Ritualpedia II J
JET
Los Hermanos Nic y Chris Cester decidieron formar una banda con Cameron Muncey y Mark Wilson en el 2001, mientras trabajaban en la misma fábrica, tomando como influencia a bandas como AC/DC, Queen, The Beatles, Oasis, The Rolling Stones, The Who, The Easybeats, The Faces, Sex Pistols, The Kinks, y T. Rex. Se bautizan como Jet por la canción de Paul McCartney del disco Band on the run.
En el año 2002, la banda lanza su primer EP independenete, llamado Dirty Sweet, que fue grabado en la casa de uno de los miembros de la banda. La maqueta fue todo un éxito y el sello Elektra ofreció un contrato a la banda. El contrato con el sello permite a Jet grabar su primer disco, llamado Get Born, un gran homenaje al rock clásico que contó con la participación del legendario teclista Billy Preston, famoso por grabar al final de los años 60 con The Beatles y posteriormente con Eric Clapton y Rolling Stones. Este disco fue producido por Dave Sardy en los legendarios estudios Sunset Sound en Los Ángeles. La re-edición de este disco es publicada el 12 de abril de 2004 junto a un DVD con 5 temas en directo grabados en la sala Astoria de Londres.
El segundo disco de la banda, titulado Shine On, fue lanzado en octubre del 2006 y grabado en Los Ángeles bajo la producción de Dave Sardy, quien antes había colaborado en la producción del primer disco de la banda. Jet empleó gran parte del 2005 y del 2006 en este álbum, en estudios de Melbourne y Massachussets. El proceso de grabación culminó el 2006 en los estudios Hillside Manor de Dave Sardy. El grupo grabó 20 canciones para este disco, pero 5 fueron descartadas. El disco Shine On se lo dedicaron a su padre el cual falleció antes de que se grabara el disco. Actualmente están grabando su tercer disco, del cual no se sabe ni nombre ni fecha de lanzamiento.

jam session
La definición clásica de una jam session, se debe a George Frazier: Una reunión informal de músicos de jazz, con afinidad temperamental, que tocan para su propio disfrute música no escrita ni ensayada.
Con el tiempo, el concepto de Jam se ha acabado aplicando a otras músicas distintas del jazz, especialmente el blues, el rock e, incluso, música de origen folclórico como la irlandesa o el bluegrass.
La denominación, proviene del verbo To jam, que significa tanto estorbarse, como agolparse o espachurrar. Según algunos autores aparece a comienzo de los años 30 y el porqué se aplica en el contexto indicado tiene un origen no aclarado. Lo mismo ocurre con otros términos que se introdujeron al idioma inglés por medio de la música jazz, como hip, hep o hepcat.

Jimmy Eat World
La banda de emo, natural de Mesa, Arizona, llamada Jimmy Eat World está comprendida por los guitarristas y vocalistas Jim Adkins y Tom Linton, el bajista Rick Burch, y el baterista Zach Lind, amigos desde la infancia que comenzaron a tocar juntos a los 15 años, intentando llegar a ser como su banda preferida, Metallica.
En 1999 editarían la obra maestra “Clarity”. Excepcionalmente producido por Mark Trombino y la propia banda, “Clarity” mezclaba baladas introspectivas con punk rock cargado de distorsión, elementos pop y dosis sutiles de electrónica, para crear un álbum realmente extraordinario.
El único single del álbum que se escuchó en las radios (y después de muchos esfuerzos) entró a formar parte de la banda sonora de la película protagonizada por Drew Barrymore “Never Been Kissed”.
El álbum se caracterizaba por ser personal e intenso. Usando los instrumentos de cuerda como puentes sonoros, los loops de batería, los carillones, el piano, vibráfonos y armonías vocales especialmente trabajadas crean complejas pero claras canciones que consiguen que “Clarity” alterne entre lo hipnótico y el puro rock en la misma canción, mezclando efectos emotivos con dramáticos.
En 2001 editan “Bleed American” con el que consiguen colocarse en la cabeza del sonido "emocore", destronando a cualquier posible rival, gracias a una combinación de impresionante de electrónica, punk rock, pop y estribillos irresistibles, aptos para todo tipo de públicos.
Después de una larga y agotadora gira en apoyo de Bleed American, la banda volvió al trabajo en 2004 para comenzar la grabación de un nuevo álbum. Al inicio, la banda se juntó con Trombino, pero la colaboración duró poco. Entonces Gil Norton, que había trabajado con Foo Fighters y Pixies entre otros, sería su nuevo productor. Futures fue lanzado en octubre del 2004, con el single "Pain" que logró un moderado éxito en las radios alternativas
Después de su gira, Jimmy Eat World saca su último album. Este álbum fue producido por la propia banda, Chris Testa, y el legendario Butch Vig (Nirvana, The Smashing Pumpkins, Sonic Youth). Algunas de las canciones en el álbum, titulado Chase This Light, incluyen "Carry You", "Big Casino", y la canción "Chase This Light". Chase This Light fue lanzado en los Estados Unidos el 16 de octubre del 2007, debutando En el # 5 en el Billboard 200.

