Ritualpedia II -P-
The Police comienza su historia en Londres, en 1976. En la capital británica se unieron tres jóvenes músicos: el guitarrista francés Henry Padovani, Sting (que tocaba el contrabajo en un modesto grupo de jazz) y Stewart Copeland.
The Police comienza subiéndose al carro del 'punk', de moda en aquella época, pera tanto Sting como Stewart odiaban la falta de calidad de aquel movimiento. Para mejorar en su propio estilo contratan a un conocido guitarrista, Andy Summers
Su siguiente paso hacia el estrellato lo dieron al teñirse el pelo de rubio para un anuncio de chicles. Aquel sería su look durante varios años.
Poco después The Police sacan su primer gran éxito, 'Roxanne', una desesperada canción de amor a una prostituta, un tema que fue censurado en todas las emisoras de habla inglesa, al igual que su siguiente tema, 'Can't Stand Losing You'.
En 1978 publican su primer álbum, 'Outlandos D'Amour', que se convirtió en un gran éxito de ventas. En este disco se mezclaban aires de jazz, reggae y rock.
Al año siguiente sacan su segundo disco, 'Regatta De Blanc', tras el que inician su primera gran gira. Un año después editan 'Zenyatta Mondatta', un disco que hicieron a disgusto y por presiones de la compañía, a pesar de que contenía algún tema de calidad.
En 1981 The Police publican 'Ghost In The Machine' y en 1983 'Sinchronicity', su último disco y que contenía el mayor éxito de la banda, 'Every Breath You Take'. Este disco fue grabado en Canadá y fue número uno en Inglaterra y en Estados Unidos durante 17 semanas, consiguiendo tres premios Grammy.
Después de este último disco los componentes del grupo se han ido alejando paulatinamente. El que mejor parado ha salido ha sido Sting, quien ha participado en varias películas y ha continuado su carrera musical en solitario con la publicación de varios discos, uno de ellos en español. El resto de los miembros de Police se han ido integrando en otras bandas o trabajando en solitario en ocasiones.
Proseguimos…
Pixies son un grupo proveniente de la ciudad de Boston, Estados Unidos y formado en 1985. El grupo se desintegró en 1993 en circunstancias muy tensas pero se reunieron en 2004. El grupo ha estado conformado desde su creación por Black Francis, Joey Santiago, Kim Deal y Dave Lovering. Si bien Pixies sólo pudo conseguir un muy modesto éxito en su país, alcanzaron mucho mayor reconocimiento en Europa, en especial en el Reino Unido, a pesar de que ninguno de sus álbumes fue un éxito comercial.
La música de Pixies está fuertemente influída por el punk y el surf rock. A pesar de que su estilo es muy melódico, son capaces de ser tremendamente cáusticos. Esto se ve reflejado en las letras que Francis, el cantante y escritor principal del grupo, que interpreta con un estilo de voz desesperado. Los temas de sus letras suelen ser girar sobre temas misteriosos, como el fenómeno OVNI o el surrealismo. También, las referencias a temas como la inestabilidad mental, imágenes violentas tomadas de la Biblia, el incesto o daños físicos, son muy frecuentes en las letras de la banda.
Al grupo frecuentemente se le ve como el antecesor inmediato del boom del rock alternativo de principios de la década de los 90, a pesar de que su disolución se dio antes de que pudieran cosechar algún beneficio que eso pudiera haberles dado. Kurt Cobain, fan confeso de Pixies, reconocería la gran influencia que el grupo ejercería en Nirvana, al igual que otros grupos de rock alternativo. Esto aseguraría el legado de Pixies y provocaría que su influencia fuera creciendo sustancialmente en los años posteriores a su separación.
Al igual que ocurrió con otros grupos de Noise Pop, su personal estilo ejerció gran influencia sobre muchas de las bandas de rock de la escena grunge y alternativa de principios de la década de 1990, especialmente sobre Nirvana y Weezer, quienes popularizaron su particular uso de melodías suaves durante las estrofas y explosiones, gritos y guitarras distorsionadas durante los estribillos. Fueron de gran influencia para todas las bandas que posteriormente incluirían el noise en canciones de estructura pop al igual que ellos.
Ritualpedia II -O-
O'funkillo fue un grupo musical sevillano de funky ("Funky andaluz embrutessío" según los propios miembros del grupo). Su nombre proviene de mezclar la expresión sevillana "ojú killo" con funk, principal estilo de la banda. Aparte del funk, O'funk'illo cuenta con una gran variedad de estilos en sus composiciones, desde el metal al flamenco y el reggae.
