Ritualpedia II J
JET
Los Hermanos Nic y Chris Cester decidieron formar una banda con Cameron Muncey y Mark Wilson en el 2001, mientras trabajaban en la misma fábrica, tomando como influencia a bandas como AC/DC, Queen, The Beatles, Oasis, The Rolling Stones, The Who, The Easybeats, The Faces, Sex Pistols, The Kinks, y T. Rex. Se bautizan como Jet por la canción de Paul McCartney del disco Band on the run.
En el año 2002, la banda lanza su primer EP independenete, llamado Dirty Sweet, que fue grabado en la casa de uno de los miembros de la banda. La maqueta fue todo un éxito y el sello Elektra ofreció un contrato a la banda. El contrato con el sello permite a Jet grabar su primer disco, llamado Get Born, un gran homenaje al rock clásico que contó con la participación del legendario teclista Billy Preston, famoso por grabar al final de los años 60 con The Beatles y posteriormente con Eric Clapton y Rolling Stones. Este disco fue producido por Dave Sardy en los legendarios estudios Sunset Sound en Los Ángeles. La re-edición de este disco es publicada el 12 de abril de 2004 junto a un DVD con 5 temas en directo grabados en la sala Astoria de Londres.
El segundo disco de la banda, titulado Shine On, fue lanzado en octubre del 2006 y grabado en Los Ángeles bajo la producción de Dave Sardy, quien antes había colaborado en la producción del primer disco de la banda. Jet empleó gran parte del 2005 y del 2006 en este álbum, en estudios de Melbourne y Massachussets. El proceso de grabación culminó el 2006 en los estudios Hillside Manor de Dave Sardy. El grupo grabó 20 canciones para este disco, pero 5 fueron descartadas. El disco Shine On se lo dedicaron a su padre el cual falleció antes de que se grabara el disco. Actualmente están grabando su tercer disco, del cual no se sabe ni nombre ni fecha de lanzamiento.

jam session
La definición clásica de una jam session, se debe a George Frazier: Una reunión informal de músicos de jazz, con afinidad temperamental, que tocan para su propio disfrute música no escrita ni ensayada.
Con el tiempo, el concepto de Jam se ha acabado aplicando a otras músicas distintas del jazz, especialmente el blues, el rock e, incluso, música de origen folclórico como la irlandesa o el bluegrass.
La denominación, proviene del verbo To jam, que significa tanto estorbarse, como agolparse o espachurrar. Según algunos autores aparece a comienzo de los años 30 y el porqué se aplica en el contexto indicado tiene un origen no aclarado. Lo mismo ocurre con otros términos que se introdujeron al idioma inglés por medio de la música jazz, como hip, hep o hepcat.

Jimmy Eat World
La banda de emo, natural de Mesa, Arizona, llamada Jimmy Eat World está comprendida por los guitarristas y vocalistas Jim Adkins y Tom Linton, el bajista Rick Burch, y el baterista Zach Lind, amigos desde la infancia que comenzaron a tocar juntos a los 15 años, intentando llegar a ser como su banda preferida, Metallica.
En 1999 editarían la obra maestra “Clarity”. Excepcionalmente producido por Mark Trombino y la propia banda, “Clarity” mezclaba baladas introspectivas con punk rock cargado de distorsión, elementos pop y dosis sutiles de electrónica, para crear un álbum realmente extraordinario.
El único single del álbum que se escuchó en las radios (y después de muchos esfuerzos) entró a formar parte de la banda sonora de la película protagonizada por Drew Barrymore “Never Been Kissed”.
El álbum se caracterizaba por ser personal e intenso. Usando los instrumentos de cuerda como puentes sonoros, los loops de batería, los carillones, el piano, vibráfonos y armonías vocales especialmente trabajadas crean complejas pero claras canciones que consiguen que “Clarity” alterne entre lo hipnótico y el puro rock en la misma canción, mezclando efectos emotivos con dramáticos.
En 2001 editan “Bleed American” con el que consiguen colocarse en la cabeza del sonido "emocore", destronando a cualquier posible rival, gracias a una combinación de impresionante de electrónica, punk rock, pop y estribillos irresistibles, aptos para todo tipo de públicos.
Después de una larga y agotadora gira en apoyo de Bleed American, la banda volvió al trabajo en 2004 para comenzar la grabación de un nuevo álbum. Al inicio, la banda se juntó con Trombino, pero la colaboración duró poco. Entonces Gil Norton, que había trabajado con Foo Fighters y Pixies entre otros, sería su nuevo productor. Futures fue lanzado en octubre del 2004, con el single "Pain" que logró un moderado éxito en las radios alternativas
Después de su gira, Jimmy Eat World saca su último album. Este álbum fue producido por la propia banda, Chris Testa, y el legendario Butch Vig (Nirvana, The Smashing Pumpkins, Sonic Youth). Algunas de las canciones en el álbum, titulado Chase This Light, incluyen "Carry You", "Big Casino", y la canción "Chase This Light". Chase This Light fue lanzado en los Estados Unidos el 16 de octubre del 2007, debutando En el # 5 en el Billboard 200.

Ritualpedia II ~I~

Imagine es el segundo álbum de estudio de John Lennon y es quizás su disco más conocido por el gran público. Grabado y publicado en 1971, el álbum contiene canciones más sofisticadas, más comerciales y menos vanguardistas que en sus anteriores proyectos, como John Lennon/Plastic Ono Band. Según Lennon, la diferencia entre Imagine y sus trabajos previos era el "baño de chocolate para el consumo público", haciendo clara referencia a la multitud de arreglos de cuerda que se habían añadido a las canciones para hacerlas más fáciles de escuchar.
Los temas básicos del álbum fueron grabados en el estudio personal de Lennon, en Tittenhurst Park, mientras los arreglos de cuerda serían añadidos en Record Plant, Nueva York. Al igual que en su anterior álbum, Phil Spector se uniría al proyecto como co-productor del álbum. Durante su grabación, sería filmado numeroso material videográfico para mostrar la evolución de las canciones, posteriormente recopilado en un documental titulado Gimme Some Truth: The Making of John Lennon's Imagine.
El tema que da título al álbum, "Imagine", supuso la firma personal en la carrera musical de Lennon y se mantiene como exponente e himno de la paz mundial.
George Harrison sería invitado por Lennon para tocar en algunos temas de Imagine, especialmente en "How Do You Sleep?", el cual sirvió de plataforma para mofarse de su antiguo compañero en The Beatles, Paul McCartney, y para responder a las acusaciones vertidas por este en el álbum Ram (las primeras ediciones del álbum incluían una postal de Lennon sujetando las orejas de un cerdo, en un pose similar al de McCartney en la portada de Ram, quien sujeta a un carnero.)
Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon.
En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD.
En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

I Hate Myself and Want To Die es una canción de Nirvana. El título, que traducido quiere decir "me odio y quiero morir", fue una provocación más de la banda hacia la discográfica. Se dice que no estaban muy satisfechos por aquella época con las sesiones de grabación del disco que finalmente se llamaría "In Utero", Así que decidieron ponerle al disco precisamente el nombre de "I hate myself and I want t o die". Como supondréis la discográfica que editaría el trabajo se negó a sacar un disco con ese título, además, se daba el caso de que un joven canadiense se había suicidado tiempo atrás mientras escuchaba "Suicide Solution", de Ozzy Osbourne.
La canción en concreto, tampoco fue incluida en In Utero, pero sí que fue publicada como cara B del single Pennyroyal Tea, y dentro de la recopilación "The Beavis and Butthead Experience". Una versión demo fue lanzado en la caja "With the Lights Out".
He escogido esta canción para la ritualpedia porque para mí, significa el principio del fin de Nirvana como banda. Se dice que ya en la gira del In Utero se habían disuelto… pero esa es otra historia y debe ser contada en otra ocasión.

