Ritualpedia II -P-
The Police comienza su historia en Londres, en 1976. En la capital británica se unieron tres jóvenes músicos: el guitarrista francés Henry Padovani, Sting (que tocaba el contrabajo en un modesto grupo de jazz) y Stewart Copeland.
The Police comienza subiéndose al carro del 'punk', de moda en aquella época, pera tanto Sting como Stewart odiaban la falta de calidad de aquel movimiento. Para mejorar en su propio estilo contratan a un conocido guitarrista, Andy Summers
Su siguiente paso hacia el estrellato lo dieron al teñirse el pelo de rubio para un anuncio de chicles. Aquel sería su look durante varios años.
Poco después The Police sacan su primer gran éxito, 'Roxanne', una desesperada canción de amor a una prostituta, un tema que fue censurado en todas las emisoras de habla inglesa, al igual que su siguiente tema, 'Can't Stand Losing You'.
En 1978 publican su primer álbum, 'Outlandos D'Amour', que se convirtió en un gran éxito de ventas. En este disco se mezclaban aires de jazz, reggae y rock.
Al año siguiente sacan su segundo disco, 'Regatta De Blanc', tras el que inician su primera gran gira. Un año después editan 'Zenyatta Mondatta', un disco que hicieron a disgusto y por presiones de la compañía, a pesar de que contenía algún tema de calidad.
En 1981 The Police publican 'Ghost In The Machine' y en 1983 'Sinchronicity', su último disco y que contenía el mayor éxito de la banda, 'Every Breath You Take'. Este disco fue grabado en Canadá y fue número uno en Inglaterra y en Estados Unidos durante 17 semanas, consiguiendo tres premios Grammy.
Después de este último disco los componentes del grupo se han ido alejando paulatinamente. El que mejor parado ha salido ha sido Sting, quien ha participado en varias películas y ha continuado su carrera musical en solitario con la publicación de varios discos, uno de ellos en español. El resto de los miembros de Police se han ido integrando en otras bandas o trabajando en solitario en ocasiones.
Proseguimos…
Pixies son un grupo proveniente de la ciudad de Boston, Estados Unidos y formado en 1985. El grupo se desintegró en 1993 en circunstancias muy tensas pero se reunieron en 2004. El grupo ha estado conformado desde su creación por Black Francis, Joey Santiago, Kim Deal y Dave Lovering. Si bien Pixies sólo pudo conseguir un muy modesto éxito en su país, alcanzaron mucho mayor reconocimiento en Europa, en especial en el Reino Unido, a pesar de que ninguno de sus álbumes fue un éxito comercial.
La música de Pixies está fuertemente influída por el punk y el surf rock. A pesar de que su estilo es muy melódico, son capaces de ser tremendamente cáusticos. Esto se ve reflejado en las letras que Francis, el cantante y escritor principal del grupo, que interpreta con un estilo de voz desesperado. Los temas de sus letras suelen ser girar sobre temas misteriosos, como el fenómeno OVNI o el surrealismo. También, las referencias a temas como la inestabilidad mental, imágenes violentas tomadas de la Biblia, el incesto o daños físicos, son muy frecuentes en las letras de la banda.
Al grupo frecuentemente se le ve como el antecesor inmediato del boom del rock alternativo de principios de la década de los 90, a pesar de que su disolución se dio antes de que pudieran cosechar algún beneficio que eso pudiera haberles dado. Kurt Cobain, fan confeso de Pixies, reconocería la gran influencia que el grupo ejercería en Nirvana, al igual que otros grupos de rock alternativo. Esto aseguraría el legado de Pixies y provocaría que su influencia fuera creciendo sustancialmente en los años posteriores a su separación.
Al igual que ocurrió con otros grupos de Noise Pop, su personal estilo ejerció gran influencia sobre muchas de las bandas de rock de la escena grunge y alternativa de principios de la década de 1990, especialmente sobre Nirvana y Weezer, quienes popularizaron su particular uso de melodías suaves durante las estrofas y explosiones, gritos y guitarras distorsionadas durante los estribillos. Fueron de gran influencia para todas las bandas que posteriormente incluirían el noise en canciones de estructura pop al igual que ellos.
Ritualpedia II -O-
O'funkillo fue un grupo musical sevillano de funky ("Funky andaluz embrutessío" según los propios miembros del grupo). Su nombre proviene de mezclar la expresión sevillana "ojú killo" con funk, principal estilo de la banda. Aparte del funk, O'funk'illo cuenta con una gran variedad de estilos en sus composiciones, desde el metal al flamenco y el reggae.
Biografía
Los comienzos de O'funk'illo se remontan al año 1997, cuando actuaban bajo el nombre de Motherfunkers, principalmente haciendo versiones. El grupo obtuvo buena acogida, y decidieron empezar a componer con el actual nombre de O'funk'illo. Con el tiempo, el grupo consolidó su éxito, formando parte obligatoria del cartel de varios festivales de música de importancia, como el Viña Rock o el Espárrago Rock y multitud de conciertos en solitario por toda España. Su último trabajo tuvo una especial acogida, tanto en el público, como en los medios, obteniendo el premio a mejor álbum/grupo de rock alternativo en los premios de la música 2006, que subió a recoger Andreas Lutz, front-man del grupo, vocalista de marcada personalidad, siempre cantando en "andalú" e incluyendo la jerga sevillana en sus letras, fundador del sello independiente ARTELOJAZZ PRODUCCIONES CREATIVAS, con el que lanzó a Vikingo M.D., ex cantante de Narco, colaborador habitual en los discos de O'Funkiillo. Los fans del grupo se autodenominan funkáticos, la relación del grupo con sus fans siempre fue muy estrecha, creando una verdadera comuna que los seguía por toda la geografía en los cientos de conciertos que ha dado el grupo sevillano, el cual se identifica precisamente por estos. En los directos, el grupo imprimía fuerza, guassa, e intención en su música, conformando un show que dirigía Andreas, acompañado por Pepe Bao al bajo y Javi Marciano a la guitarra. Sus fans lo calificaban como "el show con más poca vergüenza de la historia". Además de producir sus dos últimos discos, O'funkillo fueron productores y promotores del grupo Las Niñas, cuyas componentes AuroraPower, mujer de Andreas Lutz, y Vicky G. Luna, fueron corista de O'funk'illo durante sus primeras giras. Finalmente, en febrero de 2006, por discrepancias entre los miembros de la banda, Andreas abandona la banda. Al ser co-propietario de los derechos de imagen del grupo, el nombre de O'funkillo no puede seguir utilizándose y se disuelve oficialmente. A pesar de esto, el resto de componentes deciden seguir girando bajo el nombre de "P'al Keli: tributo a O'Funkillo". Realizan tours por la geografía española desde 2006 hasta 2008 con diversos vocalistas. Pero no editan más discos.Actualmente Javi Lynch Marssiano y Pepe Bao han fundado un nuevo proyecto,Cusha!,una nueva agrupacion que completa Yutah,musico canario afincado en Madrid y Joaquìn Migallon a la bateria,el que tambien fuera miembro fundador de O'funk'illo y que abandono a este tras la grabacion de su primer disco.Aunque Cusha no tienen nada editado hasta el momento,se le augura un buen futuro si tenemos encuenta que en su my space han logrado captar mas de 30.000 visitas en menos de un mes,creando asi un nuevo fenomeno de fans,los que se hacen llamar Cusheros.
Componentes
Andreas Lutz (vocalista)
Javi Marssiano (guitarra)
Pepe Bao (bajo)
Discografía
O'funk'illo (2000). Producido por Nigel Walker.
En el Planeta Aseituna (2003). Producido por O'funk'illo.
No te cabe na' (2005). Producido por O'funk'illo.
OK Computer es el tercer álbum de estudio del grupo musical británico de rock alternativo Radiohead lanzado en 1997. Fue editado inicialmente el 16 de junio de 1997 en el Reino Unido por medio de la compañía discográfica Parlophone siendo el tercer álbum de material inédito de la banda y les sirvió para continuar a su críticamente aclamado The Bends de 1995.La grabación se llevó a cabo en julio de 1996 en Didcot, Oxfordshire y continuaron entre septiembre del mismo año y marzo de 1997 en Bath (ambas localidades de Inglaterra) bajo la producción de Nigel Godrich y Radiohead. OK Computer toca temáticas referentes a la alienación tecnológica y los espacios urbanos, los efectos de la tecnología en los seres humanos, la neurosis, el abandono, el nihilismo, la ira, las relaciones impersonales y la incapacidad de comprender el mundo. De acuerdo al cantante Thom Yorke, representó un cambio en su estilo de escribir las letras de las canciones, lejos de las preocupaciones personales de Pablo Honey y The Bends.
El álbum fue un éxito comercial del cual salieron los sencillos "Paranoid Android", "Karma Police" y "No Surprises", lo que se tradujo en un enorme crecimiento de la popularidad del grupo a nivel mundial y marcó el ingreso de Radiohead en el mercado estadounidense, donde debutó en la 21ª posición. Debido a su inesperada popularidad, se convirtió en el último álbum de Radiohead con lanzamiento diferido fuera del Reino Unido. Hasta enero de 2007, OK Computer ha sido certificado con doble disco de platino en Estados Unidos y triple disco de platino en el Reino Unido. De igual forma es aclamado por la crítica musical, usualmente citado como el mejor trabajo de la banda y como punto de referencia musical de los años 1990. En 1998 recibió un premio Grammy como Mejor Álbum de Música Alternativa, además de recibir una nominación a Mejor Álbum del Año. Aunque fue clave para poner al grupo británico al frente del movimiento rock, es apartado de los estilos populares del britpop y del rock alternativo de ese momento exponiéndose como un trabajo preliminar para los siguientes álbumes, los cuales fueron más abstractos. En el 2003 fue colocado en el puesto #162 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista estadounidense Rolling Stone
Antecedentes
De acuerdo al bajista Colin Greenwood, "el único concepto que teníamos para este álbum era que queríamos grabarlo fuera de la ciudad, y esperabamos grabarlo por nuestra propia cuenta." The Bends había sido un éxito, por lo que la compañía discográfica Parlophone les permitió la libertad de trabajar con el ingeniero de sonido Nigel Godrich. Aunque Godrich era menor que cualquiera de los miembros del grupo, y virtualmente desconocido, asistió a John Leckie en The Bends y además ya había producido varios lados-b de Radiohead, así como el sencillo promocional de 1995, "Lucky".