Ritualpedia II ~I~

Imagine es el segundo álbum de estudio de John Lennon y es quizás su disco más conocido por el gran público. Grabado y publicado en 1971, el álbum contiene canciones más sofisticadas, más comerciales y menos vanguardistas que en sus anteriores proyectos, como John Lennon/Plastic Ono Band. Según Lennon, la diferencia entre Imagine y sus trabajos previos era el "baño de chocolate para el consumo público", haciendo clara referencia a la multitud de arreglos de cuerda que se habían añadido a las canciones para hacerlas más fáciles de escuchar.
Los temas básicos del álbum fueron grabados en el estudio personal de Lennon, en Tittenhurst Park, mientras los arreglos de cuerda serían añadidos en Record Plant, Nueva York. Al igual que en su anterior álbum, Phil Spector se uniría al proyecto como co-productor del álbum. Durante su grabación, sería filmado numeroso material videográfico para mostrar la evolución de las canciones, posteriormente recopilado en un documental titulado Gimme Some Truth: The Making of John Lennon's Imagine.
El tema que da título al álbum, "Imagine", supuso la firma personal en la carrera musical de Lennon y se mantiene como exponente e himno de la paz mundial.
George Harrison sería invitado por Lennon para tocar en algunos temas de Imagine, especialmente en "How Do You Sleep?", el cual sirvió de plataforma para mofarse de su antiguo compañero en The Beatles, Paul McCartney, y para responder a las acusaciones vertidas por este en el álbum Ram (las primeras ediciones del álbum incluían una postal de Lennon sujetando las orejas de un cerdo, en un pose similar al de McCartney en la portada de Ram, quien sujeta a un carnero.)
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon.
En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD.
En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

I Hate Myself and Want To Die es una canción de Nirvana. El título, que traducido quiere decir "me odio y quiero morir", fue una provocación más de la banda hacia la discográfica. Se dice que no estaban muy satisfechos por aquella época con las sesiones de grabación del disco que finalmente se llamaría "In Utero", Así que decidieron ponerle al disco precisamente el nombre de "I hate myself and I want t o die". Como supondréis la discográfica que editaría el trabajo se negó a sacar un disco con ese título, además, se daba el caso de que un joven canadiense se había suicidado tiempo atrás mientras escuchaba "Suicide Solution", de Ozzy Osbourne.
La canción en concreto, tampoco fue incluida en In Utero, pero sí que fue publicada como cara B del single Pennyroyal Tea, y dentro de la recopilación "The Beavis and Butthead Experience". Una versión demo fue lanzado en la caja "With the Lights Out".
He escogido esta canción para la ritualpedia porque para mí, significa el principio del fin de Nirvana como banda. Se dice que ya en la gira del In Utero se habían disuelto… pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión.