iPod Convertido en uno de los iconos culturales de nuestra época, el reproductor mp3 y mp4 más popular del planeta tierra, fue originalmente concebido por Tony Fadell, que no trabajaba para Apple. Fadell enseñó su idea a Apple, y fue contratado para llevar su proyecto al mercado. Fadell y su equipo fueron responsables de las dos primeras generaciones de iPod. Desde entonces, el iPod ha sido diseñado por el equipo de Jonathan Ive.
Después de 9 meses de desarrollo el iPod fue sacado a la venta el 23 de octubre de 2001, solamente para los ordenadores Mac de Apple. En el año 2002, la segunda generación fue introducida, en dos variedades: una para los usuarios de Mac, y una para usuarios de Windows. Cuando Apple dio a conocer que el iPod sería compatible con PC, al poco tiempo, se vendía un iPod cada segundo en Estados Unidos.
La única diferencia entre los dos paquetes fue la inclusión del programa para organizar la música en el iPod. Para Mac, fue incluido el programa iTunes, y para Windows, el programa Musicmatch Jukebox. Los iPods sólo funcionaban con ambos sistemas. En el 2003 Apple introdujo la tercera generación de iPod, que venía con un solo disco que instalaba iTunes en Windows, al igual que en Mac OS. Actualmente el software puede ser descargado directamente desde la página web de Apple de forma gratuita.
Microsoft lanzó en 2006 la competencia del iPod, el cual se llama Zune. Fue un fracaso absoluto.
En la actualidad, es uno de los gadgets más vendidos en el mundo. Actualmente se estima que existen 100 millones de ipods en el mundo, con más de 4.000 accesorios específicos que van desde fundas de diseño hasta sistemas de altavoces; y más del 70% de los modelos de automóviles actualmente a la venta en EEUU ofrecen conectividad con iPod.
Forma parte de la revolución digital en la música, y es punta de lanza de aquellos que defienden que se pueden unir música e internet sin caer necesariamente en la ilegalidad.
En resumen, no creo que sea oro todo lo que reluce, y sin duda un marketing bien orientado puede hacer milagros, pero lo que sí que está claro es que, dentro de unos años, probablemente se vean los ipods como otro de los iconos que identifican una determinada época, que es la que nos ha tocado vivir. Aunque los aquí presente crecimos más bien con una cinta TDK metida en un walkman.

Ritualpedia II -H-

HELTER SKELTER

Una de las canciones más famosas de los Beatles es esta ida de olla de Paul McCartney, incluida en el White Album, de 1968. Resulta que Paul leyó una entrevista que le hicieron a Pete Townshend, donde éste decía que su canción “I Can See For Miles” era lo más sucio, duro y con mayor volumen que habían hecho nunca los Who; y decidió, sin haberla escuchado, que él haría la canción con las guitarras mas sucias, las baterías más altas, etc.etc. De paso, también callaría a los críticos que le decían que sólo escribía baladas. Así que escribió una canción que era una mezcla del vértigo de bajar por un tobogán en espiral y la confusión de una huida en desbandada: eso es lo que significa “Helter Skelter”.

La primera versión que grabaron los Beatles de esta canción fue en Agosto del 68, 27 minutos de jam session más lenta e hipnótica que la que conocemos del LP. El 9 de Septiembre volvieron a grabar la canción 18 veces, en tomas de unos cinco minutos. Al final de la décimo octava toma, Ringo Starr arroja las baquetas al aire gritando: “¡Tengo ampollas en los dedos!”. Igual por eso es la toma que se incluyó en el disco.

La pieza sorprendió a propios y extraños; de hecho, cuando McCartney escuchó la canción de los Who, después de grabar la suya, la encontró bastante endeble. Ha influenciado a multitud de grupos, siendo versionada por grupos tan dispares como Hüsker Dü o U2, y se la considera un pilar básico de lo que hoy conocemos como Hard Rock. A partir de este tema los músicos que querían hacer algo más que el pop típico de la época empezaron a investigar el camino abierto por los Beatles.

La nota negativa de esta canción es que, junto a otras del álbum blanco, fueron interpretadas por Charles Manson como la profecía de una guerra apocalíptica entre blancos y negros, y se basó en ellas para planear el tristemente célebre asesinato de Sharon Tate, la mujer del director de cine Roman Polanski, y sus invitados, en casa de la actriz.

HARD ROCK

El hard rock surge a mediados de los ´60 como mezcla del rock psicodélico, el incipiente garage y el blues tocado a la manera británica por grupos como Cream, The Who o los Yarbirds, que, como todos sabemos, se distinguió por endurecer el sonido del blues americano con su instrumentación totalmente eléctrica, riffs más salvajes y ritmos más marcados. Se aplicó a los grupos que comenzaban a tocar un rock que conscientemente se alejaba del pop rock imperante y más propio de las radios comerciales, con un sonido más duro y encuadrado en las escalas pentatónicas y los doce o dieciséis compases del blues.

Por tanto, canciones como “You Really Got Me” de los Kinks, “My Generation” de los Who, o “Helter Skelter” de los Beatles, junto con la experimentación sónica repleta de feedback y distorsión que estaba llevando a cabo el gran Jimi Hendrix, y otros como Jeff Beck, se convierten en el norte de este estilo.

El hard rock no es heavy metal, aunque en el sonido de algunas bandas se mezclan ambos estilos. Digamos que son padre e hijo, y que de tal palo tal astilla. Las primeras bandas de hard rock surgen en Inglaterra, siendo Led Zeppelin y Deep Purple los que despuntan entre los demás. A éstos les suceden bandas como Queen, Aerosmith, Bad Company o Rush. Ya empieza a olerse el heavy metal, ¿verdad? Efectivamente, Alice Cooper y Kiss sacan también sus primeros discos.

Éstos son los años dorados del género. A finales de los 70, con la llegada del punk y la música disco, el hard rock pierde fuelle, aunque aparecen dos de sus más grandes bandas: Van Halen y AC/DC. Estos últimos siempre han rechazado que a su música se le llame heavy metal; quizá su música sea el mejor ejemplo para distinguir el hard rock del heavy.

Los años 80, en mi opinión, son lamentables, con bandas como Mötley Crüe, Def Leppard, Bon Jovi o Guns ´N´ Roses: tics rockeros totalmente desfasados, ombliguismo musical... A principios de los 90 la cosa mejora muchísimo, aparece el grunge, que mezcla punk con garage y hard rock: basta escuchar el “Ten” de Pearl Jam para ver la herencia del hard rock bien entendida aplicada a su música. Y por último, a principios de esta década y hasta ahora, bandas como Jet, Wolfmother, The Datsuns, Buckcherry o Velvet Revolver vuelven a recoger el testigo del hard rock más puro y llevarlo a las listas de éxito, insuflándole nueva vida a un estilo que durará mientras exista el rock´n´roll.