"Paranoid Android", "Karma Police" y "No Surprises" fueron lanzadas como sencillos. La edición editada en el Reino Unido de cada uno de los sencillos fue lanzado en dos partes (CD), de los cuales cada uno contenía diferentes lados-b. "Airbag" no fue lanzado como sencillo, sin embargo fue lanzada como la primera canción del EP Airbag/How Am I Driving?, una compilación de algunos lados-b de OK Computer, lanzada en 1998.
"Let Down", "Lucky" y "Climbing Up the Walls" fueron lanzadas como sencillos promocionales o como sencillos de edición limitada. El lanzamiento del sencillo "Lucky" apareció casi dos años antes que el resto del álbum, y fue originalmente grabada en 1995 para The Help Album, una compilación de caridad para la fundación War Child. "Let Down" fue planeado originalmente como el sencillo sucesivo a "Paranoid Android". Fue reemplazado por "Karma Police", cuando el vídeo musical creado para "Let Down" fue estimado como insatisfactorio; la canción, sin embargo, fue lanzada como sencillo promocional para estaciones de radios en algunos países. El sencillo promocional de "Climbing Up the Walls" presenta remixes de la canción creados por Zero 7 y Filla Brazillia.
En la industria musical, un one-hit wonder (en español: maravilla de un éxito) es un artista que generalmente es conocido por un sólo sencillo exitoso.
Ya que los one-hit wonder son populares durante un periodo corto, sus éxitos suelen tener gran valor nostálgico, y suelen aparecer en recopilaciones de épocas y en bandas sonoras.
Los éxitos de muchos one-hit wonder son, hasta cierto punto, efímeros a propósito, grabadas por razones humorísticas o para aprovechar una novedad en la cultura popular. Los ejemplos incluyen Disco Duck ("Pato Disco") de Rick Dees, relacionado a la locura disco a fines de los años setenta, y Pac-Man Fever (Fiebre Pac-Man) de Buckner & Garcia, relacionado con el juego de Arcade "Pac-Man". Pero comúnmente, los one-hit wonder son músicos serios que se esfuerzan en continuar con su éxito cuando su popularidad decae. Algunos artistas han tenido sólo un éxito debido a una muerte prematura, como Minnie Riperton y Blind Melon.
Los one-hit wonder son comunes en cualquier época de la música pop, pero son más comunes de dentro de periodos de géneros musicales que no duran más que unos pocos años, como el disco y new wave.
A pesar de que el término se usa a veces de forma despectiva, los fanáticos suelen tener gran pasión por estas canciones memorables y los artistas que los crearon. Algunos de estos artistas han adoptado a estos seguidores abiertamente, mientras que otros se distancian de su tema de éxito intentando realizar canciones de éxito con sonido diferente; o inician carrera como escritores (como Linda Perry de 4 Non Blondes) o productores discográficos (como Gerardo).
Un asunto de definiciones
La mayoría de los miembros de la industria musical estadounidense consideran una canción dentro de los primeros cuarenta de la lista de los Billboard Hot 100 como un éxito. Por lo tanto, cualquier intérprete que sólo haya grabado una canción con estas características es, técnicamente, un one-hit wonder. Sin embargo, el término se aplica de manera general a cualquier artista que es conocido por una sola canción, razón por la cual artistas que cumplen el criterio anterior pueden no ser considerados one-hit wonders, mientras otros que no lo cumplen pueden ser vistos de esa manera.
En el Reino Unido, el término one-hit wonder es usado para describir a un solista o banda que sólo tiene un éxito en los primeros 20 de UK Singles Chart, mientras todas sus demás canciones nunca se colocaron por arriba del número 21. Ésta es, obviamente, una definición mucho más restrictiva que la usada en Estados Unidos o en cualquier otra parte del mundo.
Hay otros criterios que se consideran al evaluar el estatus de un artista como one-hit wonder:
Jimi Hendrix, Frank Zappa, Lou Reed, Radiohead, Janis Joplin, The Grateful Dead, Iggy Pop, Beck y Korn todos tienen sólo un éxito en los 40 primeros de Billboard, pero muy rara vez, por no decir nunca, son considerados como one-hit wonders. En estos casos otros criterios son tomados en cuenta para evaluar su éxito: las ventas de álbumes y de conciertos, la opinión de la crítica, la gran fidelidad de sus fanáticos o por su influencia sobre otros músicos.
Lo mismo aplica a la inversa, grupos dirigidos por solistas bien conocidos no suelen ser llamados one-hit wonders. El éxito "Layla" de Derek & the Dominoes es asociado con el líder del grupo Eric Clapton, quien ha tenido considerable éxito antes y después de la existencia de Derek & the Dominoes.
Intérpretes que han tenido un éxito consistente en algún lugar del mundo pero que sólo son conocidos por una canción fuera de ese lugar suelen ser considerados one-hit wonders al paso del tiempo. Nena de Alemania, Frankie goes to Hollywood de Reino Unido y Crash test dummies de Canadá tuvieron un éxito considerable en sus países de origen, pero son considerados one-hit wonders en Estados Unidos, y Nena y Crash Test Dummies son igualmente one-hit wonders en el Reino Unido.
Artistas que son exitosos en un género pero que sólo han producido un éxito fuera del mismo suelen ser considerados one-hit wonders por el público en general, pero no por los fanáticos del género al que pertenecen. La cantante de música celta Loreena McKennitt, la banda de rock cristiano Jars of Clay, y el cantante de country Billy Ray Cyrus son ejemplos de esto, todos son populares en sus respectivos géneros pero son conocidos por el público general por una sola canción.
Los artistas que tienen más de un éxito por arriba de los primeros 40 son a veces considerados one-hit wonders si una de sus canciones opaca importantemente el resto de su repertorio. "Take on me" del grupo A-ha se colocó en los primeros 10 de la lista de VH1 de los 100 Greatest One-hit Wonders a pesar de que el grupo tiene dos canciones en el Top 20 de Billboard "Take on me"
Nashville es la capital del estado de Tennessee, y se la conoce como “Music City USA" y como la capital de la música Country. Todo comenzó con la aparición de la radio. La música que se hacía en un determinado lugar podía escucharse en la otra esquina de la nación, y en 1925 una pequeña emisora comenzó a emitir música folk en directo (como todo el mundo sabe, basada en las canciones escocesas e irlandesas traídas por los inmigrantes dos siglos antes) y también las canciones que sonaban en los bailes que se celebraban por aquel entonces, normalmente en establos. El espacio se emitía los sábados por la noche, y tras él comenzaba un programa de música clásica llamado “Grand Opera”. No me preguntéis por el juego de palabras, pero al programa se le comenzó a llamar “The Grand Ole Opry”, y continúa hasta nuestros días; de hecho, tocar en el programa es la consagración necesaria para cualquier músico country con algo que decir.
Esta música se volvió en muy poco tiempo inmensamente popular en todo EEUU, y músicos de todas partes del país se dirigieron a Nashville con la esperanza de poder tocar en vivo en el programa y hacerse un nombre como músico folk. La industria discográfica comenzó a ver el incipiente negocio y tanto pequeños como grandes sellos abrieron alguna oficina o estudio en la ciudad, hasta el día de hoy.
El único “pero” es que (sobre todo en los años 70 y 80, ahora ya no tanto) la música allí facturada ha acabado siendo la más comercial, y anclada en la tradición más cerrada; los que pensáis que la música Country es aburrida seguramente lo hagáis por discos grabados allí, y muchos de los músicos rebeldes y con afán de introducir nuevos aires en la música Country han tenido que grabar sus canciones en otros lugares. Pero esos tiempos tan encorsetados ya han pasado, y Nashville tiene grandes cosas que ofrecer no solo al fan del Country, sino de la música en general.
NUSRAT FATEH ALÍ KAHN
El Bob Marley de Pakistán. El Elvis de Asia. Así ha llegado a llamarse a Nusrat Fateh Ali Kahn, nacido en 1948 y fallecido en 1997, quien es considerado como el mejor Qawwal que ha existido nunca. Qawwal es aquel que canta música Qawwali, música tradicional pakistaní de la rama religiosa sufí. Nusrat perteneció a una familia que lleva más de 600 años dedicada a este canto. Aunque su padre quería al principio que se dedicara a otra cosa, por considerar que los Qawwal no tienen una posición social muy alta, el entusiasmo que vió en su hijo por la música hizo que, afortunadamente para nosotros, lo entrenara para el canto. A la muerte de su padre, Nusrat se hizo cargo del party de la familia, que es así como se llama al conjunto de músicos que acompañan al Qawwal. Éste se compone de percusiones (tabla y dholak, y también las palmas), harmonium y cantantes secundarios, que acompañan al cantante principal en canciones que suelen durar unos 20 minutos, habitualmente.
Nusrat, partiendo de una forma de interpretar el Qawwali tradicional, introdujo innovaciones tanto en la parte vocal como en la estructura de las canciones, que lo acercaron a la juventud india y pakistaní, lo que lo convirtió en un fenómeno de masas; en Occidente se dio a conocer gracias a su colaboración en la banda sonora de “La Última Tentación De Cristo”, de Peter Gabriel, que lo fichó para su sello Real World, donde editó varios discos. Los dos más accesibles los produjo el guitarrista Michael Brook, los estupendos “Mustt Mustt” y “Night Song”; del primero, Massive Attack hizo una increíble remezcla de la canción que daba título al disco, lo que le dio fama internacional. Colaboró en dos temas con Eddie Vedder en la banda sonora de “Dead Man Walking”, quien afirma que hay un antes y un después al trabajar con Nusrat ; también en la de “Asesinos Natos”, de nuevo junto a Peter Gabriel, pero no quedó contento con el resultado porque la película se alejaba totalmente de sus principios morales. No dejó de girar por Europa en varios festivales Womad y giras en solitario, lo que propagó aún más su música y su talento.