Biografía
Los comienzos de O'funk'illo se remontan al año 1997, cuando actuaban bajo el nombre de Motherfunkers, principalmente haciendo versiones. El grupo obtuvo buena acogida, y decidieron empezar a componer con el actual nombre de O'funk'illo. Con el tiempo, el grupo consolidó su éxito, formando parte obligatoria del cartel de varios festivales de música de importancia, como el Viña Rock o el Espárrago Rock y multitud de conciertos en solitario por toda España. Su último trabajo tuvo una especial acogida, tanto en el público, como en los medios, obteniendo el premio a mejor álbum/grupo de rock alternativo en los premios de la música 2006, que subió a recoger Andreas Lutz, front-man del grupo, vocalista de marcada personalidad, siempre cantando en "andalú" e incluyendo la jerga sevillana en sus letras, fundador del sello independiente ARTELOJAZZ PRODUCCIONES CREATIVAS, con el que lanzó a Vikingo M.D., ex cantante de Narco, colaborador habitual en los discos de O'Funkiillo. Los fans del grupo se autodenominan funkáticos, la relación del grupo con sus fans siempre fue muy estrecha, creando una verdadera comuna que los seguía por toda la geografía en los cientos de conciertos que ha dado el grupo sevillano, el cual se identifica precisamente por estos. En los directos, el grupo imprimía fuerza, guassa, e intención en su música, conformando un show que dirigía Andreas, acompañado por Pepe Bao al bajo y Javi Marciano a la guitarra. Sus fans lo calificaban como "el show con más poca vergüenza de la historia". Además de producir sus dos últimos discos, O'funkillo fueron productores y promotores del grupo Las Niñas, cuyas componentes AuroraPower, mujer de Andreas Lutz, y Vicky G. Luna, fueron corista de O'funk'illo durante sus primeras giras. Finalmente, en febrero de 2006, por discrepancias entre los miembros de la banda, Andreas abandona la banda. Al ser co-propietario de los derechos de imagen del grupo, el nombre de O'funkillo no puede seguir utilizándose y se disuelve oficialmente. A pesar de esto, el resto de componentes deciden seguir girando bajo el nombre de "P'al Keli: tributo a O'Funkillo". Realizan tours por la geografía española desde 2006 hasta 2008 con diversos vocalistas. Pero no editan más discos.Actualmente Javi Lynch Marssiano y Pepe Bao han fundado un nuevo proyecto,Cusha!,una nueva agrupacion que completa Yutah,musico canario afincado en Madrid y Joaquìn Migallon a la bateria,el que tambien fuera miembro fundador de O'funk'illo y que abandono a este tras la grabacion de su primer disco.Aunque Cusha no tienen nada editado hasta el momento,se le augura un buen futuro si tenemos encuenta que en su my space han logrado captar mas de 30.000 visitas en menos de un mes,creando asi un nuevo fenomeno de fans,los que se hacen llamar Cusheros.
Componentes
Andreas Lutz (vocalista)
Javi Marssiano (guitarra)
Pepe Bao (bajo)
Discografía
O'funk'illo (2000). Producido por Nigel Walker.
En el Planeta Aseituna (2003). Producido por O'funk'illo.
No te cabe na' (2005). Producido por O'funk'illo.
OK Computer es el tercer álbum de estudio del grupo musical británico de rock alternativo Radiohead lanzado en 1997. Fue editado inicialmente el 16 de junio de 1997 en el Reino Unido por medio de la compañía discográfica Parlophone siendo el tercer álbum de material inédito de la banda y les sirvió para continuar a su críticamente aclamado The Bends de 1995.La grabación se llevó a cabo en julio de 1996 en Didcot, Oxfordshire y continuaron entre septiembre del mismo año y marzo de 1997 en Bath (ambas localidades de Inglaterra) bajo la producción de Nigel Godrich y Radiohead. OK Computer toca temáticas referentes a la alienación tecnológica y los espacios urbanos, los efectos de la tecnología en los seres humanos, la neurosis, el abandono, el nihilismo, la ira, las relaciones impersonales y la incapacidad de comprender el mundo. De acuerdo al cantante Thom Yorke, representó un cambio en su estilo de escribir las letras de las canciones, lejos de las preocupaciones personales de Pablo Honey y The Bends.