iPod Convertido en uno de los iconos culturales de nuestra época, el reproductor mp3 y mp4 más popular del planeta tierra, fue originalmente concebido por Tony Fadell, que no trabajaba para Apple. Fadell enseñó su idea a Apple, y fue contratado para llevar su proyecto al mercado. Fadell y su equipo fueron responsables de las dos primeras generaciones de iPod. Desde entonces, el iPod ha sido diseñado por el equipo de Jonathan Ive.
Después de 9 meses de desarrollo el iPod fue sacado a la venta el 23 de octubre de 2001, solamente para los ordenadores Mac de Apple. En el año 2002, la segunda generación fue introducida, en dos variedades: una para los usuarios de Mac, y una para usuarios de Windows. Cuando Apple dio a conocer que el iPod sería compatible con PC, al poco tiempo, se vendía un iPod cada segundo en Estados Unidos.
La única diferencia entre los dos paquetes fue la inclusión del programa para organizar la música en el iPod. Para Mac, fue incluido el programa iTunes, y para Windows, el programa Musicmatch Jukebox. Los iPods sólo funcionaban con ambos sistemas. En el 2003 Apple introdujo la tercera generación de iPod, que venía con un solo disco que instalaba iTunes en Windows, al igual que en Mac OS. Actualmente el software puede ser descargado directamente desde la página web de Apple de forma gratuita.
Microsoft lanzó en 2006 la competencia del iPod, el cual se llama Zune. Fue un fracaso absoluto.
En la actualidad, es uno de los gadgets más vendidos en el mundo. Actualmente se estima que existen 100 millones de ipods en el mundo, con más de 4.000 accesorios específicos que van desde fundas de diseño hasta sistemas de altavoces; y más del 70% de los modelos de automóviles actualmente a la venta en EEUU ofrecen conectividad con iPod.
Forma parte de la revolución digital en la música, y es punta de lanza de aquellos que defienden que se pueden unir música e internet sin caer necesariamente en la ilegalidad.
En resumen, no creo que sea oro todo lo que reluce, y sin duda un marketing bien orientado puede hacer milagros, pero lo que sí que está claro es que, dentro de unos años, probablemente se vean los ipods como otro de los iconos que identifican una determinada época, que es la que nos ha tocado vivir. Aunque los aquí presente crecimos más bien con una cinta TDK metida en un walkman.

Ritualpedia II -H-

HELTER SKELTER

Una de las canciones más famosas de los Beatles es esta ida de olla de Paul McCartney, incluida en el White Album, de 1968. Resulta que Paul leyó una entrevista que le hicieron a Pete Townshend, donde éste decía que su canción “I Can See For Miles” era lo más sucio, duro y con mayor volumen que habían hecho nunca los Who; y decidió, sin haberla escuchado, que él haría la canción con las guitarras mas sucias, las baterías más altas, etc.etc. De paso, también callaría a los críticos que le decían que sólo escribía baladas. Así que escribió una canción que era una mezcla del vértigo de bajar por un tobogán en espiral y la confusión de una huida en desbandada: eso es lo que significa “Helter Skelter”.

La primera versión que grabaron los Beatles de esta canción fue en Agosto del 68, 27 minutos de jam session más lenta e hipnótica que la que conocemos del LP. El 9 de Septiembre volvieron a grabar la canción 18 veces, en tomas de unos cinco minutos. Al final de la décimo octava toma, Ringo Starr arroja las baquetas al aire gritando: “¡Tengo ampollas en los dedos!”. Igual por eso es la toma que se incluyó en el disco.

La pieza sorprendió a propios y extraños; de hecho, cuando McCartney escuchó la canción de los Who, después de grabar la suya, la encontró bastante endeble. Ha influenciado a multitud de grupos, siendo versionada por grupos tan dispares como Hüsker Dü o U2, y se la considera un pilar básico de lo que hoy conocemos como Hard Rock. A partir de este tema los músicos que querían hacer algo más que el pop típico de la época empezaron a investigar el camino abierto por los Beatles.

La nota negativa de esta canción es que, junto a otras del álbum blanco, fueron interpretadas por Charles Manson como la profecía de una guerra apocalíptica entre blancos y negros, y se basó en ellas para planear el tristemente célebre asesinato de Sharon Tate, la mujer del director de cine Roman Polanski, y sus invitados, en casa de la actriz.

HARD ROCK

El hard rock surge a mediados de los ´60 como mezcla del rock psicodélico, el incipiente garage y el blues tocado a la manera británica por grupos como Cream, The Who o los Yarbirds, que, como todos sabemos, se distinguió por endurecer el sonido del blues americano con su instrumentación totalmente eléctrica, riffs más salvajes y ritmos más marcados. Se aplicó a los grupos que comenzaban a tocar un rock que conscientemente se alejaba del pop rock imperante y más propio de las radios comerciales, con un sonido más duro y encuadrado en las escalas pentatónicas y los doce o dieciséis compases del blues.

Por tanto, canciones como “You Really Got Me” de los Kinks, “My Generation” de los Who, o “Helter Skelter” de los Beatles, junto con la experimentación sónica repleta de feedback y distorsión que estaba llevando a cabo el gran Jimi Hendrix, y otros como Jeff Beck, se convierten en el norte de este estilo.