Aún está por publicar su trabajo con el productor Rick Rubin; también los Red Hot Chili Peppers hicieron una canción dedicada a Nusrat que no ha salido aún a la luz. Jeff Buckley lo versionó en su directo “Live At Sin-é”, donde declara “He´s my Elvis”. Las bandas más jóvenes han añadido electrónica a la voz de Nusrat con magníficos resultados, en los discos “Star Rise”, con Asian Dub Foundation, Nitin Shawney o Talvin Sigh, y “Dub Qawwali”, del productor Gaudi… Tantos grandes artistas no pueden estar equivocados, señores: introdúzcanse sin reparos en la mesmerizante voz de uno de los mejores cantantes del siglo XX: Nusrat Fateh Alí Khan.
KATE NASH
Tenemos aquí a una londinense con una historia bastante similar a la de Lily Allen en lo referente a su andadura musical. De pequeña estudió piano y guitarra. Ya mayorcita, se cayó por unas escaleras y se rompió un pié. Durante la convalecencia, su madre le compró una guitarra eléctrica y comenzó a componer, y al restablecerse comenzó a mostrar en público sus canciones en varias actuaciones en pequeños locales. Aquí comienzan las similitudes: La chica cuelga sus canciones en su My Space y la gente comienza a interesarse por ella. Graba un single en vinilo en el prestigioso sello independiente Moshi Moshi (donde ha comenzado gente como Hot Chip), que tiene que volver a prensarse por la demanda que surge; y Paul Epworth se ofrece a producirle su segundo single, “Foundations”, que llega al nº 2 en las listas británicas, y su primer disco, “Made Of Bricks”. El disco recibe críticas de todo tipo (es un primer disco y tiene sus lógicos altibajos), pero llega al nº 1 en las listas y al disco de platino. También ha colaborado con raperos provenientes del hip-hop y del grime.
Y musicalmente, ¿qué nos ofrece Kate Nash? Pues también se puede establecer paralelismos con la Allen, aunque tira más de la electrónica, y sus composiciones son un poco más maduras y tratan temas más serios; pero lo que sí es cierto es que estamos ante un trabajo que aúna diversión, comercialidad e incluso algunos destellos de experimentación con la música pop, huyendo de las típicas canciones ñoñas, y con ganas de perdurar, no de ser un nuevo hype de usar y tirar.
Su próximo disco está previsto para mediados de este verano, y pretende combinar las influencias que Nash reconoce como más marcadas, The Supremes y The Shangri-Las, con un sonido más influenciado por el punk que el de su primer disco.
Robert Nesta Marley (n. Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica, 6 de febrero de 1945 - m. Miami, 11 de mayo de 1981), mejor conocido como Bob Marley,
Bob fue creciendo en la calle, junto con otros chicos de la misma condición, en especial en compañia de Bunny, con el que comenzó a tocar latas, cajones de madera, tablas de lavar y guitarras improvisadas en casa. El sonido que intentaban imitar era el de las canciones radiadas por las emisoras del sur de Estados Unidos, que conseguían captar en sus radios, y en las que sonaban artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton y Fats Domino, además de grupos como The Drifters, que eran muy populares en Jamaica.
Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967.
Entre los sucesos destacables en la vida del músico jamaicano contaros el sucedido el 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos, aunque se baraja la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada, dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica. Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo, pero esto os dará una idea de lo politizado de su música y de la influencia del rasta en las incipientes manifestaciones de la gente de color en USA.
Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres singles - "Waiting In Vain", "Exodus" y "Jamming’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos singles: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". Y, como entenderéis no podemos hablar ni de todos sus discos, ni de todos sus éxitos.
Hasta el día que Marley falleció, de un cáncer que se le reprodujo tras una herida que se causo jugando al futbol en una de sus rodillas, practicó la doctrina Rastafari, cuyos seguidores, o rastafarr como se conocen en ese idioma, traducido como rastas y que no portan necesariamente dreadlocks (peinado característico), creen que Haile Selassie, el último emperador de Etiopía, es un enviado de Dios, una especie de mesías viviente que liberará a la gente del mundo de ascendencia africana , conduciéndolos a una tierra prometida llena de emancipación y justicia divina.
Mendocino, the Sir Douglas Quintet Apr 1969
Mendocino, es el tema que da nombre al Segundo disco del grupo Sir Douglas Quintet, publicado en 1969. Tanto este tema, como “She’s About a Mover”, incluido en el mismo trabajo, suponen grandes éxitos en las listas de ventas de finales de los 60. Mendocino es, además, considerado el tema más perfecto de los de San Antonio, Texas.
De los Sir Douglas Quintet, os diré que es considerada la banda más influyente del Tex-Mex en la historia de este peculiar estilo musical. Esta banda es de reconocida reputación dadas sus raíces musicales, pero además, de ella surgió una de las mayores estrellas de culto, Doug Sahm. El quinteto mezclaba country, blues, jazz, R&B, Mexican conjunto/norteño music, Cajun dances, British Invasion rock & roll, garage rock, y sonido psicodélico, y todo ello desde la perspectiva de un grupo de Texas, os podéis imaginar el resultado. Aunque esta banda no obtuvo reconocimiento musical, sobre todo en la época en la que vivían, la de los 60, aún hoy son fuente de inspiración en la música tejana, sobre todo de la escena mex de Austin. Tras su disolución Sahm se embarcó en una fascinante carrera en solitario y se siguió reuniendo con alguno de los miembros del quinteto a lo largo de toda su vida musical.
Dice la leyenda, de los Sir Douglas Quintet, que fueron una banda creada desde la idea del productor de Houston, Huey P. Meaux, el que durante la invasión de la música británica se encerró en una habitación de hotel con varios discos de los Beatles y varias botellas de vino, y después de pillarse una buena melopea descubrió que la frecuencia de los temas del Cajun Dance, se correspondía con la de los ritmos llegados desde Europa, por lo que podría engañar a los aficionados a los Beatles y venderles así la música de una banda local.
Sexto y último álbum de estudio de la banda estadounidense The Doors.
Editado en abril de 1971 fue el último disco que grabó el cantante Jim Morrison, que murió tres meses después en París. En el 2003, la revista Rolling Stone lo califico en el número 362, en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos
El álbum rompió con todos los trabajos anteriores de la banda, que si bien tenían influencias directas del blues, con este registraron un disco casi exclusivo a este estilo.
La grabación del álbum fue un tanto tensa, las relaciones entre los miembros de la banda, en parte por el carácter de Morrison, estaban un tanto deterioradas. El productor de todos sus discos, Paul A. Rothchild, se negó a producir el disco después de escucharlo. A pesar de esto, los Doors no se echaron hacia atrás y lo produjeron ellos mismos junto al ingeniero de sonido Bruce Botnick.
El disco fue grabado entre septiembre de 1970 y febrero de 1971 en el local de ensayos de la banda, que fue transformado en estudio provisional.
Como en todos los álbumes de The Doors, la lírica tiene un papel muy importante, y este disco no es la excepción. En él encontramos la despedida de Morrison a su querida ciudad, Los Angeles ya que al poco tiempo viajó a París para no volver jamás.
L7
Banda de rock de los Ángeles. El grupo se formó en 1985. En un periodo de tres años grabaron su álbum de debut para Epitaph, telonearon en una gira a Bad Religion. En 1990 editan uno de los discos más impactantes e importantes del movimiento Sub Pop, Smell the Magic, y en 1992 Bricks Are Heavy, que supuso el primer éxito del grupo con la canción "Pretend We're Dead" (Fingir que estamos muertos).
L7, en 1988 llevaron al rock más allá de sus límites con un húmedo debut discográfico que fusionaba la cruda vitalidad del punk con riffs electrificantes y salvajes. Con su humor, sus melodías y las guitarras al máximo de volumen, ayudaron a revitalizar el género, (y el sello Sub Pop).
Los lectores de Rolling Stone, eligieron el álbum que L7 editado en 1992, "Bricks are heavy " ( producido por el entonces famoso productor grunge, Butch Vig) como uno de los 150 discos indispensables para entender la década de los 90.
En 1994, L7 editan Hungry For Stink, son cabezas de cartel del Lollapalooza de ese año y participan en el Warped Tour. En 1995 su canción "Shitlist" forma parte de la película de Oliver Stone Natural Born Killers. Dos años después editan The Beauty Process: Triple Platinum
En 1999, con la salida del grupo de la bajista Gail Greenwood, L7 grabaron Slap-Happy, su último album hasta la fecha. El grupo ha producido la mayor parte de este álbum para dejar la parte de las mezclas a Tom Rothrock y Rob Schnapf (Beck, Foo Fighters, Elliott Smith), así como a su amigo y antiguo colaborador Joe Barresi (Melvins, Rage Against the Machine, Queens of the Stone Age...). Con Slap-Happy, L7 abren una nueva etapa en su carrera donde empiezan a controlar todos los aspectos de su producción. Han montado un sello llamado, Wax Tadpole Records, y controlan todo el proceso, desde como sonara el disco a la portada, desde la promoción al marketing.
James Todd Smith III (nacido el 14 de enero de 1968) es un cantante de rap americano mejor conocido por su nombre artístico LL Cool J ("Ladies Love Cool James"). De entre sus méritos, destacamos que fue el primer artista de rap en conseguir seis discos platinos consecutivos y seis singles de oro.
Tras una infancia realmente difícil, ya que sus padres se separaron y su padre incluso llegó a tirotear a su madre, LL encontró en la música una vía de escape a sus problemas. A los 13 ya había hecho su primera grabación de estudio.