HALF FOOT OUTSIDE

Aprovechamos la H para hablar de uno de los grupos más prometedores de la nueva hornada indie española. Esta banda navarra comenzó su andadura musical en 1998 como un combo hardcore, y claro, acabaron recalando en el mejor sello español de ese estilo, B-Core, que tantas alegrías nos ha dado con bandas como Aina o Standstill. De todas formas, su estilo, a lo largo de los años, ha ido, no dulcificándose, pero sí madurando y derivando a un indie-rock potente y muy melódico. Pasaron al sello Astro en 2004 con su primer gran disco “Perfect from the Distance”, producido por Kaki Arkarazo y mezclado por John Agnello, que ha trabajado entre otros con Sonic Youth o Steve Wynn. Este año vemos su confirmación como uno de los grandes grupos indies españoles con el lanzamiento de su último disco, “Heavenly”. Al equipo de producción se suma la colaboración de la flor y nata del indie español, con gente de La Habitación Roja y Los Planetas, que además se deshacen en elogios hacia su música. Pero no sólo eso: Jon Auer, de los Posies, quería producir el disco; al estar ya comprometido el otro productor, iba a colaborar en una canción y ha acabado metiendo voces en 7 temas y guitarras en 3. Aquí tenéis el single “Driveways” para que comprobéis porqué despierta tantas pasiones este grupo.

Ritualpedia II G

Guns n Roses

Guns N' Roses es una banda de hard rock que nació en Los Ángeles, en marzo de 1985. El grupo estaba formado por el cantante Axl Rose, los guitarristas Slash e Izzy Stradlin, el bajista Duff McKagan, y el baterista Steven Adler. El nombre deriva de la combinación de dos bandas muy importantes en Hollywood, los L.A. Guns y los Hollywood Rose.

A partir de aquí, la historia de esta banda es un culebrón, en el que aparecen todos los ingredientes del rock, peleas, conciertos sin acabar, drogas, detenciones y un sinfín de abandonos y retornos de los componentes del grupo, de los que por cierto, solo ha aguantado el tipo Axl desde su inicio hasta el esperado Chinese Democracy el que, se supone, será su nuevo disco.

Su primer trabajo, Apetitte for destruction fue una autentica revolución en el rock, aparecio en 1987, si quereís saber mas, consultad la letra W del tomo I de nuestra ritualpedia. (Wellcome to the Jungle).
“G N” R Lies” publicado 1988, es un álbum de ocho pistas, fue criticado por el carácter homofóbico y racista de una de sus canciones. Contenía temas electricos y acústicos.
En 1991 vino el doble álbum “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II”. Durante la grabación del disco Adler fue cesado de la banda por sus problemas con la droga. La batería quedó a cargo de Matt Sorum. Los discos entraron en los lugares 1 y 2 de la lista Billboard. Los discos contenían los éxitos “Knockin’ On Heaven’s Door” de Bob Dylan y “You Could be Mine” que aparecería en la banda de sonido de Terminator 2.

En 1992, la industria de la música quedó en shock con el lanzamiento del disco de Nirvana “Nevermind” en el que se estrenaba la estética “Grunge”. En términos comparativos, los excesos de Guns ‘N’ Roses parecían vacíos y superficiales cuando se los ponía frente a la poco refiniada banda de Seattle.
En 1993 la banda respondió con un disco punk llamado “The Spaghetti Incident” que desató la polémica por una pista en la que interpretaban un tema original de Charles Manson.
En el año 2000 Rose y la nueva formación de Guns ‘N’ Roses salieron del taller rumbo a Las Vegas para una presentación de año nuevo. Esto abrió las puertas para un nuevo álbum (Chinese Democracy)que aún no ha salido, aunque se espera para algún momento de la er actual. Sin embargo, si se toma en cuenta la cantidad de productores que han ido y venido por ese disco podríamos esperar sentados.

Garage

El garage rock es una forma sencilla y cruda de rock and roll creada por varias bandas de Estados Unidos a mediados de los años sesenta. Inspirados por bandas de la Invasión Británica como The Kinks o The Who, estos grupos tocaban una variación de estos estilos de música.

Llamada garage precisamente porque la mayoría de las bandas que militan este estilo han comenzado con muy pocos medios, ensayando en el garaje de uno de los componentes del grupo. La mayor parte de las bandas utilizaban sencillas secuencias de notas octavas y quintas debido a que los amplificadores de la época poseían mucha distorsión a un volumen alto, se sobresaturaban y con el uso de esas notas, junto con una batería agresiva y unas letras pegadizas, se evitaba este problema.


Los años 80 vieron un nuevo renacer de este tipo de rock con bandas como The Fuzztones, The Chesterfield Kings o The Cynics; coincidió con un resurgimiento del surf rock, todo lo cual confluyó en el rock alternativo y el futuro grunge, que, según algunos, fue en parte influenciado por el rock de garaje que se hacía en Seattle a manos de The Sonics o The Wailers.

El rock de garaje y el garage punk coexistieron a lo largo de los 90 hasta ya entrados los 2000 gracias a multitud de sellos discográficos independientes que lanzaban miles de discos de bandas que tocaban varios estilos de rock and roll primitivo. Algunos de los sellos discográficos independientes más prolíficos fueron Estrus, Rip Off, In The Red, Telstar, Crypt, Dionysus, Get Hip, Bomp! y Sympathy for the Record Industry.

A fines de los años 90, Steven van Zandt ("Little Steven"), se convirtió en portavoz y defensor del rock de garaje promoviendo conciertos y festivales por todo Estados Unidos y, además, en el año 2002 inició un programa de radio llamado Little Steven's Underground Garage.

A principios de la década del 2000, algunas bandas de rock de garaje adquirieron presencia en los grandes medios y cobertura en la radio comercial, éxito que faltó a las bandas de rock de garaje en el pasado. Este nuevo impulso fue dado, en primer lugar, por: The Vines, The Strokes, The Hives y The White Stripes; estos últimos provienen de la destacada escena garajera de Detroit.

El General

Edgardo Franco mejor conocido como "El General" nació el 27 de Septiembre, en la ciudad de Panamá. A los 12 años, Edgardo empezó a escribir canciones inspirado en la situación social de su barrio y sus propias vivencias, les añadía melodías y luego las grababa en cassettes, que después distribuía a los conductores de transporte colectivo para que los pusieran, en sus rutas, y así llevar su mensaje a la comunidad. Un amigo de su infancia, que estaba en la armada, le dio su primer uniforme, naciendo así su seña de identidad que lo caracteriza, luego un productor Jamaicano, le ofreció grabarle su primer tema,"Tu Pum Pum" grabado en Español pero su lanzamiento fue en el mercado Americano. Su primer álbum "Estas Buena" que incluía su segundo hit "Te Ves Buena" fue Multi-Platino.

Con su tercer Hit "Muévelo" se une al gran sello BMG. Este Nuevo disco le gano el premio MTV International's Latín video of the Year. "Muévelo" fue el primer video en Español que se vio en MTV Americano. El General también tuvo el placer de recibir por primera vez en la historia de Billboard el premio "Best Latín Rap Artist" la cual gano cinco años consecutivos. Más impresionante es que el premio fue especialmente creado para él por su gran éxito.

Extraido de su web oficial:
“Personas de todas las edades, disfrutan la música de El General pero la Juventud lo a proclamado como un héroe, muchos de ellos imitan su manera de cantar y su exquisita forma de bailar”.

Escaleta Lunes 24 de Noviembre de 2008

Ritualpedia II ~F~

Faith No More 

 Quizás uno de los grupos que más influyentes en el rock de nuestros días, y uno de los menos conocidos por el gran público a este lado del Atlántico. Formado en San Francisco en el año 1982,  no fue hasta la llegada del vocalista Mike Patton, en 1989, cuando se consagraron como mega-banda de rock, al dar un giro a su sonido. Su evolución fue constante, y Mike Patton lo utilizó como laboratorio de experimentación, pasando por el thrash metal, el heavy metal, el funk, el rock progresivo, el soul, el hip hop y el jazz.