El hard rock no es heavy metal, aunque en el sonido de algunas bandas se mezclan ambos estilos. Digamos que son padre e hijo, y que de tal palo tal astilla. Las primeras bandas de hard rock surgen en Inglaterra, siendo Led Zeppelin y Deep Purple los que despuntan entre los demás. A éstos les suceden bandas como Queen, Aerosmith, Bad Company o Rush. Ya empieza a olerse el heavy metal, ¿verdad? Efectivamente, Alice Cooper y Kiss sacan también sus primeros discos.

Éstos son los años dorados del género. A finales de los 70, con la llegada del punk y la música disco, el hard rock pierde fuelle, aunque aparecen dos de sus más grandes bandas: Van Halen y AC/DC. Estos últimos siempre han rechazado que a su música se le llame heavy metal; quizá su música sea el mejor ejemplo para distinguir el hard rock del heavy.

Los años 80, en mi opinión, son lamentables, con bandas como Mötley Crüe, Def Leppard, Bon Jovi o Guns ´N´ Roses: tics rockeros totalmente desfasados, ombliguismo musical... A principios de los 90 la cosa mejora muchísimo, aparece el grunge, que mezcla punk con garage y hard rock: basta escuchar el “Ten” de Pearl Jam para ver la herencia del hard rock bien entendida aplicada a su música. Y por último, a principios de esta década y hasta ahora, bandas como Jet, Wolfmother, The Datsuns, Buckcherry o Velvet Revolver vuelven a recoger el testigo del hard rock más puro y llevarlo a las listas de éxito, insuflándole nueva vida a un estilo que durará mientras exista el rock´n´roll.

HALF FOOT OUTSIDE

Aprovechamos la H para hablar de uno de los grupos más prometedores de la nueva hornada indie española. Esta banda navarra comenzó su andadura musical en 1998 como un combo hardcore, y claro, acabaron recalando en el mejor sello español de ese estilo, B-Core, que tantas alegrías nos ha dado con bandas como Aina o Standstill. De todas formas, su estilo, a lo largo de los años, ha ido, no dulcificándose, pero sí madurando y derivando a un indie-rock potente y muy melódico. Pasaron al sello Astro en 2004 con su primer gran disco “Perfect from the Distance”, producido por Kaki Arkarazo y mezclado por John Agnello, que ha trabajado entre otros con Sonic Youth o Steve Wynn. Este año vemos su confirmación como uno de los grandes grupos indies españoles con el lanzamiento de su último disco, “Heavenly”. Al equipo de producción se suma la colaboración de la flor y nata del indie español, con gente de La Habitación Roja y Los Planetas, que además se deshacen en elogios hacia su música. Pero no sólo eso: Jon Auer, de los Posies, quería producir el disco; al estar ya comprometido el otro productor, iba a colaborar en una canción y ha acabado metiendo voces en 7 temas y guitarras en 3. Aquí tenéis el single “Driveways” para que comprobéis porqué despierta tantas pasiones este grupo.

Ritualpedia II G

Guns n Roses

Guns N' Roses es una banda de hard rock que nació en Los Ángeles, en marzo de 1985. El grupo estaba formado por el cantante Axl Rose, los guitarristas Slash e Izzy Stradlin, el bajista Duff McKagan, y el baterista Steven Adler. El nombre deriva de la combinación de dos bandas muy importantes en Hollywood, los L.A. Guns y los Hollywood Rose.

A partir de aquí, la historia de esta banda es un culebrón, en el que aparecen todos los ingredientes del rock, peleas, conciertos sin acabar, drogas, detenciones y un sinfín de abandonos y retornos de los componentes del grupo, de los que por cierto, solo ha aguantado el tipo Axl desde su inicio hasta el esperado Chinese Democracy el que, se supone, será su nuevo disco.

Su primer trabajo, Apetitte for destruction fue una autentica revolución en el rock, aparecio en 1987, si quereís saber mas, consultad la letra W del tomo I de nuestra ritualpedia. (Wellcome to the Jungle).
“G N” R Lies” publicado 1988, es un álbum de ocho pistas, fue criticado por el carácter homofóbico y racista de una de sus canciones. Contenía temas electricos y acústicos.
En 1991 vino el doble álbum “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II”. Durante la grabación del disco Adler fue cesado de la banda por sus problemas con la droga. La batería quedó a cargo de Matt Sorum. Los discos entraron en los lugares 1 y 2 de la lista Billboard. Los discos contenían los éxitos “Knockin’ On Heaven’s Door” de Bob Dylan y “You Could be Mine” que aparecería en la banda de sonido de Terminator 2.