LL Cool J firmó por Def Jam en 1984 y grabó el éxito I Need A Beat. La canción era el primer éxito de Def Jam y ese mismo éxito persuadió al joven artista a dejar los estudios cuando aún no había terminado de grabar el álbum Radio, en 1985. El álbum fue muy aclamado y LL se convirtió en el pionero de lo que sería el pop-rap. "I Can't Live Without My Radio" y "Rock the Bells" fueron los singles que ayudaron al disco a ser platino muy pronto. En 1987, editó Bigger and Deffer que incluía la balada "I Need Love", fue una de las primeras canciones pop-rap en convertirse en un éxito. Aunque la crítica se dedicó más bien a ridiculizar su nuevo estilo.
Impaciente por recuperar credibilidad, sacó su nuevo álbum Mama Said Knock You Out, en 1990, del que se vendió más de dos millones de copias. El disco tuvo tres singles exitosos, The Boomin' System, Around the Way Girl y Mama Said Knock You Out, este último producido por el respetado Marley Marl.
Tras actuar en varias películas y series de televisión, lanza "Mr Smith" en 1995, un disco que llegaría a ser doble platino.
En 1996, LL también ayudó a lanzar una línea de ropa llamada FUBU. El nombre quiere decir: For Us, By Us, y se refiere a que la ropa fue hecha por gente negra para gente negra.
Después del doble platino Mr. Smith, LL no ha sido capaz de recuperar el mismo nivel de éxito monetario. En 2000, grabó G.O.A.T., que quiere decir "Greatest Of All Time". Aunque no vendió lo mismo que otros trabajos, alcanzó el número 1 en Billboard 200.
En 2002, con el álbum 10, consiguió éxito con dos singles. También colaboró en el éxito All I Have de Jennifer López, en 2003. The DEFinition, de 2004, también tuvo dos singles de relativo éxito.
El 11 de abril de 2006, LL Cool J regresó con su nuevo álbum Todd Smith, en el que colaboraron artistas como Juelz Santana, Teairra Mari y Freeway. El primer single fue producido por Jermaine Dupri y se tituló "Control Myself", junto a Jennifer López.
Su vuelta se produjo en septiembre de 2008, con Exit 13, que será su último álbum con Def Jam.
Comenzamos hablando de un instrumento muy peculiar, del que ya encontramos constancia escrita de su existencia a principios del siglo XIX, pero cuyos orígenes se remontan al siglo XVI. Se trata de una calabaza cortada por la mitad y cubierta por piel de vaca, sujeta por un aro de metal, y con un agujero donde se coloca el mástil de madera, en el que van tensadas las 21 cuerdas de las que dispone el instrumento. Son tañidas con los dedos pulgar e índice de cada mano. El aro es móvil, y permite afinar la kora en 4 posibles escalas, de 7 notas cada una. La primera impresión que da el instrumento al verlo es que se trata de una especie de arpa africana, pero quizá esté más relacionada con la guitarra española o incluso el laúd.
Este instrumento se toca en Guinea, Senegal, Malí y sobre todo, Gambia. Quienes lo tocan pertenecen a las familias Griot, que son las encargadas de conservar, mediante la tradición oral, la historia de sus pueblos, y se les llama Jali, que viene a significar algo así como trovador.
Uno de los mejores intérpretes de kora es el malí Toumani Diabaté, que participó en el disco Shongai, de Ketama, de 1988, un experimento que funcionó a las mil maravillas, y es una estupenda forma de introducirse en el dulce sonido de este instrumento.
KONONO Nº 1
Nos vamos ahora al Congo, para hablar de una banda formada por Mawangu Mingiedi, virtuoso del likembé (o piano de pulgar, instrumento hecho de varias láminas de metal colocadas sobre una caja de resonancia), hace ya más de 25 años en Kinshasa. Konono Nº 1 sería una más de las bandas que tocan música espiritual de la etnia Bazombo si no fuera porque, para conseguir que sus likembés se escucharan a mayor volumen, a Mingiedi, que fue camionero y mecánico, se le ocurrió amplificarlos con micrófonos y amplificadores hechos con imanes de alternadores de coches, alimentados con las baterías de los mismos. El resultado es que su sonido surge de estos amplificadores completamente distorsionado y saturado, de forma que suenan como una especie de Velvet Underground africana; y su música, de largos y mántricos desarrollos, gusta por igual a fans del techno y el trance como del rock experimental. Los medios especializados (Mojo, The Wire)y músicos tanto del rock como la electrónica (Matthew Herbert, Gilles Peterson, Beck) se han rendido al embrujo de este músico septuagenario.
La banda está formada por tres likembés (agudo, medio y grave), tres cantantes (que cantan a través de altavoces cónicos), tres bailarines, y los percusionistas, que también usan partes de coches, latas, etc… para fabricar sus ritmos. El productor Vincent Kenis oyó en 2006 la única grabación existente hasta ese momento de Konono Nº 1, realizada a finales de los años 70, e inmediatamente se fue a grabarlos, en directo y al aire libre, con varios micrófonos y su ordenador portátil. El resultado es su único disco hasta el momento, “Congotronics”, el primero de una serie que el sello Crammed/SSR va a dedicar a la música congoleña electrificada.
KRS – ONE
Krs - One es considerado un “true MC”, un rapper de verdad, alguien que se ha creado a sí mismo, un pionero que ha estado ahí desde los comienzos del hip hop, que continúa en activo, con un estilo único y personal; y que además se involucra personal y activamente en mantener vivo el movimiento hip hop denunciando como se desvirtúa comercial y políticamente este estilo de vida, creando asociaciones en contra de la violencia en el rap…
Su nombre real es Lawrence Parker, nació en el South Bronx de Nueva York y comenzó a rapear cuando se escapó de su casa a los 13 años. Vivía en la calle, por la mañana estudiaba por su cuenta en las bibliotecas y por la noche practicaba su rap en los refugios para los sin techo. Allí conoció al trabajador social Scott Sterling, DJ Scott La Rock, con el que formó el mítico grupo Boogie Down Productions. Su primer LP, “Criminal Minded”, los mostraba rodeado de armas, y es considerado como el primer disco de hardcore-rap y el germen del gangsta-rap.
Durante esos primeros momentos se produjo un pique entre nuestro dúo y el productor Marley Marl y su protegido MC Shan, con cruces de acusaciones, canciones no de amor precisamente de una parte a otra… Krs y Shan acabaron enfrentándose en vivo: el resultado de la batalla fue la victoria aplastante de Krs. Se dice que esta fue la primera vez que dos MCs se enfrentaron no para ver quién ponía al público más enfervorizado, sino para atacarse mutuamente.
El álbum consiguió un notable éxito. Lamentablemente DJ La Rock murió ese mismo año cuando intentaba separar a unos chicos que se peleaban. Esta muerte y la de un fan en uno de sus conciertos hizo que en 1988 fundara el “Stop The Violence Movement” y dejara de lado su faceta más agresiva para concentrarse en la más educativa. Algunos años más tarde, en el 2002, creará el Temple Of Hip-Hop, para celebrar y conservar la cultura hip-hop.
5 discos más como BDP, 11 en solitario… una historia muy larga, con sus altibajos y contradicciones lógicas, para tan pocos minutos. Sólo reseñar que tras tantos años, la música de sus últimos trabajos se había resentido un poco (no así sus letras, tan combativas y comprometidas como siempre); pero el 2007, tras 20 años desde el primer enfrentamiento, se alía con Marley Marl, su antiguo “enemigo”, y ofrecen su mejor trabajo en muchos años y uno de los mejores de esa cosecha, “Hip-Hop Lives”. Se supone que es una respuesta al título del disco de Nas de ese mismo año, “Hip-Hop Is Dead”; y acaba de publicar su último álbum hasta la fecha, Maximum Strength. Si alguno de vosotros no conoce el mundo del hip-hop a fondo y quiere adentrarse en él, una de las mejores maneras es escuchando y aprendiendo de este MC imparable e incansable.
JET
Los Hermanos Nic y Chris Cester decidieron formar una banda con Cameron Muncey y Mark Wilson en el 2001, mientras trabajaban en la misma fábrica, tomando como influencia a bandas como AC/DC, Queen, The Beatles, Oasis, The Rolling Stones, The Who, The Easybeats, The Faces, Sex Pistols, The Kinks, y T. Rex. Se bautizan como Jet por la canción de Paul McCartney del disco Band on the run.
En el año 2002, la banda lanza su primer EP independenete, llamado Dirty Sweet, que fue grabado en la casa de uno de los miembros de la banda. La maqueta fue todo un éxito y el sello Elektra ofreció un contrato a la banda. El contrato con el sello permite a Jet grabar su primer disco, llamado Get Born, un gran homenaje al rock clásico que contó con la participación del legendario teclista Billy Preston, famoso por grabar al final de los años 60 con The Beatles y posteriormente con Eric Clapton y Rolling Stones. Este disco fue producido por Dave Sardy en los legendarios estudios Sunset Sound en Los Ángeles. La re-edición de este disco es publicada el 12 de abril de 2004 junto a un DVD con 5 temas en directo grabados en la sala Astoria de Londres.
El segundo disco de la banda, titulado Shine On, fue lanzado en octubre del 2006 y grabado en Los Ángeles bajo la producción de Dave Sardy, quien antes había colaborado en la producción del primer disco de la banda. Jet empleó gran parte del 2005 y del 2006 en este álbum, en estudios de Melbourne y Massachussets. El proceso de grabación culminó el 2006 en los estudios Hillside Manor de Dave Sardy. El grupo grabó 20 canciones para este disco, pero 5 fueron descartadas. El disco Shine On se lo dedicaron a su padre el cual falleció antes de que se grabara el disco. Actualmente están grabando su tercer disco, del cual no se sabe ni nombre ni fecha de lanzamiento.
jam session
La definición clásica de una jam session, se debe a George Frazier: Una reunión informal de músicos de jazz, con afinidad temperamental, que tocan para su propio disfrute música no escrita ni ensayada.