El álbum fue un éxito comercial del cual salieron los sencillos "Paranoid Android", "Karma Police" y "No Surprises", lo que se tradujo en un enorme crecimiento de la popularidad del grupo a nivel mundial y marcó el ingreso de Radiohead en el mercado estadounidense, donde debutó en la 21ª posición. Debido a su inesperada popularidad, se convirtió en el último álbum de Radiohead con lanzamiento diferido fuera del Reino Unido. Hasta enero de 2007, OK Computer ha sido certificado con doble disco de platino en Estados Unidos y triple disco de platino en el Reino Unido. De igual forma es aclamado por la crítica musical, usualmente citado como el mejor trabajo de la banda y como punto de referencia musical de los años 1990. En 1998 recibió un premio Grammy como Mejor Álbum de Música Alternativa, además de recibir una nominación a Mejor Álbum del Año. Aunque fue clave para poner al grupo británico al frente del movimiento rock, es apartado de los estilos populares del britpop y del rock alternativo de ese momento exponiéndose como un trabajo preliminar para los siguientes álbumes, los cuales fueron más abstractos. En el 2003 fue colocado en el puesto #162 de Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos de la revista estadounidense Rolling Stone
Antecedentes
De acuerdo al bajista Colin Greenwood, "el único concepto que teníamos para este álbum era que queríamos grabarlo fuera de la ciudad, y esperabamos grabarlo por nuestra propia cuenta." The Bends había sido un éxito, por lo que la compañía discográfica Parlophone les permitió la libertad de trabajar con el ingeniero de sonido Nigel Godrich. Aunque Godrich era menor que cualquiera de los miembros del grupo, y virtualmente desconocido, asistió a John Leckie en The Bends y además ya había producido varios lados-b de Radiohead, así como el sencillo promocional de 1995, "Lucky".
"Paranoid Android", "Karma Police" y "No Surprises" fueron lanzadas como sencillos. La edición editada en el Reino Unido de cada uno de los sencillos fue lanzado en dos partes (CD), de los cuales cada uno contenía diferentes lados-b. "Airbag" no fue lanzado como sencillo, sin embargo fue lanzada como la primera canción del EP Airbag/How Am I Driving?, una compilación de algunos lados-b de OK Computer, lanzada en 1998.
"Let Down", "Lucky" y "Climbing Up the Walls" fueron lanzadas como sencillos promocionales o como sencillos de edición limitada. El lanzamiento del sencillo "Lucky" apareció casi dos años antes que el resto del álbum, y fue originalmente grabada en 1995 para The Help Album, una compilación de caridad para la fundación War Child. "Let Down" fue planeado originalmente como el sencillo sucesivo a "Paranoid Android". Fue reemplazado por "Karma Police", cuando el vídeo musical creado para "Let Down" fue estimado como insatisfactorio; la canción, sin embargo, fue lanzada como sencillo promocional para estaciones de radios en algunos países. El sencillo promocional de "Climbing Up the Walls" presenta remixes de la canción creados por Zero 7 y Filla Brazillia.
En la industria musical, un one-hit wonder (en español: maravilla de un éxito) es un artista que generalmente es conocido por un sólo sencillo exitoso.
Ya que los one-hit wonder son populares durante un periodo corto, sus éxitos suelen tener gran valor nostálgico, y suelen aparecer en recopilaciones de épocas y en bandas sonoras.
Los éxitos de muchos one-hit wonder son, hasta cierto punto, efímeros a propósito, grabadas por razones humorísticas o para aprovechar una novedad en la cultura popular. Los ejemplos incluyen Disco Duck ("Pato Disco") de Rick Dees, relacionado a la locura disco a fines de los años setenta, y Pac-Man Fever (Fiebre Pac-Man) de Buckner & Garcia, relacionado con el juego de Arcade "Pac-Man". Pero comúnmente, los one-hit wonder son músicos serios que se esfuerzan en continuar con su éxito cuando su popularidad decae. Algunos artistas han tenido sólo un éxito debido a una muerte prematura, como Minnie Riperton y Blind Melon.
Los one-hit wonder son comunes en cualquier época de la música pop, pero son más comunes de dentro de periodos de géneros musicales que no duran más que unos pocos años, como el disco y new wave.
A pesar de que el término se usa a veces de forma despectiva, los fanáticos suelen tener gran pasión por estas canciones memorables y los artistas que los crearon. Algunos de estos artistas han adoptado a estos seguidores abiertamente, mientras que otros se distancian de su tema de éxito intentando realizar canciones de éxito con sonido diferente; o inician carrera como escritores (como Linda Perry de 4 Non Blondes) o productores discográficos (como Gerardo).
Un asunto de definiciones
La mayoría de los miembros de la industria musical estadounidense consideran una canción dentro de los primeros cuarenta de la lista de los Billboard Hot 100 como un éxito. Por lo tanto, cualquier intérprete que sólo haya grabado una canción con estas características es, técnicamente, un one-hit wonder. Sin embargo, el término se aplica de manera general a cualquier artista que es conocido por una sola canción, razón por la cual artistas que cumplen el criterio anterior pueden no ser considerados one-hit wonders, mientras otros que no lo cumplen pueden ser vistos de esa manera.
En el Reino Unido, el término one-hit wonder es usado para describir a un solista o banda que sólo tiene un éxito en los primeros 20 de UK Singles Chart, mientras todas sus demás canciones nunca se colocaron por arriba del número 21. Ésta es, obviamente, una definición mucho más restrictiva que la usada en Estados Unidos o en cualquier otra parte del mundo.