El nombre del grupo tiene su origen en la expulsión del mismo de su fundador, Mike "The Man" Morris que lo llamó Faith No Man. Un año después, Mike Morris fue expulsado, entonces, un amigo de la banda dijo: The Man was no more, literalmente "No estuvo más el hombre", haciendo referencia a que habían echado a Morris, al que apodaban "The Man". De modo que tomaron ese juego de palabras y sustituyeron "The Man" por "Faith", y la banda se quedó como "Faith No More".

En 1985 lanzan su primer álbum, titulado We Care a Lot. En 1987, tras haber firmado contrato con Slash Records, lanzan su segundo álbum: "Introduce Yourself".

En 1989, aparece Mike Patton del grupo Mr. Bungle. El cambio se notaría. Ese mismo año, lanzan su tercer disco, llamado "The Real Thing". Gracias al single "Epic", y su gran circulación en el canal musical MTV, Faith No More gana fama y reconocimiento mundial. A finales de 1990, The Real Thing ya era disco platino en Estados Unidos.

El álbum fue un éxito de crítica, y, tras ello, la banda salió de gira con Metallica, actuando ante grandes audiencias.

En 1992 lanzan el disco "Angel Dust" que incluye entre sus temas, el cover de The Commodores, "Easy" el cual le brindó una apertura a un espectro más amplio de audiencias.

En 1995, se edita un álbum titulado "King for a day fool for a lifetime", un disco que los expone a un espectro aún más amplio y popular.

Tras ello, lanzan el que sería el último disco de estudio, llamado "The album of the year", que marca el fin de una banda que ha marcado a muchas generaciones y que indiscutiblemente ha influido a gente como System of a down, Audioslave, o Foo Fighters entre otras muchas.

Fanzine 

Para los que no hayan escuchado esta palabra nunca, un fanzine es una publicación temática amateur realizada por y para aficionados. Su nombre proviene del inglés: FAN de 'FANático' o 'aficionado' y ZINE de magaZINE, 'revista'). El termino empezo en octubre de 1940 con el fanzine de ciencia ficcion de Russ Chauvenet, que se popularizo por temas de ciencia ficción.

Por experiencia de algunos (o de todos) los miembros de este programa, podemos decir que el desarrollo de esta actividad no suele ir acompañado de intereses económicos, y al depender del tiempo y el esfuerzo desinteresado de sus creadores, no suelen durar mucho.

Los problemas endémicos de los fanzines son: su dependencia de las ganas desinteresadas de sus colaboradores, en un trabajo no remunerado que debe obtenerse del tiempo libre; y sus problemas para distribuirse llegando a su público potencial. Sus ventajas indiscutibles es contar con grandes especialistas en su materia, publicando de forma libre y directa sin ataduras ni intereses para con terceros.

Actualmente, medios como Internet y la facilidad para maquetar en HTML han facilitado la distribución y el formato, por lo que la edición de fanzines se ha extendido a la red. Este tipo de fanzines electrónicos se denomina ezine. Muchos de los blogs que tanto éxito tienen hoy en día, no son más que fanzines del siglo 21.

Flow 

Flow quiere decir "flujo", y para los no iniciados, en el mundo del rap y del hip hop, dicho término se usa para definir la capacidad del MC (o sea, del que rapea), de crear y mantenerse fluido en base a algo, generalmente el ritmo que marca el dj, o alguien haciendo beat box, por ejemplo. Digamos que sería la forma de rapear del MC, ya que además de ser una habilidad, el flow también es un sello reconocible, es, en algunos casos como la firma, la identidad del MC.

Los parámetros básico a tener en cuenta en un flor, serían el no trabarse durante una improvisación, haber concordancia entre las rimas y lo que se esta diciendo, o que el tempo de la voz debe ir acompañando al tempo que marca el dj.

En la historia del hip hop y del rap, hay artistas con flows realmente reconocibles. Sería el caso más claro el de Busta Rhymes, Beastie Boys, The Streets, mi favorito Method Man, o el amigo Eminem.
  

Ritualpedia II -E-

ECHO & THE BUNNYMEN

Muchos hablan de Joy Division como el grupo más influyente de la escena post-punk inglesa. Quizas sea así, pero la medalla de plata se la lleva sin discusión Echo & The Bunnymen. Desde Liverpool, el trío compuesto por Ian McCulloch, Will Sargeant y Les Pattison comenzó a tocar en directo con una caja de ritmos a la que llamaban Echo. Tras grabar su primer single entró como batería Pete De Freitas, y de la caja sólo quedó el nombre.  De sus coetáneos les distinguía sus influencias musicales (principalmente de los años 60: desde los Rolling Stones y The Beatles hasta David Bowie, The Velvet Underground, Iggy Pop, The Doors o Leonard Cohen) y el lirismo y melancolía de sus letras; la música, sin llegar a lo gótico o la oscuridad de The Cure o Joy Division, combinaba el pop con arrebatos eléctricos y pasajes más rugosos; sin olvidar, por supuesto, los dos rasgos distintivos del grupo: la imaginativa y caleidoscópica guitarra solista de Sargeant y la inconfundible e hipnotizante voz de McCulloch.

Desde su primer disco, el excelente “Cocodriles” (1979), hasta su momentánea disolución en 1987, debida a la muerte de De Freitas, en su discografía destacan dos maravillosos álbumes: “Porcupine” (1983) y “Ocean Rain” (1984), que son el anverso y el reverso de su sonido: de la electricidad y la fiereza del primero pasaron en un año a la orquestación y la ternura del segundo. Entre los fans del grupo se encuentra Flea, que recordando su juventud comenta con cuánta expectación vivió la llegada a California de una de sus bandas favoritas para presentar “Porcupine” y cuánto le influyó ese concierto. Por otro lado, es rara la lista que se refiera a los mejores álbumes del siglo XX que no incluya a “Ocean Rain” entre los 50 mejores.

Lo que da una buena medida de la calidad de esta banda es que, tras 10 años de separación y con varios proyectos en solitario, decidieron unirse de nuevo para grabar otro disco, “Evergreen” (1997) (con el consiguiente miedo y desconfianza de los fans; cuántas bandas han enfangado su duramente ganado prestigio con una simple gira de reunión); pues bien, no sólo ese disco mantiene su nivel y los sitúa como si no hubiese pasado una década desde su anterior disco, sino que 11 años después la banda continúa editando discos, algunos excelentes (como el reciente “Siberia” (2006)), girando por todo el mundo y ganando nuevos adeptos.

Es facil seguir la influencia de Echo & The Bunnymen en grupos como The Killers, Arcade Fire, Editors, Doves, The Dears, Interpol (escuchen “The Cutter”) o, por supuesto, Coldplay, el grupo que mejor ha adaptado la música de The Bunnymen a su propio estilo; es imposible oir “Nothing Lasts Forever” y no acordarse de “In My Place”.

E-BOW

Para todos aquellos que os preguntáis si tal o cual guitarrista usa 80 pedales más 400 efectos para conseguir esos sonidos de guitarra que hacen que parezca cualquier cosa menos una guitarra eléctrica, os vamos desvelar un truquillo bastante curioso y efectivo: el e-bow. Ésta es una abreviatura de electronic bow, que podemos traducir como arco eléctrónico, ya que la intención de este aparato, que funciona a pilas y cabe en la palma de la mano, es reproducir en las cuerdas de la guitarra el efecto que produciría un arco de violín, por ejemplo, mediante el campo electromagnético que emite. Fue inventado en 1969 por Grez Heet, y funciona de la siguiente manera: al girarlo sobre las cuerdas produce distintos tonos, además de aumentar o disminuir la intensidad del sonido al acercarlo o alejarlo a las mismas. En posteriores mejoras han conseguido que también produzca sonidos armónicos, no sólo la nota básica.