Con el tiempo, el concepto de Jam se ha acabado aplicando a otras músicas distintas del jazz, especialmente el blues, el rock e, incluso, música de origen folclórico como la irlandesa o el bluegrass.
La denominación, proviene del verbo To jam, que significa tanto estorbarse, como agolparse o espachurrar. Según algunos autores aparece a comienzo de los años 30 y el porqué se aplica en el contexto indicado tiene un origen no aclarado. Lo mismo ocurre con otros términos que se introdujeron al idioma inglés por medio de la música jazz, como hip, hep o hepcat.
Jimmy Eat World
La banda de emo, natural de Mesa, Arizona, llamada Jimmy Eat World está comprendida por los guitarristas y vocalistas Jim Adkins y Tom Linton, el bajista Rick Burch, y el baterista Zach Lind, amigos desde la infancia que comenzaron a tocar juntos a los 15 años, intentando llegar a ser como su banda preferida, Metallica.
En 1999 editarían la obra maestra “Clarity”. Excepcionalmente producido por Mark Trombino y la propia banda, “Clarity” mezclaba baladas introspectivas con punk rock cargado de distorsión, elementos pop y dosis sutiles de electrónica, para crear un álbum realmente extraordinario.
El único single del álbum que se escuchó en las radios (y después de muchos esfuerzos) entró a formar parte de la banda sonora de la película protagonizada por Drew Barrymore “Never Been Kissed”.
El álbum se caracterizaba por ser personal e intenso. Usando los instrumentos de cuerda como puentes sonoros, los loops de batería, los carillones, el piano, vibráfonos y armonías vocales especialmente trabajadas crean complejas pero claras canciones que consiguen que “Clarity” alterne entre lo hipnótico y el puro rock en la misma canción, mezclando efectos emotivos con dramáticos.
En 2001 editan “Bleed American” con el que consiguen colocarse en la cabeza del sonido "emocore", destronando a cualquier posible rival, gracias a una combinación de impresionante de electrónica, punk rock, pop y estribillos irresistibles, aptos para todo tipo de públicos.
Después de una larga y agotadora gira en apoyo de Bleed American, la banda volvió al trabajo en 2004 para comenzar la grabación de un nuevo álbum. Al inicio, la banda se juntó con Trombino, pero la colaboración duró poco. Entonces Gil Norton, que había trabajado con Foo Fighters y Pixies entre otros, sería su nuevo productor. Futures fue lanzado en octubre del 2004, con el single "Pain" que logró un moderado éxito en las radios alternativas
Después de su gira, Jimmy Eat World saca su último album. Este álbum fue producido por la propia banda, Chris Testa, y el legendario Butch Vig (Nirvana, The Smashing Pumpkins, Sonic Youth). Algunas de las canciones en el álbum, titulado Chase This Light, incluyen "Carry You", "Big Casino", y la canción "Chase This Light". Chase This Light fue lanzado en los Estados Unidos el 16 de octubre del 2007, debutando En el # 5 en el Billboard 200.
Ritualpedia II ~I~
Los temas básicos del álbum fueron grabados en el estudio personal de Lennon, en Tittenhurst Park, mientras los arreglos de cuerda serían añadidos en Record Plant, Nueva York. Al igual que en su anterior álbum, Phil Spector se uniría al proyecto como co-productor del álbum. Durante su grabación, sería filmado numeroso material videográfico para mostrar la evolución de las canciones, posteriormente recopilado en un documental titulado Gimme Some Truth: The Making of John Lennon's Imagine.
El tema que da título al álbum, "Imagine", supuso la firma personal en la carrera musical de Lennon y se mantiene como exponente e himno de la paz mundial.
George Harrison sería invitado por Lennon para tocar en algunos temas de Imagine, especialmente en "How Do You Sleep?", el cual sirvió de plataforma para mofarse de su antiguo compañero en The Beatles, Paul McCartney, y para responder a las acusaciones vertidas por este en el álbum Ram (las primeras ediciones del álbum incluían una postal de Lennon sujetando las orejas de un cerdo, en un pose similar al de McCartney en la portada de Ram, quien sujeta a un carnero.)
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon.
En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD.
En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
I Hate Myself and Want To Die es una canción de Nirvana. El título, que traducido quiere decir "me odio y quiero morir", fue una provocación más de la banda hacia la discográfica. Se dice que no estaban muy satisfechos por aquella época con las sesiones de grabación del disco que finalmente se llamaría "In Utero", Así que decidieron ponerle al disco precisamente el nombre de "I hate myself and I want t o die". Como supondréis la discográfica que editaría el trabajo se negó a sacar un disco con ese título, además, se daba el caso de que un joven canadiense se había suicidado tiempo atrás mientras escuchaba "Suicide Solution", de Ozzy Osbourne.
La canción en concreto, tampoco fue incluida en In Utero, pero sí que fue publicada como cara B del single Pennyroyal Tea, y dentro de la recopilación "The Beavis and Butthead Experience". Una versión demo fue lanzado en la caja "With the Lights Out".
He escogido esta canción para la ritualpedia porque para mí, significa el principio del fin de Nirvana como banda. Se dice que ya en la gira del In Utero se habían disuelto… pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión.
iPod Convertido en uno de los iconos culturales de nuestra época, el reproductor mp3 y mp4 más popular del planeta tierra, fue originalmente concebido por Tony Fadell, que no trabajaba para Apple. Fadell enseñó su idea a Apple, y fue contratado para llevar su proyecto al mercado. Fadell y su equipo fueron responsables de las dos primeras generaciones de iPod. Desde entonces, el iPod ha sido diseñado por el equipo de Jonathan Ive.
Después de 9 meses de desarrollo el iPod fue sacado a la venta el 23 de octubre de 2001, solamente para los ordenadores Mac de Apple. En el año 2002, la segunda generación fue introducida, en dos variedades: una para los usuarios de Mac, y una para usuarios de Windows. Cuando Apple dio a conocer que el iPod sería compatible con PC, al poco tiempo, se vendía un iPod cada segundo en Estados Unidos.
La única diferencia entre los dos paquetes fue la inclusión del programa para organizar la música en el iPod. Para Mac, fue incluido el programa iTunes, y para Windows, el programa Musicmatch Jukebox. Los iPods sólo funcionaban con ambos sistemas. En el 2003 Apple introdujo la tercera generación de iPod, que venía con un solo disco que instalaba iTunes en Windows, al igual que en Mac OS. Actualmente el software puede ser descargado directamente desde la página web de Apple de forma gratuita.
Microsoft lanzó en 2006 la competencia del iPod, el cual se llama Zune. Fue un fracaso absoluto.
En la actualidad, es uno de los gadgets más vendidos en el mundo. Actualmente se estima que existen 100 millones de ipods en el mundo, con más de 4.000 accesorios específicos que van desde fundas de diseño hasta sistemas de altavoces; y más del 70% de los modelos de automóviles actualmente a la venta en EEUU ofrecen conectividad con iPod.
Forma parte de la revolución digital en la música, y es punta de lanza de aquellos que defienden que se pueden unir música e internet sin caer necesariamente en la ilegalidad.
En resumen, no creo que sea oro todo lo que reluce, y sin duda un marketing bien orientado puede hacer milagros, pero lo que sí que está claro es que, dentro de unos años, probablemente se vean los ipods como otro de los iconos que identifican una determinada época, que es la que nos ha tocado vivir. Aunque los aquí presente crecimos más bien con una cinta TDK metida en un walkman.
Ritualpedia II -H-
Una de las canciones más famosas de los Beatles es esta ida de olla de Paul McCartney, incluida en el White Album, de 1968. Resulta que Paul leyó una entrevista que le hicieron a Pete Townshend, donde éste decía que su canción “I Can See For Miles” era lo más sucio, duro y con mayor volumen que habían hecho nunca los Who; y decidió, sin haberla escuchado, que él haría la canción con las guitarras mas sucias, las baterías más altas, etc.etc. De paso, también callaría a los críticos que le decían que sólo escribía baladas. Así que escribió una canción que era una mezcla del vértigo de bajar por un tobogán en espiral y la confusión de una huida en desbandada: eso es lo que significa “Helter Skelter”.
La primera versión que grabaron los Beatles de esta canción fue en Agosto del 68, 27 minutos de jam session más lenta e hipnótica que la que conocemos del LP. El 9 de Septiembre volvieron a grabar la canción 18 veces, en tomas de unos cinco minutos. Al final de la décimo octava toma, Ringo Starr arroja las baquetas al aire gritando: “¡Tengo ampollas en los dedos!”. Igual por eso es la toma que se incluyó en el disco.
La pieza sorprendió a propios y extraños; de hecho, cuando McCartney escuchó la canción de los Who, después de grabar la suya, la encontró bastante endeble. Ha influenciado a multitud de grupos, siendo versionada por grupos tan dispares como Hüsker Dü o U2, y se la considera un pilar básico de lo que hoy conocemos como Hard Rock. A partir de este tema los músicos que querían hacer algo más que el pop típico de la época empezaron a investigar el camino abierto por los Beatles.
La nota negativa de esta canción es que, junto a otras del álbum blanco, fueron interpretadas por Charles Manson como la profecía de una guerra apocalíptica entre blancos y negros, y se basó en ellas para planear el tristemente célebre asesinato de Sharon Tate, la mujer del director de cine Roman Polanski, y sus invitados, en casa de la actriz.
HARD ROCK
El hard rock surge a mediados de los ´60 como mezcla del rock psicodélico, el incipiente garage y el blues tocado a la manera británica por grupos como Cream, The Who o los Yarbirds, que, como todos sabemos, se distinguió por endurecer el sonido del blues americano con su instrumentación totalmente eléctrica, riffs más salvajes y ritmos más marcados. Se aplicó a los grupos que comenzaban a tocar un rock que conscientemente se alejaba del pop rock imperante y más propio de las radios comerciales, con un sonido más duro y encuadrado en las escalas pentatónicas y los doce o dieciséis compases del blues.