Hay otros criterios que se consideran al evaluar el estatus de un artista como one-hit wonder:
Jimi Hendrix, Frank Zappa, Lou Reed, Radiohead, Janis Joplin, The Grateful Dead, Iggy Pop, Beck y Korn todos tienen sólo un éxito en los 40 primeros de Billboard, pero muy rara vez, por no decir nunca, son considerados como one-hit wonders. En estos casos otros criterios son tomados en cuenta para evaluar su éxito: las ventas de álbumes y de conciertos, la opinión de la crítica, la gran fidelidad de sus fanáticos o por su influencia sobre otros músicos.
Lo mismo aplica a la inversa, grupos dirigidos por solistas bien conocidos no suelen ser llamados one-hit wonders. El éxito "Layla" de Derek & the Dominoes es asociado con el líder del grupo Eric Clapton, quien ha tenido considerable éxito antes y después de la existencia de Derek & the Dominoes.
Intérpretes que han tenido un éxito consistente en algún lugar del mundo pero que sólo son conocidos por una canción fuera de ese lugar suelen ser considerados one-hit wonders al paso del tiempo. Nena de Alemania, Frankie goes to Hollywood de Reino Unido y Crash test dummies de Canadá tuvieron un éxito considerable en sus países de origen, pero son considerados one-hit wonders en Estados Unidos, y Nena y Crash Test Dummies son igualmente one-hit wonders en el Reino Unido.
Artistas que son exitosos en un género pero que sólo han producido un éxito fuera del mismo suelen ser considerados one-hit wonders por el público en general, pero no por los fanáticos del género al que pertenecen. La cantante de música celta Loreena McKennitt, la banda de rock cristiano Jars of Clay, y el cantante de country Billy Ray Cyrus son ejemplos de esto, todos son populares en sus respectivos géneros pero son conocidos por el público general por una sola canción.
Los artistas que tienen más de un éxito por arriba de los primeros 40 son a veces considerados one-hit wonders si una de sus canciones opaca importantemente el resto de su repertorio. "Take on me" del grupo A-ha se colocó en los primeros 10 de la lista de VH1 de los 100 Greatest One-hit Wonders a pesar de que el grupo tiene dos canciones en el Top 20 de Billboard "Take on me"
Nashville es la capital del estado de Tennessee, y se la conoce como “Music City USA" y como la capital de la música Country. Todo comenzó con la aparición de la radio. La música que se hacía en un determinado lugar podía escucharse en la otra esquina de la nación, y en 1925 una pequeña emisora comenzó a emitir música folk en directo (como todo el mundo sabe, basada en las canciones escocesas e irlandesas traídas por los inmigrantes dos siglos antes) y también las canciones que sonaban en los bailes que se celebraban por aquel entonces, normalmente en establos. El espacio se emitía los sábados por la noche, y tras él comenzaba un programa de música clásica llamado “Grand Opera”. No me preguntéis por el juego de palabras, pero al programa se le comenzó a llamar “The Grand Ole Opry”, y continúa hasta nuestros días; de hecho, tocar en el programa es la consagración necesaria para cualquier músico country con algo que decir.
Esta música se volvió en muy poco tiempo inmensamente popular en todo EEUU, y músicos de todas partes del país se dirigieron a Nashville con la esperanza de poder tocar en vivo en el programa y hacerse un nombre como músico folk. La industria discográfica comenzó a ver el incipiente negocio y tanto pequeños como grandes sellos abrieron alguna oficina o estudio en la ciudad, hasta el día de hoy.
El único “pero” es que (sobre todo en los años 70 y 80, ahora ya no tanto) la música allí facturada ha acabado siendo la más comercial, y anclada en la tradición más cerrada; los que pensáis que la música Country es aburrida seguramente lo hagáis por discos grabados allí, y muchos de los músicos rebeldes y con afán de introducir nuevos aires en la música Country han tenido que grabar sus canciones en otros lugares. Pero esos tiempos tan encorsetados ya han pasado, y Nashville tiene grandes cosas que ofrecer no solo al fan del Country, sino de la música en general.
NUSRAT FATEH ALÍ KAHN
El Bob Marley de Pakistán. El Elvis de Asia. Así ha llegado a llamarse a Nusrat Fateh Ali Kahn, nacido en 1948 y fallecido en 1997, quien es considerado como el mejor Qawwal que ha existido nunca. Qawwal es aquel que canta música Qawwali, música tradicional pakistaní de la rama religiosa sufí. Nusrat perteneció a una familia que lleva más de 600 años dedicada a este canto. Aunque su padre quería al principio que se dedicara a otra cosa, por considerar que los Qawwal no tienen una posición social muy alta, el entusiasmo que vió en su hijo por la música hizo que, afortunadamente para nosotros, lo entrenara para el canto. A la muerte de su padre, Nusrat se hizo cargo del party de la familia, que es así como se llama al conjunto de músicos que acompañan al Qawwal. Éste se compone de percusiones (tabla y dholak, y también las palmas), harmonium y cantantes secundarios, que acompañan al cantante principal en canciones que suelen durar unos 20 minutos, habitualmente.