No sólo se puede usar en instrumentos eléctricos; también funciona en acústicos, pero la respuesta sonora que se obtiene es mucho menor.

Hay múltiples ejemplos de guitarristas que han usado este aparato en alguna de sus canciones, pero, por poner un ejemplo curioso, os diremos que todo lo que no os suene a guitarras, sino a teclados y sintetizadores en el disco Mer De Noms (2000) de A Perfect Circle, está hecho en realidad con guitarras eléctricas y un e-bow.

THE EVERLY BROTHERS

Vamos a hablar ahora del dúo con las voces más armónicas de la historia de la música, y uno de los principales culpables de que el rock´n´roll sea lo que hoy es. Pertenecen al grupo de bandas, junto a Buddy Holly o Roy Orbison, que por su imagen, algo más recatada que la de otros artistas, y por su música, más melodiosa que la del resto, consiguieron que quien veía peligroso a Eddie Cochran o Gene Vincent aceptara que sus hijos escucharan rock´n´roll (lo que no quiere decir que no fueran verdaderos rockers). Lo que caracterizaba a Phil y Don Everly era la fuerte influencia del country en su música; los padres de los dos hermanos eran músicos de este estilo y esto los llevó a actuar desde muy temprana edad. Cuando llegaron a la adolescencia ya eran músicos experimentados y comenzaron a intentar encontrar un hueco en el mercado musical. Sus comienzos no hacían presagiar el tremendo éxito que alcanzarían después; sus primeras grabaciones no consiguieron ninguna repercusión, hasta que Wesley Rose se hizo cargo del dúo como manager. Les consiguió un contrato con el sello Cadence y registraron en 1957 su primer éxito, “Bye Bye Love”, una canción compuesta por el matrimonio Felice y Boudleaux Bryant (que surtiría de excelentes canciones a los dos hermanos en el futuro) y que fue rechazada por varios cantantes antes de que la aceptara nuestro dúo. El éxito fue increíble: top 3 y un millón de copias vendidas en USA, y top 5 en UK, actuaciones en la incipiente televisión, giras… Parte del secreto del éxito de los Everly se basaba en el uso de sus guitarras acústicas; las tocaban de forma tan cruda que conseguían un efecto inédito hasta entonces; y por supuesto, en sus espectaculares voces, conjuntadas de manera increíble. Escuchar este tema y no reconocer la influencia que tuvo en bandas como los Beatles es imposible.

Durante 3 años consiguieron éxito tras éxito, cada nueva grabación era un hit seguro: “All I Have To Do Is Dream”, “Wake Up, Little Susie”, “´Till I Kissed You”… Dejaron el sello Cadence en 1960 para ser el primero de los fichajes de una nueva compañía que empezaba por aquel entonces, la Warner Bros., que se los agenció por una suma increíble por aquel entonces, algo más de un millón de dólares. La aventura comenzó bien, con el mayor éxito de su carrera, “Cathy´s Clown”, al que siguieron otros como “So Sad”, “Temptation” o “Crying In The Rain”; pero la ruptura con su manager, ingresar en los marines, el cansancio producido por interminables giras a ambos lados del Atlántico y algunos temas que no alcanzaron el éxito deseado hicieron que su relación se deteriorara y las grabaciones se espaciaran en el tiempo, reforzando además su faceta country, que aunque aumentó la calidad de las canciones y encantó a la crítica, les alejó de los posiciones de éxito. En 1973 decidieron separar el dúo y comenzar carreras en solitario, discretas aunque sobradas de calidad, hasta que un concierto en 1984 los reunió de nuevo y grabaron un nuevo disco. Desde entonces sus apariciones han sido más que esporádicas, retirándose cada uno de los hermanos a sus respectivos negocios.

Sus canciones están grabadas en el imaginario colectivo de todos los que aman la música; se mantienen jóvenes y frescas porque son grandes canciones, bien construidas y magníficamente interpretadas; y aunque no lo sepáis, alguna vez habéis escuchado alguna canción de los Everly Brothers, se ha quedado en vuestra mente para siempre, y sobre todo, seáis heavies, hip-hoppers, techno heads o góticos, OS GUSTA MUCHÍSIMO.

La banda de rock chiclanera Echovolt viajará a Normandía para presentar su nuevo disco ‘In Control'. La formación compuesta por los hermanos Andrade, Carlos, Pedro y Antonio -vocalista, bajo y guitarra-, respectivamente, además de Daniel Tocino -batería- tiene previsto actuar en las ciudades de Cherburgo-Octeville y Brehal entre los días 18 y 24 de noviembre.


Será al norte de Francia donde la banda chiclanera presente los temas compuestos por Echovolt y producidas por Colin Preston y Javier de la Rosa, contando con los arreglos en las letras de Jayne Preston. A finales del mes de noviembre será cuando Echovolt presente su nuevo trabajo en la localidad de Chiclana.

Ya a la venta las entradas para ver a Oasis en los dos conciertos que darán en España

La banda británica visita España dentro de la gira mundial de presentación de su séptimo álbum Dig Out your Soul, que les llevará a Canadá, Reino Unido, Mexico y EEUU. Desde ésta semana, pueden adquirirse las entradas para acudir al concierto del día 12 de febrero en Madrid y el 13 en Badalona, a través de Iguapop, Servicaixa y Tic Tac Ticket

Parece que la vuelta de los británicos coincide con una etapa muy creativa y fructífera musicalmente, ya que han anunciado que tienen ya avanzado su próximo trabajo, según ha anunciado Noel Gallagher, guitarrista de la banda, a la revista especializada Billboard. El mayor de los siempre polémicos Gallagher, ya ha escrito el que será el siguiente álbum de la banda, algo que comenzó a hacer durante el proceso de mezcla de Dig Out Your Soul, en Los Ángeles

Lo que no desvela es cuándo podrán grabar y lanzar el nuevo trabajo. "Depende de lo que la gente quiera hacer. Ocurrirá cuando tenga que ocurrir. Trabajamos según nuestro propio horario", afirmó el británico, que recalcó su firme intención de publicar un disco en solitario en un futuro.

DVD de Smashing Pumpkins

Smashing Pumpkins sigue en marcha tras su retorno discográfico y a los escenarios y ya tienen listo un DVD, “If All Goes Wrong”: un documental y concierto que recoge imágenes de los once conciertos que realizaron en el Filmore Auditorium de San Francisco el pasado julio de 2007. El DVD se edita el 11 de noviembre. Más información en www.smashingpumpkins.com.

Led Zeppelin busca un nuevo cantante para su próxima gira.

El grupo Led Zeppelin piensa ya en la grabación de su nuevo disco y en una próxima gira, por lo que han empezado a buscar un nuevo cantante capaz de sustituir a Robert Plant, quien ha decidido excluirse de este nuevo proyecto.

Jones explicó que los tres -él mismo, el guitarrista Jimmy Page y el batería Jason Bonham, hijo del malogrado John Bonham- no buscan una réplica de Robert Plant.

"Pensamos en un disco y una gira, pero tenemos que estar todos", dijo Jones, quien calificó de magnífica la actuación en el O2 Arena de Londres, el pasado 10 de diciembre, donde volvieron a tocar y repasar algunos de sus clásicos, como Starway to Heaven o Whole Lotta Love.