Por tanto, canciones como “You Really Got Me” de los Kinks, “My Generation” de los Who, o “Helter Skelter” de los Beatles, junto con la experimentación sónica repleta de feedback y distorsión que estaba llevando a cabo el gran Jimi Hendrix, y otros como Jeff Beck, se convierten en el norte de este estilo.
El hard rock no es heavy metal, aunque en el sonido de algunas bandas se mezclan ambos estilos. Digamos que son padre e hijo, y que de tal palo tal astilla. Las primeras bandas de hard rock surgen en Inglaterra, siendo Led Zeppelin y Deep Purple los que despuntan entre los demás. A éstos les suceden bandas como Queen, Aerosmith, Bad Company o Rush. Ya empieza a olerse el heavy metal, ¿verdad? Efectivamente, Alice Cooper y Kiss sacan también sus primeros discos.
Éstos son los años dorados del género. A finales de los 70, con la llegada del punk y la música disco, el hard rock pierde fuelle, aunque aparecen dos de sus más grandes bandas: Van Halen y AC/DC. Estos últimos siempre han rechazado que a su música se le llame heavy metal; quizá su música sea el mejor ejemplo para distinguir el hard rock del heavy.
Los años 80, en mi opinión, son lamentables, con bandas como Mötley Crüe, Def Leppard, Bon Jovi o Guns ´N´ Roses: tics rockeros totalmente desfasados, ombliguismo musical... A principios de los 90 la cosa mejora muchísimo, aparece el grunge, que mezcla punk con garage y hard rock: basta escuchar el “Ten” de Pearl Jam para ver la herencia del hard rock bien entendida aplicada a su música. Y por último, a principios de esta década y hasta ahora, bandas como Jet, Wolfmother, The Datsuns, Buckcherry o Velvet Revolver vuelven a recoger el testigo del hard rock más puro y llevarlo a las listas de éxito, insuflándole nueva vida a un estilo que durará mientras exista el rock´n´roll.
HALF FOOT OUTSIDE
Aprovechamos la H para hablar de uno de los grupos más prometedores de la nueva hornada indie española. Esta banda navarra comenzó su andadura musical en 1998 como un combo hardcore, y claro, acabaron recalando en el mejor sello español de ese estilo, B-Core, que tantas alegrías nos ha dado con bandas como Aina o Standstill. De todas formas, su estilo, a lo largo de los años, ha ido, no dulcificándose, pero sí madurando y derivando a un indie-rock potente y muy melódico. Pasaron al sello Astro en 2004 con su primer gran disco “Perfect from the Distance”, producido por Kaki Arkarazo y mezclado por John Agnello, que ha trabajado entre otros con Sonic Youth o Steve Wynn. Este año vemos su confirmación como uno de los grandes grupos indies españoles con el lanzamiento de su último disco, “Heavenly”. Al equipo de producción se suma la colaboración de la flor y nata del indie español, con gente de La Habitación Roja y Los Planetas, que además se deshacen en elogios hacia su música. Pero no sólo eso: Jon Auer, de los Posies, quería producir el disco; al estar ya comprometido el otro productor, iba a colaborar en una canción y ha acabado metiendo voces en 7 temas y guitarras en 3. Aquí tenéis el single “Driveways” para que comprobéis porqué despierta tantas pasiones este grupo.
Ritualpedia II G
Guns N' Roses es una banda de hard rock que nació en Los Ángeles, en marzo de 1985. El grupo estaba formado por el cantante Axl Rose, los guitarristas Slash e Izzy Stradlin, el bajista Duff McKagan, y el baterista Steven Adler. El nombre deriva de la combinación de dos bandas muy importantes en Hollywood, los L.A. Guns y los Hollywood Rose.
A partir de aquí, la historia de esta banda es un culebrón, en el que aparecen todos los ingredientes del rock, peleas, conciertos sin acabar, drogas, detenciones y un sinfín de abandonos y retornos de los componentes del grupo, de los que por cierto, solo ha aguantado el tipo Axl desde su inicio hasta el esperado Chinese Democracy el que, se supone, será su nuevo disco.
Su primer trabajo, Apetitte for destruction fue una autentica revolución en el rock, aparecio en 1987, si quereís saber mas, consultad la letra W del tomo I de nuestra ritualpedia. (Wellcome to the Jungle).
“G N” R Lies” publicado 1988, es un álbum de ocho pistas, fue criticado por el carácter homofóbico y racista de una de sus canciones. Contenía temas electricos y acústicos.
En 1991 vino el doble álbum “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II”. Durante la grabación del disco Adler fue cesado de la banda por sus problemas con la droga. La batería quedó a cargo de Matt Sorum. Los discos entraron en los lugares 1 y 2 de la lista Billboard. Los discos contenían los éxitos “Knockin’ On Heaven’s Door” de Bob Dylan y “You Could be Mine” que aparecería en la banda de sonido de Terminator 2.
En 1992, la industria de la música quedó en shock con el lanzamiento del disco de Nirvana “Nevermind” en el que se estrenaba la estética “Grunge”. En términos comparativos, los excesos de Guns ‘N’ Roses parecían vacíos y superficiales cuando se los ponía frente a la poco refiniada banda de Seattle.
En 1993 la banda respondió con un disco punk llamado “The Spaghetti Incident” que desató la polémica por una pista en la que interpretaban un tema original de Charles Manson.
En el año 2000 Rose y la nueva formación de Guns ‘N’ Roses salieron del taller rumbo a Las Vegas para una presentación de año nuevo. Esto abrió las puertas para un nuevo álbum (Chinese Democracy)que aún no ha salido, aunque se espera para algún momento de la er actual. Sin embargo, si se toma en cuenta la cantidad de productores que han ido y venido por ese disco podríamos esperar sentados.
Garage
El garage rock es una forma sencilla y cruda de rock and roll creada por varias bandas de Estados Unidos a mediados de los años sesenta. Inspirados por bandas de la Invasión Británica como The Kinks o The Who, estos grupos tocaban una variación de estos estilos de música.
Llamada garage precisamente porque la mayoría de las bandas que militan este estilo han comenzado con muy pocos medios, ensayando en el garaje de uno de los componentes del grupo. La mayor parte de las bandas utilizaban sencillas secuencias de notas octavas y quintas debido a que los amplificadores de la época poseían mucha distorsión a un volumen alto, se sobresaturaban y con el uso de esas notas, junto con una batería agresiva y unas letras pegadizas, se evitaba este problema.
Los años 80 vieron un nuevo renacer de este tipo de rock con bandas como The Fuzztones, The Chesterfield Kings o The Cynics; coincidió con un resurgimiento del surf rock, todo lo cual confluyó en el rock alternativo y el futuro grunge, que, según algunos, fue en parte influenciado por el rock de garaje que se hacía en Seattle a manos de The Sonics o The Wailers.
El rock de garaje y el garage punk coexistieron a lo largo de los 90 hasta ya entrados los 2000 gracias a multitud de sellos discográficos independientes que lanzaban miles de discos de bandas que tocaban varios estilos de rock and roll primitivo. Algunos de los sellos discográficos independientes más prolíficos fueron Estrus, Rip Off, In The Red, Telstar, Crypt, Dionysus, Get Hip, Bomp! y Sympathy for the Record Industry.
A fines de los años 90, Steven van Zandt ("Little Steven"), se convirtió en portavoz y defensor del rock de garaje promoviendo conciertos y festivales por todo Estados Unidos y, además, en el año 2002 inició un programa de radio llamado Little Steven's Underground Garage.
A principios de la década del 2000, algunas bandas de rock de garaje adquirieron presencia en los grandes medios y cobertura en la radio comercial, éxito que faltó a las bandas de rock de garaje en el pasado. Este nuevo impulso fue dado, en primer lugar, por: The Vines, The Strokes, The Hives y The White Stripes; estos últimos provienen de la destacada escena garajera de Detroit.
El General
Edgardo Franco mejor conocido como "El General" nació el 27 de Septiembre, en la ciudad de Panamá. A los 12 años, Edgardo empezó a escribir canciones inspirado en la situación social de su barrio y sus propias vivencias, les añadía melodías y luego las grababa en cassettes, que después distribuía a los conductores de transporte colectivo para que los pusieran, en sus rutas, y así llevar su mensaje a la comunidad. Un amigo de su infancia, que estaba en la armada, le dio su primer uniforme, naciendo así su seña de identidad que lo caracteriza, luego un productor Jamaicano, le ofreció grabarle su primer tema,"Tu Pum Pum" grabado en Español pero su lanzamiento fue en el mercado Americano. Su primer álbum "Estas Buena" que incluía su segundo hit "Te Ves Buena" fue Multi-Platino.
Con su tercer Hit "Muévelo" se une al gran sello BMG. Este Nuevo disco le gano el premio MTV International's Latín video of the Year. "Muévelo" fue el primer video en Español que se vio en MTV Americano. El General también tuvo el placer de recibir por primera vez en la historia de Billboard el premio "Best Latín Rap Artist" la cual gano cinco años consecutivos. Más impresionante es que el premio fue especialmente creado para él por su gran éxito.
Extraido de su web oficial:
“Personas de todas las edades, disfrutan la música de El General pero la Juventud lo a proclamado como un héroe, muchos de ellos imitan su manera de cantar y su exquisita forma de bailar”.
Ritualpedia II ~F~
Faith No More
Quizás uno de los grupos que más influyentes en el rock de nuestros días, y uno de los menos conocidos por el gran público a este lado del Atlántico. Formado en San Francisco en el año 1982, no fue hasta la llegada del vocalista Mike Patton, en 1989, cuando se consagraron como mega-banda de rock, al dar un giro a su sonido. Su evolución fue constante, y Mike Patton lo utilizó como laboratorio de experimentación, pasando por el thrash metal, el heavy metal, el funk, el rock progresivo, el soul, el hip hop y el jazz.
