios con la Héroes del Silencio Tour 2007, gira con la que se presentaron en Guatemala, Buenos Aires, Monterrey, Ciudad de México, Los Ángeles, Sevilla, Zaragoza y Valencia dando únicamente 10 conciertos.

La influencia mas clara de héroes a la figura de Oscar Wilde se encuentra en el nombre de Bunbury, sacado de la obra de teatro "La importancia de llamarse Ernesto". Bunbury es un personaje ficticio inventado por uno de los protagonistas (concretamente por Algernoon) como excusa perfecta para no acudir a determinados actos sociales y quedar bien.

HARD ROCK

El hard rock o rock duro es un derivado del rock and roll y del blues rock relacionado en principio con el heavy metal y que uno complementa al otro. La mayoría propone que tiene sus raíces más cercanas en el blues rock de los años 60. Dos de las bandas a las cuales se atribuye la gestación del género son Deep Purple Y Led Zeppelin; asimismo, durante los años 60, otras bandas practicaron estilos que se consideran precedentes del estilo; así, se suele atribuir el primer riff hard rock al tema " You really got me" de The Kinks, tambien se asegura que la primera cancion de Hard Rock seria Helter Skelter de The Beatles. Ahí viene la parte divertida, porque la realidad es que, hard rock se le puede llamar a todo lo que no tiene nombre propio. Si no es pop, es probable que sea hard rock. Aunque claro el heavy metal, el metal, el hardcore, con h también, beben de las fuentes caudalosas de este peculiar estilo musical. Desde Ritual de lo Habitual, queremos etiquetarlo todo, y a falta de otra etiqueta usamos siempre Pop o esta misma de la que os hablo Hard Rock. No nos extrañaría nada que en un entorno musical doméstico se pudiera escuchar la siguiente conversación:

- Mamá, ¿que es esta cosa negra que acompaña al pollo?
A lo que respondería la madre, - hijo mio, eso es hard rock, lo dejas a un lado y te comes el resto.

HEROES, DAVID BOWIE

Mitica canción de David Bowie inspirada en el muro de Berlín. Homónima al disco al que pertenece Heroes, continuaría la estética de su antecesor produciendo atmósferas aún más producidas en cuanto a sintetizadores y electrónica. Aunque este disco junto a sus dos antecesores, que forman la conocida “Trilogía de Berlín”, no destacaron en lo comercial, serían inmensamente alabados por la crítica oficial, y son un eslabón decisivo entre la electrónica y la música pop por venir en la década de los 80's.

El bueno de Bowie, mientras vivía en Berlín, comparte piso con Iggy Pop y ambos se desintoxican de su severa adicción a las drogas. Bowie ayuda a Pop produciendo sus dos primeros discos en solitario y co-escribiendo la mayororía de las canciones, The Idiot y Lust For Life, siendo éstos los más aclamados de la carrea solista de Pop, quien le devuelve el favor con una pequeña colaboración en coros en el primer disco berlinés de Bowie, que se llamaría Low.

Hasta aquí amigos ilustrados, compañeros de sillón en esta academia ritualpédica, la H, me quedo con un horrendo Headache y entiendo que hay cosas que suenan, y que lo hacen más alto que la H, que nunca deberían haber sonado, amén.

2007-11-13T10:00:00.000+01:00

Petición Popular, El Peor dia de mi vida....

2007-11-09T09:11:00.000+01:00

Escaleta del lunes 12 de Noviembre 2007

~ Deep End~