Escaleta Lunes 3 de Noviembre de 2008

Escaleta Lunes 27 de Octubre de 2008

Ritualpedia II ~D~

Diesel and Dust

Diesel and Dust es el sexto álbum del grupo australiana Midnight Oil, publicado en 1987 por el sello CBS. Para mi es el disco imprescindible de The Oils, que es como llamamos los fans a esta increible banda. Precedido por el disco Red Sails in the Sunset, Diesel and Dust apoya la lucha de los aborígenes australianos por la recuperación de sus derechos sobre la tierra del continente australiano y defiende diversas causas medioambientales, temáticas éstas muy recurrentes en las letras de Peter Garrett. Se editó a continuación de la gira Black Fella White Fella, realizada con la Warumpi Band en 1985 a través de comunidades indígenas australianas remotas. De hecho, se dice que el ritmo de la canción Beds are Burning está inspirado en el ruido que hacían las ruedas de sus coches en las pistas de barro existentes en las regiones por las que pasaron durante esta gira.

Un disco que según la revista Rolling Stone es el numero 13 entre los 100 mejores discos de la decada de los 80, no puede sino contener una batería importante de temas bien conformados. Prueba de ello es que temas como The Dead Heart, se ha convertido en todo un símbolo en Australia, tras ser empleada para el documental sobre el retorno de los aborigenes a Uluru (conocido como Ayer`s Rock). Otros temas como Beds are Burning han sido singles reconocidos internacionalmente, y es canción de culto que asoma incluso a las pasarelas de moda. LA canción llamada Gunbarrel Highway, en cambio, no se incluyó en la versión estadounidense del álbum, al parecer porque una de sus estrofas, "shit falls like rain on a land that is brown" ("la mierda que cae sobre tierra marrón lo hace como si fuera lluvia"), fue considerada demasiado fuerte para el oyente medio estadounidense.

Un apunte, durante la gira de Diesel and Dust, Midnight Oil sufrió una inportante baja, la de Peter Gifford, que fue sustituido por Dwayne “Bones” Hillman.

1ª estrofa de The Dead Heart (www.deadheart.org.uk fansite)

We don't serve your country
Don't serve your king
Know your custom don't speak your tongue
White man came took everyone

DRO

Discos Radiactivos Organizados (DRO) es un sello discográfico español fundado en 1982 por Servando Carballar, líder del grupo de tecno pop Aviador DRO.
En un principio fue creado para autoeditar sus discos, pero gracias al éxito inicial del sello empezaron a editar discos a Extremoduro, Siniestro Total, Glutamato Ye-Yé, Gabinete Caligari, Loquillo, Los Nikis, Nacha Pop, Decibelios, Alphaville y a otros grupos de la Movida. De este modo se convierte en la primera compañía independiente de España.
Tras varias fusiones con otros sellos como GASA, Tres Cipreses o Twins, en 1988 el grupo abandona la compañía, para más tarde, en 1992, venderla a la multinacional Warner Music International. Se crea así la actual compañía Dro East West.

Def Con Dos

El grupo nació de un primer embrión llamado Freddy Krueger y los Masters del Universo que fue un grupo efímero que formaron a instancias de Julián de Siniestro Total para tocar la noche del 5 de enero de 1989 en un bareto de Vigo (Galicia) llamado El Manco. Con "Freddy Krueger y los..." hacían versiones de Public Enemy, Beastie Boys y RUN D.M.C. pero ningún tema propio.

Catalogar la música de los Def Con Dos, es practicamente imposible. Pero lo que si se puede catalogar son sus letras, auténticas gamberradas fielmente aclamandas por los comandos que rodean a esta banda, como la Agrupación de Mujeres Violentas, grupo de voluntarias seguidoras del grupo.

En el año 92 mientras algunos de sus miembros trabajaban en un bar del barrio de Malasaña, Madrid, apareció por allí Alex de la Iglesia diciendo que iba a rodar su primer largometraje llamado Acción Mutante y que quería que hiciéran un par de canciones para su banda sonora. Estos temas fueron un rotundo éxito para una, hasta entonces, desconocida banda, pero pese a su participación en Acción Mutante, nadie se arriesgaba a grabarles un nuevo disco. Finalmente, Eugenio Muñoz, dueño de los estudios BOX, se atrevió a financiar la grabación de lo que sería Armas pal pueblo, el que es, sin duda, disco imprescindible de Def Con Dos.

En lo tocante a los andaluces, en el año 94 montaron una gira de clubs junto con el grupo granadino Lagartija Nick por toda España que titularon "Gira de apoyo a la Vasectomía". La gira funcionó y demostró que el grupo empezaba a crecer pero por diferencias con el mánager se independizaton y comenzaron a trabajar solos.

Sus discos:

Dogmatofobia / DroAtlantic: 2004
Dogmatofobia / Dro East West: 1999
De Poca Madre / Dro East West: 1998
Ultramemia / Dro East West: 1996
Alzheimer / Dro East West: 1995
Armas pal pueblo / Dro East West: 1994
Tercer Asalto / Dro East West: 1991
Segundo Asalto / Dro East West

Temas Imprescindibles: Acción Mutante, Ciudadano Terrorista, Tuno bueno, tuno muerto, Los reyes son los padres, Strawberry

Fragmento de su Primer Manifiesto, marzo de 2004

Fracasados, superados, perseguidos y sabiéndose perdedores de antemano, DEF CON DOS, EL ESCUADRÓN DE LAS SOMBRAS y LA AGRUPACIÓN DE MUJERES VIOLENTAS, sacan fuerzas de flaqueza y se reorganizan para acometer un último asalto músico-etílico-surrealista contra las ciclópeas murallas del estado del memoestar en un intento desesperado por dejar claro que no estamos de acuerdo con nada de lo que pasa a nuestro alrededor.

Ritualpedia II ~C~

"Come as You Are" es la tercera canción del álbum Nevermind, de Nirvana y fue lanzada como single en 1992. Como en Ritual de lo Habitual damos por sentado que la mayoría de la audiencia estará empollada a saco sobre temáticas roqueras varias, vamos a pasar de hablar de la biografía de Nirvana, o del disco que cambió el curso de la música rock para centrarnos en la canción, en Come as you are.
Las letras de Nirvana siempre fueron bastante crípticas, por lo que buscar un sentido literal a sus canciones, en la mayoría de los casos es un error y una pérdida de tiempo. Come as you are es un collage de versos en los que parece que se tratan varios temas. Por el lado optimista (raro en kurt), Come as You Are le da la bienvenida al oyente «como amigo». La canción tiene el tema general de la aceptación, invitando al oyente a hacer lo que el título dice («Ven como eres»). Sin embargo, también contiene un ligero aire de sospecha por el encuentro, particularmente cuando dice «And I swear that I don't have a gun», («Y juro que no tengo un arma») que es repetida varias veces.
Los versos «Come dowsed in mud... soaked in bleach», hacen referencia a una campaña en San Francisco (California) a finales de los años 80. La campaña estaba dirigida a los usuarios de drogas intravenosas, a los cuales la ciudad les pidió desinfectar (bleach) sus agujas para reducir el riesgo de contraer enfermedades.
En cuanto al vídeo musical que sirvió para vender el single y el disco, nos muestra a la banda en un salón oscuro, de una aparencia gótica; además, un chorro de agua cayendo por un cristal delante del grupo dificulta ver las caras de sus integrantes. Además, se puede ver a Cobain colgado de un candelabro con su guitarra, y a pesar de que estaba asegurado con correas, le dio un pánico tremendo y naúseas por el movimiento (y por su enfermedad crónica) a tal grado, que estuvo enfermo varios días.
Otra controversia que rodea a ésta canción es la relacionada con la banda británica de post-punk Killing Joke, que alegó que el famoso riff de guitarra de Come as You Are era un plagio del riff de su sencillo Eighties. En una entrevista, Jaz Coleman (cantante de Killing Joke) dijo que no demandó al grupo porque los miembros de Nirvana le confesaron abiertamente que ellos habían tomado el riff, y que eso era lo único que él quería escuchar.
Posteriormente, Dave Grohl, tocó la batería en el decimotercer álbum de Killing Joke, y grabó con su propio grupo, Foo Fighters, una versión de la canción Réquiem, también de Killing joke.
Como última curiosidad, en el pueblo de origen de Cobain, Aberdeen, se colocó en 2005 un cartel que reza "Welcome to Aberdeen - Come As You Are".