El nombre del grupo tiene su origen en la expulsión del mismo de su fundador, Mike "The Man" Morris que lo llamó Faith No Man. Un año después, Mike Morris fue expulsado, entonces, un amigo de la banda dijo: The Man was no more, literalmente "No estuvo más el hombre", haciendo referencia a que habían echado a Morris, al que apodaban "The Man". De modo que tomaron ese juego de palabras y sustituyeron "The Man" por "Faith", y la banda se quedó como "Faith No More".
En 1985 lanzan su primer álbum, titulado We Care a Lot. En 1987, tras haber firmado contrato con Slash Records, lanzan su segundo álbum: "Introduce Yourself".
En 1989, aparece Mike Patton del grupo Mr. Bungle. El cambio se notaría. Ese mismo año, lanzan su tercer disco, llamado "The Real Thing". Gracias al single "Epic", y su gran circulación en el canal musical MTV, Faith No More gana fama y reconocimiento mundial. A finales de 1990, The Real Thing ya era disco platino en Estados Unidos.
El álbum fue un éxito de crítica, y, tras ello, la banda salió de gira con Metallica, actuando ante grandes audiencias.
En 1992 lanzan el disco "Angel Dust" que incluye entre sus temas, el cover de The Commodores, "Easy" el cual le brindó una apertura a un espectro más amplio de audiencias.
En 1995, se edita un álbum titulado "King for a day fool for a lifetime", un disco que los expone a un espectro aún más amplio y popular.
Tras ello, lanzan el que sería el último disco de estudio, llamado "The album of the year", que marca el fin de una banda que ha marcado a muchas generaciones y que indiscutiblemente ha influido a gente como System of a down, Audioslave, o Foo Fighters entre otras muchas.
Para los que no hayan escuchado esta palabra nunca, un fanzine es una publicación temática amateur realizada por y para aficionados. Su nombre proviene del inglés: FAN de 'FANático' o 'aficionado' y ZINE de magaZINE, 'revista'). El termino empezo en octubre de 1940 con el fanzine de ciencia ficcion de Russ Chauvenet, que se popularizo por temas de ciencia ficción.
Por experiencia de algunos (o de todos) los miembros de este programa, podemos decir que el desarrollo de esta actividad no suele ir acompañado de intereses económicos, y al depender del tiempo y el esfuerzo desinteresado de sus creadores, no suelen durar mucho.
Los problemas endémicos de los fanzines son: su dependencia de las ganas desinteresadas de sus colaboradores, en un trabajo no remunerado que debe obtenerse del tiempo libre; y sus problemas para distribuirse llegando a su público potencial. Sus ventajas indiscutibles es contar con grandes especialistas en su materia, publicando de forma libre y directa sin ataduras ni intereses para con terceros.
Actualmente, medios como Internet y la facilidad para maquetar en HTML han facilitado la distribución y el formato, por lo que la edición de fanzines se ha extendido a la red. Este tipo de fanzines electrónicos se denomina ezine. Muchos de los blogs que tanto éxito tienen hoy en día, no son más que fanzines del siglo 21.
Flow
Flow quiere decir "flujo", y para los no iniciados, en el mundo del rap y del hip hop, dicho término se usa para definir la capacidad del MC (o sea, del que rapea), de crear y mantenerse fluido en base a algo, generalmente el ritmo que marca el dj, o alguien haciendo beat box, por ejemplo. Digamos que sería la forma de rapear del MC, ya que además de ser una habilidad, el flow también es un sello reconocible, es, en algunos casos como la firma, la identidad del MC.
Los parámetros básico a tener en cuenta en un flor, serían el no trabarse durante una improvisación, haber concordancia entre las rimas y lo que se esta diciendo, o que el tempo de la voz debe ir acompañando al tempo que marca el dj.
En la historia del hip hop y del rap, hay artistas con flows realmente reconocibles. Sería el caso más claro el de Busta Rhymes, Beastie Boys, The Streets, mi favorito Method Man, o el amigo Eminem.
Ritualpedia II -E-
ECHO & THE BUNNYMEN
Muchos hablan de Joy Division como el grupo más influyente de la escena post-punk inglesa. Quizas sea así, pero la medalla de plata se la lleva sin discusión Echo & The Bunnymen. Desde Liverpool, el trío compuesto por Ian McCulloch, Will Sargeant y Les Pattison comenzó a tocar en directo con una caja de ritmos a la que llamaban Echo. Tras grabar su primer single entró como batería Pete De Freitas, y de la caja sólo quedó el nombre. De sus coetáneos les distinguía sus influencias musicales (principalmente de los años 60: desde los Rolling Stones y The Beatles hasta David Bowie, The Velvet Underground, Iggy Pop, The Doors o Leonard Cohen) y el lirismo y melancolía de sus letras; la música, sin llegar a lo gótico o la oscuridad de The Cure o Joy Division, combinaba el pop con arrebatos eléctricos y pasajes más rugosos; sin olvidar, por supuesto, los dos rasgos distintivos del grupo: la imaginativa y caleidoscópica guitarra solista de Sargeant y la inconfundible e hipnotizante voz de McCulloch.
Desde su primer disco, el excelente “Cocodriles” (1979), hasta su momentánea disolución en 1987, debida a la muerte de De Freitas, en su discografía destacan dos maravillosos álbumes: “Porcupine” (1983) y “Ocean Rain” (1984), que son el anverso y el reverso de su sonido: de la electricidad y la fiereza del primero pasaron en un año a la orquestación y la ternura del segundo. Entre los fans del grupo se encuentra Flea, que recordando su juventud comenta con cuánta expectación vivió la llegada a California de una de sus bandas favoritas para presentar “Porcupine” y cuánto le influyó ese concierto. Por otro lado, es rara la lista que se refiera a los mejores álbumes del siglo XX que no incluya a “Ocean Rain” entre los 50 mejores.
Lo que da una buena medida de la calidad de esta banda es que, tras 10 años de separación y con varios proyectos en solitario, decidieron unirse de nuevo para grabar otro disco, “Evergreen” (1997) (con el consiguiente miedo y desconfianza de los fans; cuántas bandas han enfangado su duramente ganado prestigio con una simple gira de reunión); pues bien, no sólo ese disco mantiene su nivel y los sitúa como si no hubiese pasado una década desde su anterior disco, sino que 11 años después la banda continúa editando discos, algunos excelentes (como el reciente “Siberia” (2006)), girando por todo el mundo y ganando nuevos adeptos.
Es facil seguir la influencia de Echo & The Bunnymen en grupos como The Killers, Arcade Fire, Editors, Doves, The Dears, Interpol (escuchen “The Cutter”) o, por supuesto, Coldplay, el grupo que mejor ha adaptado la música de The Bunnymen a su propio estilo; es imposible oir “Nothing Lasts Forever” y no acordarse de “In My Place”.
E-BOW
Para todos aquellos que os preguntáis si tal o cual guitarrista usa 80 pedales más 400 efectos para conseguir esos sonidos de guitarra que hacen que parezca cualquier cosa menos una guitarra eléctrica, os vamos desvelar un truquillo bastante curioso y efectivo: el e-bow. Ésta es una abreviatura de electronic bow, que podemos traducir como arco eléctrónico, ya que la intención de este aparato, que funciona a pilas y cabe en la palma de la mano, es reproducir en las cuerdas de la guitarra el efecto que produciría un arco de violín, por ejemplo, mediante el campo electromagnético que emite. Fue inventado en 1969 por Grez Heet, y funciona de la siguiente manera: al girarlo sobre las cuerdas produce distintos tonos, además de aumentar o disminuir la intensidad del sonido al acercarlo o alejarlo a las mismas. En posteriores mejoras han conseguido que también produzca sonidos armónicos, no sólo la nota básica.
No sólo se puede usar en instrumentos eléctricos; también funciona en acústicos, pero la respuesta sonora que se obtiene es mucho menor.
Hay múltiples ejemplos de guitarristas que han usado este aparato en alguna de sus canciones, pero, por poner un ejemplo curioso, os diremos que todo lo que no os suene a guitarras, sino a teclados y sintetizadores en el disco Mer De Noms (2000) de A Perfect Circle, está hecho en realidad con guitarras eléctricas y un e-bow.
THE EVERLY BROTHERS
Vamos a hablar ahora del dúo con las voces más armónicas de la historia de la música, y uno de los principales culpables de que el rock´n´roll sea lo que hoy es. Pertenecen al grupo de bandas, junto a Buddy Holly o Roy Orbison, que por su imagen, algo más recatada que la de otros artistas, y por su música, más melodiosa que la del resto, consiguieron que quien veía peligroso a Eddie Cochran o Gene Vincent aceptara que sus hijos escucharan rock´n´roll (lo que no quiere decir que no fueran verdaderos rockers). Lo que caracterizaba a Phil y Don Everly era la fuerte influencia del country en su música; los padres de los dos hermanos eran músicos de este estilo y esto los llevó a actuar desde muy temprana edad. Cuando llegaron a la adolescencia ya eran músicos experimentados y comenzaron a intentar encontrar un hueco en el mercado musical. Sus comienzos no hacían presagiar el tremendo éxito que alcanzarían después; sus primeras grabaciones no consiguieron ninguna repercusión, hasta que Wesley Rose se hizo cargo del dúo como manager. Les consiguió un contrato con el sello Cadence y registraron en 1957 su primer éxito, “Bye Bye Love”, una canción compuesta por el matrimonio Felice y Boudleaux Bryant (que surtiría de excelentes canciones a los dos hermanos en el futuro) y que fue rechazada por varios cantantes antes de que la aceptara nuestro dúo. El éxito fue increíble: top 3 y un millón de copias vendidas en USA, y top 5 en UK, actuaciones en la incipiente televisión, giras… Parte del secreto del éxito de los Everly se basaba en el uso de sus guitarras acústicas; las tocaban de forma tan cruda que conseguían un efecto inédito hasta entonces; y por supuesto, en sus espectaculares voces, conjuntadas de manera increíble. Escuchar este tema y no reconocer la influencia que tuvo en bandas como los Beatles es imposible.