En 1992, la industria de la música quedó en shock con el lanzamiento del disco de Nirvana “Nevermind” en el que se estrenaba la estética “Grunge”. En términos comparativos, los excesos de Guns ‘N’ Roses parecían vacíos y superficiales cuando se los ponía frente a la poco refiniada banda de Seattle.
En 1993 la banda respondió con un disco punk llamado “The Spaghetti Incident” que desató la polémica por una pista en la que interpretaban un tema original de Charles Manson.
En el año 2000 Rose y la nueva formación de Guns ‘N’ Roses salieron del taller rumbo a Las Vegas para una presentación de año nuevo. Esto abrió las puertas para un nuevo álbum (Chinese Democracy)que aún no ha salido, aunque se espera para algún momento de la er actual. Sin embargo, si se toma en cuenta la cantidad de productores que han ido y venido por ese disco podríamos esperar sentados.

Garage

El garage rock es una forma sencilla y cruda de rock and roll creada por varias bandas de Estados Unidos a mediados de los años sesenta. Inspirados por bandas de la Invasión Británica como The Kinks o The Who, estos grupos tocaban una variación de estos estilos de música.

Llamada garage precisamente porque la mayoría de las bandas que militan este estilo han comenzado con muy pocos medios, ensayando en el garaje de uno de los componentes del grupo. La mayor parte de las bandas utilizaban sencillas secuencias de notas octavas y quintas debido a que los amplificadores de la época poseían mucha distorsión a un volumen alto, se sobresaturaban y con el uso de esas notas, junto con una batería agresiva y unas letras pegadizas, se evitaba este problema.


Los años 80 vieron un nuevo renacer de este tipo de rock con bandas como The Fuzztones, The Chesterfield Kings o The Cynics; coincidió con un resurgimiento del surf rock, todo lo cual confluyó en el rock alternativo y el futuro grunge, que, según algunos, fue en parte influenciado por el rock de garaje que se hacía en Seattle a manos de The Sonics o The Wailers.

El rock de garaje y el garage punk coexistieron a lo largo de los 90 hasta ya entrados los 2000 gracias a multitud de sellos discográficos independientes que lanzaban miles de discos de bandas que tocaban varios estilos de rock and roll primitivo. Algunos de los sellos discográficos independientes más prolíficos fueron Estrus, Rip Off, In The Red, Telstar, Crypt, Dionysus, Get Hip, Bomp! y Sympathy for the Record Industry.

A fines de los años 90, Steven van Zandt ("Little Steven"), se convirtió en portavoz y defensor del rock de garaje promoviendo conciertos y festivales por todo Estados Unidos y, además, en el año 2002 inició un programa de radio llamado Little Steven's Underground Garage.

A principios de la década del 2000, algunas bandas de rock de garaje adquirieron presencia en los grandes medios y cobertura en la radio comercial, éxito que faltó a las bandas de rock de garaje en el pasado. Este nuevo impulso fue dado, en primer lugar, por: The Vines, The Strokes, The Hives y The White Stripes; estos últimos provienen de la destacada escena garajera de Detroit.

El General

Edgardo Franco mejor conocido como "El General" nació el 27 de Septiembre, en la ciudad de Panamá. A los 12 años, Edgardo empezó a escribir canciones inspirado en la situación social de su barrio y sus propias vivencias, les añadía melodías y luego las grababa en cassettes, que después distribuía a los conductores de transporte colectivo para que los pusieran, en sus rutas, y así llevar su mensaje a la comunidad. Un amigo de su infancia, que estaba en la armada, le dio su primer uniforme, naciendo así su seña de identidad que lo caracteriza, luego un productor Jamaicano, le ofreció grabarle su primer tema,"Tu Pum Pum" grabado en Español pero su lanzamiento fue en el mercado Americano. Su primer álbum "Estas Buena" que incluía su segundo hit "Te Ves Buena" fue Multi-Platino.