Cadillac Solitario. Probablemente una de las canciones en castellano más cantadas por gargantas borrachas en la historia de éste país, junto al “Asturias patria querida”, “me subí a la reja” y esa canción que tan bien habla de una cabra que, de tanto comerciar con su cuerpo, acabó falleciendo.
El Cadillac está incluida en “El ritmo del garaje”, publicado en 1983, y que es el primer álbum de Loquillo y Trogloditas, tras dar por finalizada su etapa junto a Los Intocables.
Nos pese o no, el Cadillac es uno de esos himnos de juventud etílica y melancólica que ha acompañado a varias generaciones de chavalerío en sus correrías de juventud.
Todos los que nos encontramos entre los treinta y cuarenta años nos hemos imaginado alguna vez borrachos, despechados y apoyados en un Cadillac de segunda mano junto al Mervellé, con la ciudad a los pies y en la ladera del Tibidabo. Incluso los que no sabemos qué es eso del Mervellé, o no hemos visto el Tibidabo tenemos en la boca el sabor de ese Martini que nos ha hecho recordar que nuestra amada nunca nos volvió a llamar. Y es que todos llevamos un romántico dentro, porque además hace un momento que nos ha dejado la última rubia que vino a probar el asiento de atrás. Y dice la gente que ahora eres formal. Y yo aquí borracho en el Cadillac. Qué maravilla!!
Porque, quién no ha gritado alguna vez eso de NENAAAAAAAAAAAAAAAAAA!!!!!!!!!

Chaos A.D. es el quinto álbum publicado por la banda brasileña de thrash metal Sepultura en octubre de 1993 en el sello Roadrunner Records. Es quizás el disco que supone el cambio de estilo de los hermanos Cavalera y los suyos, y a la vez el salto de Sepultura a los grandes mercados internacionales. Se inventa lo que la crítica aburrida llamó el groove metal, que como siempre, provocó una división de opiniones entre los seguidores de la banda: mientras que algunos pensaban que con su nuevo sonido se habían vendido, otros aceptaron este cambio de rumbo.

En este disco hay joyitas como "Kaiowas" es un tema acústico de corte étnico, que se convirtió en todo un espectáculo en las actuaciones en vivo de la banda al incorporar enormes secciones de percusión e invitando a otras bandas para tocar la canción juntos. En cuanto al resto de temas, todos altamente recomendables,  Jello Biafra, vocalista de Dead Kennedys, colaboró en "Biotech Is Godzilla", mientras que Evan Seinfield de Biohazard y hombre al que envidio profundamente por ser el marido de quien es (si queréis saber “de quien”, podéis investigarlo y os aseguro que os va a gustar), hizo su aparición en "Slave New World". Además, el tema "The Hunt" es una versión del tema del mismo nombre de New Model Army. Por su parte, la canción "Manifest" habla acerca de la masacre de Carandiru, un motín en la prisión de Carandiru de Sao Paulo, Brasil, en el que murieron 111 presos.

En resumen, un disco imprescindible si os gusta la caña y un grupo cuya historia explica mucha de la música que podemos escuchar hoy en día. Slipknot, Ill niño, y otras muchas bandas han bebido del manantial que Sepultura descubrieron.

Ritualpedia II ~B~

THE BLUES BROTHERS

Lo que empezó siendo un proyecto de dos humoristas para el famoso programa de humor estadounidense Saturday Night Live a finales de los años 70 acabó convirtiéndose en un revival de blues y soul que volvió a situar en primera línea a artistas como Aretha Franklin, John Lee Hooker o Ray Charles.

John Belushi y Dan Aykroyd se conocieron en los castings para el show y comenzaron a intercambiarse la música que ambos escuchaban. John venía del rock y el heavy-metal, pero tras escuchar los discos de blues de Dan decidió que debían formar una banda de blues. El nombre lo proporcionó el director de la banda de directo del programa, que acompañó a los dos actores hasta que formaron la Blues Brothers Band; y respecto a su inconfundible indumentaria, el sombrero y las gafas de sol los copiaron de la portada de un disco de John Lee Hooker, y el traje y la corbata vienen inspirados por la forma de vestir de los músicos de los 50 y 60, que pretendían así parecer hombres de negocio y no músicos, para evitar rechazos sociales; además de un guiño a los “Men In Black”

Las primeras actuaciones de John y Dan fueron en pequeños clubes, no tenían claro cómo dar el salto a audiencias más grandes; de hecho, su primera actuación en el programa la hicieron disfrazados de abeja. Pero cuando decidieron comenzar con la banda de forma seria, consiguieron reunir a grandes músicos de soul para formarla, como Steve Cropper y Donald “Duck” Dunn, guitarra y bajo respectivamente de la mítica banda del sello Stax, que grabaron para Aretha Franklin, Otis Redding o Wilson Pickett; o Matt “Guitar” Murphy a la guitarra solista.

El primer disco que publicaron fue un directo, “Briefcase Full Of Blues” en 1980, del que editaron como single una versión de la canción de Sam & Dave, “Soul Man”. El éxito que obtuvieron fue tan inesperado como arrollador, vendiendo 3 millones y medio de copias y llegando el single al nº 1 en las listas.

Tras el éxito, decidieron hacer junto con el director John Landis una película sobre el grupo, The Blues Brothers, que hizo que su fama llegara a todas partes del mundo; pero la banda sonora, a pesar de incluir a gente como Ray Charles, James Brown o Aretha Franklin, vendió menos que su predecesor; más tarde se publicó otro directo, “Made in America”. Sus pobres ventas hicieron que John y Dan decidieran aparcar el proyecto momentáneamente.

La muerte de John Belushi en 1982 por sobredosis hizo que se truncara el proyecto de una segunda parte de la película; pero la banda ha continuado hasta nuestros días con cantantes como la leyenda del soul Eddie Floyd, tocando en directo de forma continuada y publicando discos esporádicamente. Por otro lado se filmó una secuela, “Blues Brothers 2000”, con John Goodman sustituyendo a Belushi, pero que no hace justicia en absoluto a esta banda que volvió a llevar el blues y el soul al gran público en un momento en el que estas músicas no estaban en su mejor momento.

THE BUG

The Bug es el alias que Kevin Martin usa para uno de sus múltiples proyectos, y en el que está más centrado en estos momentos. Kevin Martin es un músico londinense, amén de productor, crítico musical y propietario del sello Pathological Records, que desde hace más de 10 años reparte su tiempo entre bandas de dub, free jazz y hardcore, hip hop industrial y dubstep (The Bug). Su banda más conocida hasta el momento ha sido Techno Animal, con Justin Broadrick, que perteneció a Napalm Death y milita ahora en Godflesh y Jesu, y con quien practica un hip hop industrial al que se han unido ocasionalmente gente como Anti-Pop Consortium o Vast Aire; además ha remezclado a gente como Thom Yorke o Primal Scream.