Nusrat, partiendo de una forma de interpretar el Qawwali tradicional, introdujo innovaciones tanto en la parte vocal como en la estructura de las canciones, que lo acercaron a la juventud india y pakistaní, lo que lo convirtió en un fenómeno de masas; en Occidente se dio a conocer gracias a su colaboración en la banda sonora de “La Última Tentación De Cristo”, de Peter Gabriel, que lo fichó para su sello Real World, donde editó varios discos. Los dos más accesibles los produjo el guitarrista Michael Brook, los estupendos “Mustt Mustt” y “Night Song”; del primero, Massive Attack hizo una increíble remezcla de la canción que daba título al disco, lo que le dio fama internacional. Colaboró en dos temas con Eddie Vedder en la banda sonora de “Dead Man Walking”, quien afirma que hay un antes y un después al trabajar con Nusrat ; también en la de “Asesinos Natos”, de nuevo junto a Peter Gabriel, pero no quedó contento con el resultado porque la película se alejaba totalmente de sus principios morales. No dejó de girar por Europa en varios festivales Womad y giras en solitario, lo que propagó aún más su música y su talento.
Aún está por publicar su trabajo con el productor Rick Rubin; también los Red Hot Chili Peppers hicieron una canción dedicada a Nusrat que no ha salido aún a la luz. Jeff Buckley lo versionó en su directo “Live At Sin-é”, donde declara “He´s my Elvis”. Las bandas más jóvenes han añadido electrónica a la voz de Nusrat con magníficos resultados, en los discos “Star Rise”, con Asian Dub Foundation, Nitin Shawney o Talvin Sigh, y “Dub Qawwali”, del productor Gaudi… Tantos grandes artistas no pueden estar equivocados, señores: introdúzcanse sin reparos en la mesmerizante voz de uno de los mejores cantantes del siglo XX: Nusrat Fateh Alí Khan.
KATE NASH
Tenemos aquí a una londinense con una historia bastante similar a la de Lily Allen en lo referente a su andadura musical. De pequeña estudió piano y guitarra. Ya mayorcita, se cayó por unas escaleras y se rompió un pié. Durante la convalecencia, su madre le compró una guitarra eléctrica y comenzó a componer, y al restablecerse comenzó a mostrar en público sus canciones en varias actuaciones en pequeños locales. Aquí comienzan las similitudes: La chica cuelga sus canciones en su My Space y la gente comienza a interesarse por ella. Graba un single en vinilo en el prestigioso sello independiente Moshi Moshi (donde ha comenzado gente como Hot Chip), que tiene que volver a prensarse por la demanda que surge; y Paul Epworth se ofrece a producirle su segundo single, “Foundations”, que llega al nº 2 en las listas británicas, y su primer disco, “Made Of Bricks”. El disco recibe críticas de todo tipo (es un primer disco y tiene sus lógicos altibajos), pero llega al nº 1 en las listas y al disco de platino. También ha colaborado con raperos provenientes del hip-hop y del grime.
Y musicalmente, ¿qué nos ofrece Kate Nash? Pues también se puede establecer paralelismos con la Allen, aunque tira más de la electrónica, y sus composiciones son un poco más maduras y tratan temas más serios; pero lo que sí es cierto es que estamos ante un trabajo que aúna diversión, comercialidad e incluso algunos destellos de experimentación con la música pop, huyendo de las típicas canciones ñoñas, y con ganas de perdurar, no de ser un nuevo hype de usar y tirar.
Su próximo disco está previsto para mediados de este verano, y pretende combinar las influencias que Nash reconoce como más marcadas, The Supremes y The Shangri-Las, con un sonido más influenciado por el punk que el de su primer disco.
Robert Nesta Marley (n. Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica, 6 de febrero de 1945 - m. Miami, 11 de mayo de 1981), mejor conocido como Bob Marley,
Bob fue creciendo en la calle, junto con otros chicos de la misma condición, en especial en compañia de Bunny, con el que comenzó a tocar latas, cajones de madera, tablas de lavar y guitarras improvisadas en casa. El sonido que intentaban imitar era el de las canciones radiadas por las emisoras del sur de Estados Unidos, que conseguían captar en sus radios, y en las que sonaban artistas como Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton y Fats Domino, además de grupos como The Drifters, que eran muy populares en Jamaica.
Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967.
Entre los sucesos destacables en la vida del músico jamaicano contaros el sucedido el 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos, aunque se baraja la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada, dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica. Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo, pero esto os dará una idea de lo politizado de su música y de la influencia del rasta en las incipientes manifestaciones de la gente de color en USA.
Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres singles - "Waiting In Vain", "Exodus" y "Jamming’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos singles: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". Y, como entenderéis no podemos hablar ni de todos sus discos, ni de todos sus éxitos.
Hasta el día que Marley falleció, de un cáncer que se le reprodujo tras una herida que se causo jugando al futbol en una de sus rodillas, practicó la doctrina Rastafari, cuyos seguidores, o rastafarr como se conocen en ese idioma, traducido como rastas y que no portan necesariamente dreadlocks (peinado característico), creen que Haile Selassie, el último emperador de Etiopía, es un enviado de Dios, una especie de mesías viviente que liberará a la gente del mundo de ascendencia africana , conduciéndolos a una tierra prometida llena de emancipación y justicia divina.
Mendocino, the Sir Douglas Quintet Apr 1969
Mendocino, es el tema que da nombre al Segundo disco del grupo Sir Douglas Quintet, publicado en 1969. Tanto este tema, como “She’s About a Mover”, incluido en el mismo trabajo, suponen grandes éxitos en las listas de ventas de finales de los 60. Mendocino es, además, considerado el tema más perfecto de los de San Antonio, Texas.
De los Sir Douglas Quintet, os diré que es considerada la banda más influyente del Tex-Mex en la historia de este peculiar estilo musical. Esta banda es de reconocida reputación dadas sus raíces musicales, pero además, de ella surgió una de las mayores estrellas de culto, Doug Sahm. El quinteto mezclaba country, blues, jazz, R&B, Mexican conjunto/norteño music, Cajun dances, British Invasion rock & roll, garage rock, y sonido psicodélico, y todo ello desde la perspectiva de un grupo de Texas, os podéis imaginar el resultado. Aunque esta banda no obtuvo reconocimiento musical, sobre todo en la época en la que vivían, la de los 60, aún hoy son fuente de inspiración en la música tejana, sobre todo de la escena mex de Austin. Tras su disolución Sahm se embarcó en una fascinante carrera en solitario y se siguió reuniendo con alguno de los miembros del quinteto a lo largo de toda su vida musical.
Dice la leyenda, de los Sir Douglas Quintet, que fueron una banda creada desde la idea del productor de Houston, Huey P. Meaux, el que durante la invasión de la música británica se encerró en una habitación de hotel con varios discos de los Beatles y varias botellas de vino, y después de pillarse una buena melopea descubrió que la frecuencia de los temas del Cajun Dance, se correspondía con la de los ritmos llegados desde Europa, por lo que podría engañar a los aficionados a los Beatles y venderles así la música de una banda local.
Sexto y último álbum de estudio de la banda estadounidense The Doors.
Editado en abril de 1971 fue el último disco que grabó el cantante Jim Morrison, que murió tres meses después en París. En el 2003, la revista Rolling Stone lo califico en el número 362, en su lista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos
El álbum rompió con todos los trabajos anteriores de la banda, que si bien tenían influencias directas del blues, con este registraron un disco casi exclusivo a este estilo.
La grabación del álbum fue un tanto tensa, las relaciones entre los miembros de la banda, en parte por el carácter de Morrison, estaban un tanto deterioradas. El productor de todos sus discos, Paul A. Rothchild, se negó a producir el disco después de escucharlo. A pesar de esto, los Doors no se echaron hacia atrás y lo produjeron ellos mismos junto al ingeniero de sonido Bruce Botnick.
El disco fue grabado entre septiembre de 1970 y febrero de 1971 en el local de ensayos de la banda, que fue transformado en estudio provisional.
Como en todos los álbumes de The Doors, la lírica tiene un papel muy importante, y este disco no es la excepción. En él encontramos la despedida de Morrison a su querida ciudad, Los Angeles ya que al poco tiempo viajó a París para no volver jamás.
L7
Banda de rock de los Ángeles. El grupo se formó en 1985. En un periodo de tres años grabaron su álbum de debut para Epitaph, telonearon en una gira a Bad Religion. En 1990 editan uno de los discos más impactantes e importantes del movimiento Sub Pop, Smell the Magic, y en 1992 Bricks Are Heavy, que supuso el primer éxito del grupo con la canción "Pretend We're Dead" (Fingir que estamos muertos).
L7, en 1988 llevaron al rock más allá de sus límites con un húmedo debut discográfico que fusionaba la cruda vitalidad del punk con riffs electrificantes y salvajes. Con su humor, sus melodías y las guitarras al máximo de volumen, ayudaron a revitalizar el género, (y el sello Sub Pop).
Los lectores de Rolling Stone, eligieron el álbum que L7 editado en 1992, "Bricks are heavy " ( producido por el entonces famoso productor grunge, Butch Vig) como uno de los 150 discos indispensables para entender la década de los 90.