Con su tercer Hit "Muévelo" se une al gran sello BMG. Este Nuevo disco le gano el premio MTV International's Latín video of the Year. "Muévelo" fue el primer video en Español que se vio en MTV Americano. El General también tuvo el placer de recibir por primera vez en la historia de Billboard el premio "Best Latín Rap Artist" la cual gano cinco años consecutivos. Más impresionante es que el premio fue especialmente creado para él por su gran éxito.

Extraido de su web oficial:
“Personas de todas las edades, disfrutan la música de El General pero la Juventud lo a proclamado como un héroe, muchos de ellos imitan su manera de cantar y su exquisita forma de bailar”.

Escaleta Lunes 24 de Noviembre de 2008

Ritualpedia II ~F~

Faith No More 

 Quizás uno de los grupos que más influyentes en el rock de nuestros días, y uno de los menos conocidos por el gran público a este lado del Atlántico. Formado en San Francisco en el año 1982,  no fue hasta la llegada del vocalista Mike Patton, en 1989, cuando se consagraron como mega-banda de rock, al dar un giro a su sonido. Su evolución fue constante, y Mike Patton lo utilizó como laboratorio de experimentación, pasando por el thrash metal, el heavy metal, el funk, el rock progresivo, el soul, el hip hop y el jazz.

El nombre del grupo tiene su origen en la expulsión del mismo de su fundador, Mike "The Man" Morris que lo llamó Faith No Man. Un año después, Mike Morris fue expulsado, entonces, un amigo de la banda dijo: The Man was no more, literalmente "No estuvo más el hombre", haciendo referencia a que habían echado a Morris, al que apodaban "The Man". De modo que tomaron ese juego de palabras y sustituyeron "The Man" por "Faith", y la banda se quedó como "Faith No More".

En 1985 lanzan su primer álbum, titulado We Care a Lot. En 1987, tras haber firmado contrato con Slash Records, lanzan su segundo álbum: "Introduce Yourself".

En 1989, aparece Mike Patton del grupo Mr. Bungle. El cambio se notaría. Ese mismo año, lanzan su tercer disco, llamado "The Real Thing". Gracias al single "Epic", y su gran circulación en el canal musical MTV, Faith No More gana fama y reconocimiento mundial. A finales de 1990, The Real Thing ya era disco platino en Estados Unidos.

El álbum fue un éxito de crítica, y, tras ello, la banda salió de gira con Metallica, actuando ante grandes audiencias.

En 1992 lanzan el disco "Angel Dust" que incluye entre sus temas, el cover de The Commodores, "Easy" el cual le brindó una apertura a un espectro más amplio de audiencias.

En 1995, se edita un álbum titulado "King for a day fool for a lifetime", un disco que los expone a un espectro aún más amplio y popular.

Tras ello, lanzan el que sería el último disco de estudio, llamado "The album of the year", que marca el fin de una banda que ha marcado a muchas generaciones y que indiscutiblemente ha influido a gente como System of a down, Audioslave, o Foo Fighters entre otras muchas.

Fanzine 

Para los que no hayan escuchado esta palabra nunca, un fanzine es una publicación temática amateur realizada por y para aficionados. Su nombre proviene del inglés: FAN de 'FANático' o 'aficionado' y ZINE de magaZINE, 'revista'). El termino empezo en octubre de 1940 con el fanzine de ciencia ficcion de Russ Chauvenet, que se popularizo por temas de ciencia ficción.

Por experiencia de algunos (o de todos) los miembros de este programa, podemos decir que el desarrollo de esta actividad no suele ir acompañado de intereses económicos, y al depender del tiempo y el esfuerzo desinteresado de sus creadores, no suelen durar mucho.

Los problemas endémicos de los fanzines son: su dependencia de las ganas desinteresadas de sus colaboradores, en un trabajo no remunerado que debe obtenerse del tiempo libre; y sus problemas para distribuirse llegando a su público potencial. Sus ventajas indiscutibles es contar con grandes especialistas en su materia, publicando de forma libre y directa sin ataduras ni intereses para con terceros.

Actualmente, medios como Internet y la facilidad para maquetar en HTML han facilitado la distribución y el formato, por lo que la edición de fanzines se ha extendido a la red. Este tipo de fanzines electrónicos se denomina ezine. Muchos de los blogs que tanto éxito tienen hoy en día, no son más que fanzines del siglo 21.