Durante 3 años consiguieron éxito tras éxito, cada nueva grabación era un hit seguro: “All I Have To Do Is Dream”, “Wake Up, Little Susie”, “´Till I Kissed You”… Dejaron el sello Cadence en 1960 para ser el primero de los fichajes de una nueva compañía que empezaba por aquel entonces,
Sus canciones están grabadas en el imaginario colectivo de todos los que aman la música; se mantienen jóvenes y frescas porque son grandes canciones, bien construidas y magníficamente interpretadas; y aunque no lo sepáis, alguna vez habéis escuchado alguna canción de los Everly Brothers, se ha quedado en vuestra mente para siempre, y sobre todo, seáis heavies, hip-hoppers, techno heads o góticos, OS GUSTA MUCHÍSIMO.
Diesel and Dust
Diesel and Dust es el sexto álbum del grupo australiana Midnight Oil, publicado en 1987 por el sello CBS. Para mi es el disco imprescindible de The Oils, que es como llamamos los fans a esta increible banda. Precedido por el disco Red Sails in the Sunset, Diesel and Dust apoya la lucha de los aborígenes australianos por la recuperación de sus derechos sobre la tierra del continente australiano y defiende diversas causas medioambientales, temáticas éstas muy recurrentes en las letras de Peter Garrett. Se editó a continuación de la gira Black Fella White Fella, realizada con la Warumpi Band en 1985 a través de comunidades indígenas australianas remotas. De hecho, se dice que el ritmo de la canción Beds are Burning está inspirado en el ruido que hacían las ruedas de sus coches en las pistas de barro existentes en las regiones por las que pasaron durante esta gira.
Un disco que según la revista Rolling Stone es el numero 13 entre los 100 mejores discos de la decada de los 80, no puede sino contener una batería importante de temas bien conformados. Prueba de ello es que temas como The Dead Heart, se ha convertido en todo un símbolo en Australia, tras ser empleada para el documental sobre el retorno de los aborigenes a Uluru (conocido como Ayer`s Rock). Otros temas como Beds are Burning han sido singles reconocidos internacionalmente, y es canción de culto que asoma incluso a las pasarelas de moda. LA canción llamada Gunbarrel Highway, en cambio, no se incluyó en la versión estadounidense del álbum, al parecer porque una de sus estrofas, "shit falls like rain on a land that is brown" ("la mierda que cae sobre tierra marrón lo hace como si fuera lluvia"), fue considerada demasiado fuerte para el oyente medio estadounidense.
Un apunte, durante la gira de Diesel and Dust, Midnight Oil sufrió una inportante baja, la de Peter Gifford, que fue sustituido por Dwayne “Bones” Hillman.
1ª estrofa de The Dead Heart (www.deadheart.org.uk fansite)
We don't serve your country
Don't serve your king
Know your custom don't speak your tongue
White man came took everyone
DRO
Discos Radiactivos Organizados (DRO) es un sello discográfico español fundado en 1982 por Servando Carballar, líder del grupo de tecno pop Aviador DRO.
En un principio fue creado para autoeditar sus discos, pero gracias al éxito inicial del sello empezaron a editar discos a Extremoduro, Siniestro Total, Glutamato Ye-Yé, Gabinete Caligari, Loquillo, Los Nikis, Nacha Pop, Decibelios, Alphaville y a otros grupos de la Movida. De este modo se convierte en la primera compañía independiente de España.
Tras varias fusiones con otros sellos como GASA, Tres Cipreses o Twins, en 1988 el grupo abandona la compañía, para más tarde, en 1992, venderla a la multinacional Warner Music International. Se crea así la actual compañía Dro East West.
Def Con Dos
El grupo nació de un primer embrión llamado Freddy Krueger y los Masters del Universo que fue un grupo efímero que formaron a instancias de Julián de Siniestro Total para tocar la noche del 5 de enero de 1989 en un bareto de Vigo (Galicia) llamado El Manco. Con "Freddy Krueger y los..." hacían versiones de Public Enemy, Beastie Boys y RUN D.M.C. pero ningún tema propio.
Catalogar la música de los Def Con Dos, es practicamente imposible. Pero lo que si se puede catalogar son sus letras, auténticas gamberradas fielmente aclamandas por los comandos que rodean a esta banda, como la Agrupación de Mujeres Violentas, grupo de voluntarias seguidoras del grupo.
En el año 92 mientras algunos de sus miembros trabajaban en un bar del barrio de Malasaña, Madrid, apareció por allí Alex de la Iglesia diciendo que iba a rodar su primer largometraje llamado Acción Mutante y que quería que hiciéran un par de canciones para su banda sonora. Estos temas fueron un rotundo éxito para una, hasta entonces, desconocida banda, pero pese a su participación en Acción Mutante, nadie se arriesgaba a grabarles un nuevo disco. Finalmente, Eugenio Muñoz, dueño de los estudios BOX, se atrevió a financiar la grabación de lo que sería Armas pal pueblo, el que es, sin duda, disco imprescindible de Def Con Dos.
En lo tocante a los andaluces, en el año 94 montaron una gira de clubs junto con el grupo granadino Lagartija Nick por toda España que titularon "Gira de apoyo a la Vasectomía". La gira funcionó y demostró que el grupo empezaba a crecer pero por diferencias con el mánager se independizaton y comenzaron a trabajar solos.
Sus discos:
Dogmatofobia / DroAtlantic: 2004
Dogmatofobia / Dro East West: 1999
De Poca Madre / Dro East West: 1998
Ultramemia / Dro East West: 1996
Alzheimer / Dro East West: 1995
Armas pal pueblo / Dro East West: 1994
Tercer Asalto / Dro East West: 1991
Segundo Asalto / Dro East West
Temas Imprescindibles: Acción Mutante, Ciudadano Terrorista, Tuno bueno, tuno muerto, Los reyes son los padres, Strawberry
Fragmento de su Primer Manifiesto, marzo de 2004
Fracasados, superados, perseguidos y sabiéndose perdedores de antemano, DEF CON DOS, EL ESCUADRÓN DE LAS SOMBRAS y LA AGRUPACIÓN DE MUJERES VIOLENTAS, sacan fuerzas de flaqueza y se reorganizan para acometer un último asalto músico-etílico-surrealista contra las ciclópeas murallas del estado del memoestar en un intento desesperado por dejar claro que no estamos de acuerdo con nada de lo que pasa a nuestro alrededor.
Ritualpedia II ~C~
Las letras de Nirvana siempre fueron bastante crípticas, por lo que buscar un sentido literal a sus canciones, en la mayoría de los casos es un error y una pérdida de tiempo. Come as you are es un collage de versos en los que parece que se tratan varios temas. Por el lado optimista (raro en kurt), Come as You Are le da la bienvenida al oyente «como amigo». La canción tiene el tema general de la aceptación, invitando al oyente a hacer lo que el título dice («Ven como eres»). Sin embargo, también contiene un ligero aire de sospecha por el encuentro, particularmente cuando dice «And I swear that I don't have a gun», («Y juro que no tengo un arma») que es repetida varias veces.
Los versos «Come dowsed in mud... soaked in bleach», hacen referencia a una campaña en San Francisco (California) a finales de los años 80. La campaña estaba dirigida a los usuarios de drogas intravenosas, a los cuales la ciudad les pidió desinfectar (bleach) sus agujas para reducir el riesgo de contraer enfermedades.
En cuanto al vídeo musical que sirvió para vender el single y el disco, nos muestra a la banda en un salón oscuro, de una aparencia gótica; además, un chorro de agua cayendo por un cristal delante del grupo dificulta ver las caras de sus integrantes. Además, se puede ver a Cobain colgado de un candelabro con su guitarra, y a pesar de que estaba asegurado con correas, le dio un pánico tremendo y naúseas por el movimiento (y por su enfermedad crónica) a tal grado, que estuvo enfermo varios días.
Otra controversia que rodea a ésta canción es la relacionada con la banda británica de post-punk Killing Joke, que alegó que el famoso riff de guitarra de Come as You Are era un plagio del riff de su sencillo Eighties. En una entrevista, Jaz Coleman (cantante de Killing Joke) dijo que no demandó al grupo porque los miembros de Nirvana le confesaron abiertamente que ellos habían tomado el riff, y que eso era lo único que él quería escuchar.
Posteriormente, Dave Grohl, tocó la batería en el decimotercer álbum de Killing Joke, y grabó con su propio grupo, Foo Fighters, una versión de la canción Réquiem, también de Killing joke.
Como última curiosidad, en el pueblo de origen de Cobain, Aberdeen, se colocó en 2005 un cartel que reza "Welcome to Aberdeen - Come As You Are".
Cadillac Solitario. Probablemente una de las canciones en castellano más cantadas por gargantas borrachas en la historia de éste país, junto al “Asturias patria querida”, “me subí a la reja” y esa canción que tan bien habla de una cabra que, de tanto comerciar con su cuerpo, acabó falleciendo.
El Cadillac está incluida en “El ritmo del garaje”, publicado en 1983, y que es el primer álbum de Loquillo y Trogloditas, tras dar por finalizada su etapa junto a Los Intocables.
Nos pese o no, el Cadillac es uno de esos himnos de juventud etílica y melancólica que ha acompañado a varias generaciones de chavalerío en sus correrías de juventud.
Todos los que nos encontramos entre los treinta y cuarenta años nos hemos imaginado alguna vez borrachos, despechados y apoyados en un Cadillac de segunda mano junto al Mervellé, con la ciudad a los pies y en la ladera del Tibidabo. Incluso los que no sabemos qué es eso del Mervellé, o no hemos visto el Tibidabo tenemos en la boca el sabor de ese Martini que nos ha hecho recordar que nuestra amada nunca nos volvió a llamar. Y es que todos llevamos un romántico dentro, porque además hace un momento que nos ha dejado la última rubia que vino a probar el asiento de atrás. Y dice la gente que ahora eres formal. Y yo aquí borracho en el Cadillac. Qué maravilla!!
Porque, quién no ha gritado alguna vez eso de NENAAAAAAAAAAAAAAAAAA!!!!!!!!!