En 1994, L7 editan Hungry For Stink, son cabezas de cartel del Lollapalooza de ese año y participan en el Warped Tour. En 1995 su canción "Shitlist" forma parte de la película de Oliver Stone Natural Born Killers. Dos años después editan The Beauty Process: Triple Platinum
En 1999, con la salida del grupo de la bajista Gail Greenwood, L7 grabaron Slap-Happy, su último album hasta la fecha. El grupo ha producido la mayor parte de este álbum para dejar la parte de las mezclas a Tom Rothrock y Rob Schnapf (Beck, Foo Fighters, Elliott Smith), así como a su amigo y antiguo colaborador Joe Barresi (Melvins, Rage Against the Machine, Queens of the Stone Age...). Con Slap-Happy, L7 abren una nueva etapa en su carrera donde empiezan a controlar todos los aspectos de su producción. Han montado un sello llamado, Wax Tadpole Records, y controlan todo el proceso, desde como sonara el disco a la portada, desde la promoción al marketing.
James Todd Smith III (nacido el 14 de enero de 1968) es un cantante de rap americano mejor conocido por su nombre artístico LL Cool J ("Ladies Love Cool James"). De entre sus méritos, destacamos que fue el primer artista de rap en conseguir seis discos platinos consecutivos y seis singles de oro.
Tras una infancia realmente difícil, ya que sus padres se separaron y su padre incluso llegó a tirotear a su madre, LL encontró en la música una vía de escape a sus problemas. A los 13 ya había hecho su primera grabación de estudio.
LL Cool J firmó por Def Jam en 1984 y grabó el éxito I Need A Beat. La canción era el primer éxito de Def Jam y ese mismo éxito persuadió al joven artista a dejar los estudios cuando aún no había terminado de grabar el álbum Radio, en 1985. El álbum fue muy aclamado y LL se convirtió en el pionero de lo que sería el pop-rap. "I Can't Live Without My Radio" y "Rock the Bells" fueron los singles que ayudaron al disco a ser platino muy pronto. En 1987, editó Bigger and Deffer que incluía la balada "I Need Love", fue una de las primeras canciones pop-rap en convertirse en un éxito. Aunque la crítica se dedicó más bien a ridiculizar su nuevo estilo.
Impaciente por recuperar credibilidad, sacó su nuevo álbum Mama Said Knock You Out, en 1990, del que se vendió más de dos millones de copias. El disco tuvo tres singles exitosos, The Boomin' System, Around the Way Girl y Mama Said Knock You Out, este último producido por el respetado Marley Marl.
Tras actuar en varias películas y series de televisión, lanza "Mr Smith" en 1995, un disco que llegaría a ser doble platino.
En 1996, LL también ayudó a lanzar una línea de ropa llamada FUBU. El nombre quiere decir: For Us, By Us, y se refiere a que la ropa fue hecha por gente negra para gente negra.
Después del doble platino Mr. Smith, LL no ha sido capaz de recuperar el mismo nivel de éxito monetario. En 2000, grabó G.O.A.T., que quiere decir "Greatest Of All Time". Aunque no vendió lo mismo que otros trabajos, alcanzó el número 1 en Billboard 200.
En 2002, con el álbum 10, consiguió éxito con dos singles. También colaboró en el éxito All I Have de Jennifer López, en 2003. The DEFinition, de 2004, también tuvo dos singles de relativo éxito.
El 11 de abril de 2006, LL Cool J regresó con su nuevo álbum Todd Smith, en el que colaboraron artistas como Juelz Santana, Teairra Mari y Freeway. El primer single fue producido por Jermaine Dupri y se tituló "Control Myself", junto a Jennifer López.
Su vuelta se produjo en septiembre de 2008, con Exit 13, que será su último álbum con Def Jam.
Comenzamos hablando de un instrumento muy peculiar, del que ya encontramos constancia escrita de su existencia a principios del siglo XIX, pero cuyos orígenes se remontan al siglo XVI. Se trata de una calabaza cortada por la mitad y cubierta por piel de vaca, sujeta por un aro de metal, y con un agujero donde se coloca el mástil de madera, en el que van tensadas las 21 cuerdas de las que dispone el instrumento. Son tañidas con los dedos pulgar e índice de cada mano. El aro es móvil, y permite afinar la kora en 4 posibles escalas, de 7 notas cada una. La primera impresión que da el instrumento al verlo es que se trata de una especie de arpa africana, pero quizá esté más relacionada con la guitarra española o incluso el laúd.
Este instrumento se toca en Guinea, Senegal, Malí y sobre todo, Gambia. Quienes lo tocan pertenecen a las familias Griot, que son las encargadas de conservar, mediante la tradición oral, la historia de sus pueblos, y se les llama Jali, que viene a significar algo así como trovador.