Flow 

Flow quiere decir "flujo", y para los no iniciados, en el mundo del rap y del hip hop, dicho término se usa para definir la capacidad del MC (o sea, del que rapea), de crear y mantenerse fluido en base a algo, generalmente el ritmo que marca el dj, o alguien haciendo beat box, por ejemplo. Digamos que sería la forma de rapear del MC, ya que además de ser una habilidad, el flow también es un sello reconocible, es, en algunos casos como la firma, la identidad del MC.

Los parámetros básico a tener en cuenta en un flor, serían el no trabarse durante una improvisación, haber concordancia entre las rimas y lo que se esta diciendo, o que el tempo de la voz debe ir acompañando al tempo que marca el dj.

En la historia del hip hop y del rap, hay artistas con flows realmente reconocibles. Sería el caso más claro el de Busta Rhymes, Beastie Boys, The Streets, mi favorito Method Man, o el amigo Eminem.
  

Ritualpedia II -E-

ECHO & THE BUNNYMEN

Muchos hablan de Joy Division como el grupo más influyente de la escena post-punk inglesa. Quizas sea así, pero la medalla de plata se la lleva sin discusión Echo & The Bunnymen. Desde Liverpool, el trío compuesto por Ian McCulloch, Will Sargeant y Les Pattison comenzó a tocar en directo con una caja de ritmos a la que llamaban Echo. Tras grabar su primer single entró como batería Pete De Freitas, y de la caja sólo quedó el nombre.  De sus coetáneos les distinguía sus influencias musicales (principalmente de los años 60: desde los Rolling Stones y The Beatles hasta David Bowie, The Velvet Underground, Iggy Pop, The Doors o Leonard Cohen) y el lirismo y melancolía de sus letras; la música, sin llegar a lo gótico o la oscuridad de The Cure o Joy Division, combinaba el pop con arrebatos eléctricos y pasajes más rugosos; sin olvidar, por supuesto, los dos rasgos distintivos del grupo: la imaginativa y caleidoscópica guitarra solista de Sargeant y la inconfundible e hipnotizante voz de McCulloch.

Desde su primer disco, el excelente “Cocodriles” (1979), hasta su momentánea disolución en 1987, debida a la muerte de De Freitas, en su discografía destacan dos maravillosos álbumes: “Porcupine” (1983) y “Ocean Rain” (1984), que son el anverso y el reverso de su sonido: de la electricidad y la fiereza del primero pasaron en un año a la orquestación y la ternura del segundo. Entre los fans del grupo se encuentra Flea, que recordando su juventud comenta con cuánta expectación vivió la llegada a California de una de sus bandas favoritas para presentar “Porcupine” y cuánto le influyó ese concierto. Por otro lado, es rara la lista que se refiera a los mejores álbumes del siglo XX que no incluya a “Ocean Rain” entre los 50 mejores.

Lo que da una buena medida de la calidad de esta banda es que, tras 10 años de separación y con varios proyectos en solitario, decidieron unirse de nuevo para grabar otro disco, “Evergreen” (1997) (con el consiguiente miedo y desconfianza de los fans; cuántas bandas han enfangado su duramente ganado prestigio con una simple gira de reunión); pues bien, no sólo ese disco mantiene su nivel y los sitúa como si no hubiese pasado una década desde su anterior disco, sino que 11 años después la banda continúa editando discos, algunos excelentes (como el reciente “Siberia” (2006)), girando por todo el mundo y ganando nuevos adeptos.

Es facil seguir la influencia de Echo & The Bunnymen en grupos como The Killers, Arcade Fire, Editors, Doves, The Dears, Interpol (escuchen “The Cutter”) o, por supuesto, Coldplay, el grupo que mejor ha adaptado la música de The Bunnymen a su propio estilo; es imposible oir “Nothing Lasts Forever” y no acordarse de “In My Place”.

E-BOW

Para todos aquellos que os preguntáis si tal o cual guitarrista usa 80 pedales más 400 efectos para conseguir esos sonidos de guitarra que hacen que parezca cualquier cosa menos una guitarra eléctrica, os vamos desvelar un truquillo bastante curioso y efectivo: el e-bow. Ésta es una abreviatura de electronic bow, que podemos traducir como arco eléctrónico, ya que la intención de este aparato, que funciona a pilas y cabe en la palma de la mano, es reproducir en las cuerdas de la guitarra el efecto que produciría un arco de violín, por ejemplo, mediante el campo electromagnético que emite. Fue inventado en 1969 por Grez Heet, y funciona de la siguiente manera: al girarlo sobre las cuerdas produce distintos tonos, además de aumentar o disminuir la intensidad del sonido al acercarlo o alejarlo a las mismas. En posteriores mejoras han conseguido que también produzca sonidos armónicos, no sólo la nota básica.