Uno de los mejores intérpretes de kora es el malí Toumani Diabaté, que participó en el disco Shongai, de Ketama, de 1988, un experimento que funcionó a las mil maravillas, y es una estupenda forma de introducirse en el dulce sonido de este instrumento.
KONONO Nº 1
Nos vamos ahora al Congo, para hablar de una banda formada por Mawangu Mingiedi, virtuoso del likembé (o piano de pulgar, instrumento hecho de varias láminas de metal colocadas sobre una caja de resonancia), hace ya más de 25 años en Kinshasa. Konono Nº 1 sería una más de las bandas que tocan música espiritual de la etnia Bazombo si no fuera porque, para conseguir que sus likembés se escucharan a mayor volumen, a Mingiedi, que fue camionero y mecánico, se le ocurrió amplificarlos con micrófonos y amplificadores hechos con imanes de alternadores de coches, alimentados con las baterías de los mismos. El resultado es que su sonido surge de estos amplificadores completamente distorsionado y saturado, de forma que suenan como una especie de Velvet Underground africana; y su música, de largos y mántricos desarrollos, gusta por igual a fans del techno y el trance como del rock experimental. Los medios especializados (Mojo, The Wire)y músicos tanto del rock como la electrónica (Matthew Herbert, Gilles Peterson, Beck) se han rendido al embrujo de este músico septuagenario.
La banda está formada por tres likembés (agudo, medio y grave), tres cantantes (que cantan a través de altavoces cónicos), tres bailarines, y los percusionistas, que también usan partes de coches, latas, etc… para fabricar sus ritmos. El productor Vincent Kenis oyó en 2006 la única grabación existente hasta ese momento de Konono Nº 1, realizada a finales de los años 70, e inmediatamente se fue a grabarlos, en directo y al aire libre, con varios micrófonos y su ordenador portátil. El resultado es su único disco hasta el momento, “Congotronics”, el primero de una serie que el sello Crammed/SSR va a dedicar a la música congoleña electrificada.
KRS – ONE
Krs - One es considerado un “true MC”, un rapper de verdad, alguien que se ha creado a sí mismo, un pionero que ha estado ahí desde los comienzos del hip hop, que continúa en activo, con un estilo único y personal; y que además se involucra personal y activamente en mantener vivo el movimiento hip hop denunciando como se desvirtúa comercial y políticamente este estilo de vida, creando asociaciones en contra de la violencia en el rap…
Su nombre real es Lawrence Parker, nació en el South Bronx de Nueva York y comenzó a rapear cuando se escapó de su casa a los 13 años. Vivía en la calle, por la mañana estudiaba por su cuenta en las bibliotecas y por la noche practicaba su rap en los refugios para los sin techo. Allí conoció al trabajador social Scott Sterling, DJ Scott La Rock, con el que formó el mítico grupo Boogie Down Productions. Su primer LP, “Criminal Minded”, los mostraba rodeado de armas, y es considerado como el primer disco de hardcore-rap y el germen del gangsta-rap.
Durante esos primeros momentos se produjo un pique entre nuestro dúo y el productor Marley Marl y su protegido MC Shan, con cruces de acusaciones, canciones no de amor precisamente de una parte a otra… Krs y Shan acabaron enfrentándose en vivo: el resultado de la batalla fue la victoria aplastante de Krs. Se dice que esta fue la primera vez que dos MCs se enfrentaron no para ver quién ponía al público más enfervorizado, sino para atacarse mutuamente.
El álbum consiguió un notable éxito. Lamentablemente DJ La Rock murió ese mismo año cuando intentaba separar a unos chicos que se peleaban. Esta muerte y la de un fan en uno de sus conciertos hizo que en 1988 fundara el “Stop The Violence Movement” y dejara de lado su faceta más agresiva para concentrarse en la más educativa. Algunos años más tarde, en el 2002, creará el Temple Of Hip-Hop, para celebrar y conservar la cultura hip-hop.
5 discos más como BDP, 11 en solitario… una historia muy larga, con sus altibajos y contradicciones lógicas, para tan pocos minutos. Sólo reseñar que tras tantos años, la música de sus últimos trabajos se había resentido un poco (no así sus letras, tan combativas y comprometidas como siempre); pero el 2007, tras 20 años desde el primer enfrentamiento, se alía con Marley Marl, su antiguo “enemigo”, y ofrecen su mejor trabajo en muchos años y uno de los mejores de esa cosecha, “Hip-Hop Lives”. Se supone que es una respuesta al título del disco de Nas de ese mismo año, “Hip-Hop Is Dead”; y acaba de publicar su último álbum hasta la fecha, Maximum Strength. Si alguno de vosotros no conoce el mundo del hip-hop a fondo y quiere adentrarse en él, una de las mejores maneras es escuchando y aprendiendo de este MC imparable e incansable.