No sólo se puede usar en instrumentos eléctricos; también funciona en acústicos, pero la respuesta sonora que se obtiene es mucho menor.

Hay múltiples ejemplos de guitarristas que han usado este aparato en alguna de sus canciones, pero, por poner un ejemplo curioso, os diremos que todo lo que no os suene a guitarras, sino a teclados y sintetizadores en el disco Mer De Noms (2000) de A Perfect Circle, está hecho en realidad con guitarras eléctricas y un e-bow.

THE EVERLY BROTHERS

Vamos a hablar ahora del dúo con las voces más armónicas de la historia de la música, y uno de los principales culpables de que el rock´n´roll sea lo que hoy es. Pertenecen al grupo de bandas, junto a Buddy Holly o Roy Orbison, que por su imagen, algo más recatada que la de otros artistas, y por su música, más melodiosa que la del resto, consiguieron que quien veía peligroso a Eddie Cochran o Gene Vincent aceptara que sus hijos escucharan rock´n´roll (lo que no quiere decir que no fueran verdaderos rockers). Lo que caracterizaba a Phil y Don Everly era la fuerte influencia del country en su música; los padres de los dos hermanos eran músicos de este estilo y esto los llevó a actuar desde muy temprana edad. Cuando llegaron a la adolescencia ya eran músicos experimentados y comenzaron a intentar encontrar un hueco en el mercado musical. Sus comienzos no hacían presagiar el tremendo éxito que alcanzarían después; sus primeras grabaciones no consiguieron ninguna repercusión, hasta que Wesley Rose se hizo cargo del dúo como manager. Les consiguió un contrato con el sello Cadence y registraron en 1957 su primer éxito, “Bye Bye Love”, una canción compuesta por el matrimonio Felice y Boudleaux Bryant (que surtiría de excelentes canciones a los dos hermanos en el futuro) y que fue rechazada por varios cantantes antes de que la aceptara nuestro dúo. El éxito fue increíble: top 3 y un millón de copias vendidas en USA, y top 5 en UK, actuaciones en la incipiente televisión, giras… Parte del secreto del éxito de los Everly se basaba en el uso de sus guitarras acústicas; las tocaban de forma tan cruda que conseguían un efecto inédito hasta entonces; y por supuesto, en sus espectaculares voces, conjuntadas de manera increíble. Escuchar este tema y no reconocer la influencia que tuvo en bandas como los Beatles es imposible.

Durante 3 años consiguieron éxito tras éxito, cada nueva grabación era un hit seguro: “All I Have To Do Is Dream”, “Wake Up, Little Susie”, “´Till I Kissed You”… Dejaron el sello Cadence en 1960 para ser el primero de los fichajes de una nueva compañía que empezaba por aquel entonces, la Warner Bros., que se los agenció por una suma increíble por aquel entonces, algo más de un millón de dólares. La aventura comenzó bien, con el mayor éxito de su carrera, “Cathy´s Clown”, al que siguieron otros como “So Sad”, “Temptation” o “Crying In The Rain”; pero la ruptura con su manager, ingresar en los marines, el cansancio producido por interminables giras a ambos lados del Atlántico y algunos temas que no alcanzaron el éxito deseado hicieron que su relación se deteriorara y las grabaciones se espaciaran en el tiempo, reforzando además su faceta country, que aunque aumentó la calidad de las canciones y encantó a la crítica, les alejó de los posiciones de éxito. En 1973 decidieron separar el dúo y comenzar carreras en solitario, discretas aunque sobradas de calidad, hasta que un concierto en 1984 los reunió de nuevo y grabaron un nuevo disco. Desde entonces sus apariciones han sido más que esporádicas, retirándose cada uno de los hermanos a sus respectivos negocios.

Sus canciones están grabadas en el imaginario colectivo de todos los que aman la música; se mantienen jóvenes y frescas porque son grandes canciones, bien construidas y magníficamente interpretadas; y aunque no lo sepáis, alguna vez habéis escuchado alguna canción de los Everly Brothers, se ha quedado en vuestra mente para siempre, y sobre todo, seáis heavies, hip-hoppers, techno heads o góticos, OS GUSTA MUCHÍSIMO.