Como The Bug, Kevin Martin se mueve entre el dub, el dancehall, el noise, el hip-hop y el techno. Resultado: el dubstep que ha plasmado en su disco London Zoo, editado en Ninja Tune este año. Este proyecto lo comenzó con DJ Vadim en 1997, para hacer una banda sonora alternativa a la película de Coppola “The Conversation”. Tras esto, Martin ha usado el seudonimo de The Bug para mostrar su pasión por el dub y lanzar todos los experimentos sonoros que ha realizado junto a toasters o cantantes de reggae desde el 2001, con lanzamientos esporádicos que han servido de preparación para un disco que va a ser de lo mejor que vayáis a escuchar este año. Junto a toasters como Tippa Irie, Warrior Queen, Ricky Ranking o Flowdan, Martin ha unido a la perfección la denuncia del reggae, la oscuridad densa del dubstep y la precisión rítmica del techno. El resultado es un contundente disco que esperamos tenga continuidad en el futuro, porque gracias a The Bug el dubstep puede empezar a trascender sus fronteras underground sin perder un ápice de su autenticidad.

Comienza el Proyecto Peterson !!!

Querida audiencia, como ya sabéis, hemos comenzado un disparatado proyecto para convencer a los señores de Cuatro Televisión de que incluyan en su parrilla de programación la que, sin duda, es la mejor serie humorística de todos los tiempos, Búscate la Vida.

Acabamos de abrir un Blog paralelo a este de Ritual de lo Habitual, para tratar el tema con mas profundidad, en él encontraréis enlaces sobre la serie, videos, así como toda la información sobre las iniciativas que vayamos tomando. Todo sea por disfrutar una vez más de esta serie de culto, que mucho tiene que ver con la música de Ritual, ya que su banda sonora contaba con grupos de extraordinaria factura, tales como REM. Animo !!!

[Enlace al Blog del Proyecto Peterson]

Escaleta Lunes 20 de Octubre de 2008

~ Entrevista a Vetusta Morla ~

Por si no puedes esperar...

Enlace para descargar nuestra entrevista a Vetusta Morla

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Esta semana... Entrevista Exclusiva a Vetusta Morla

TOMO II, ~A~

Vuelve la ritualpedia, regresa en su edición tomo 2 temporada 2008-2009. En ella intentaremos mostrar el índice musical de nuestras vidas, intentaremos recomendaros grupos, estilos, instrumentos y cosas varias relacionadas con el rock. Y con el rock estaban relacionadas las tres palabras con las que iniciamos el anterior volumen. Esas palabras no eran otras sino AC/DC, Alcohol y Amplificador. Para esta entrega, cuyas tapas regalaremos junto con una de esaladilla, empezaremos con…

Alice in Chains

Alice in Chains se formó oficialmente en el año 1987, cuando el baterista y cantante Layne Staley y el guitarrista Jerry Cantrell se conocieron en una fiesta y decidieron formar una banda, ya que compartían gustos musicales y habían estado tocando en bandas de glam metal, estilo predominante en la época. Al poco, Cantrell se topó con el bajista de Gipsy Rose, Mike Starr, quien aceptó la oferta de entrar en la banda. Por último, sólo quedaba vacante el puesto de batería, para lo cual se reclutó a Sean Kinney, quien estaba saliendo con la hermana de Starr.

Considerada una banda “Grunge” Alice in Chains es más bien una banda de rock oscuro, promovida por la imagen pesimista sobre las drogas y la muerte que siempre asomaba en las letras de Staley. Oculto bajo un sonido claramente deudor del metal, se encuentran las tristes y enfermizas letras que se alzan como estandartes de la generación X con lo que consiguen ser parte del Mainstream.

Aunque la banda nunca emitió ningún comunicado certificando su ruptura, se considera que ésta vino de la mano de la muerte de Layne Staley el 5 de abril de 2002, a causa de una sobredosis de speedball (combinación de heroína y cocaína), aunque su cuerpo no fue encontrado hasta el día 20 de abril. La muerte de su novia a causa de una endocarditis bacteriana en 1996 había sumido al vocalista en una profunda depresión que intentó combatir por medio de las drogas.

La muerte de Staley hizo que el segundo disco solista de Cantrell, titulado Degradation Trip, fuese dedicado a la memoria del fallecido cantante. De ellos, de Alice in Chains, nos quedan como tributo alguno de los mejores discos de la historia del Rock, Discos como Dirt de octubre de 2002 que contiene himnos como “Them Bones” o “Angry Chair”, o temas como “Got me wrong” elegido magistralmente por Kevin Smith en 1994 para la banda sonora de una de las mejores películas de la historia del cine, Clerks.

Amazing Disgrace

Cuarto Álbum de la banda de Seattle “The Posies”. Una de las bandas de powerpop más reconocidas de los años 90, con lp’s imprescindibles para la discoteca de todo amante de la buena música. Este disco, en concreto, es mi álbum favorito de Posies, aunque el más laureado, bien lo sabe maese chispi, es el Frosting on the Beater de 1993. Jon Auer y Ken Stringfellow, a los que veremos en directo la semana que viene, demostraron toda su madurez musical en esta entrega, regalando infinidad de registros y arriesgándose con algunos temas que acabarían siendo imprescindibles de esta maravillosa banda. Espero escuchar maravillas como Please Return It (mi tema favorito de the Posies), como Precious Moments o como Hate Song.

En 1996, Joe Bass al bajo y Brian Young (futuro batería del grupo neoyorquino Fountains of Wayne) a las baquetas se unen al grupo y se encierran en el estudio para dar vida al que sería el cuarto álbum de la banda, “Amazing Disgrace” (1996 – Geffen Records). En este disco, The Posies se adentran aún más en ese sonido más “sucio” que habían experimentado en “Frosting On The Beater”, llegando incluso a rozar el punk pop en algunos temas como por ejemplo “Grant Hart” o “Broken Record”. Además, en este álbum podemos encontrar desde canciones puramente pop como “Song No. 1” , hasta ejemplos de hard rock como “Throwaway”, que demuestran la versatilidad de Auer y Stringfellow a la hora de componer. Al igual que su predecesor, “Amazing Disgrace” fue acogido con buenas críticas, pero de nuevo volvió a fallar en las ventas, en parte por la falta de promoción de la compañía de discos que seguía presionando a la banda para que compusieran un éxito. Finalmente, Geffen Records acabó por rescindir el contrato que les unía al grupo. Un año más tarde, Stringfellow publicó el que sería su primer álbum en solitario “This Sounds Like Goodbye”.

TEMPORADA 2008-2009

Coldplay anuncia nuevo material en noviembre
El lanzamiento del nuevo single de lo último de Chris Martin y los suyos vendrá acompañado de sorpresas. Se trata de un nuevo EP que contendrá tres temas inéditos de la banda y que verá la luz el 10 de noviembre.
Chris Martin y los suyos han escogido Lost! como nueva muestra de su último disco, Viva la Vida, y cuyo publicación vendrá acompañada de tres temas más, que compondrán un EP que desde el próximo mes de noviembre tan sólo podrá adquirirse en formato digital.
El vídeo de su nuevo tema Lost!, dirigido por Mat Whitecross ya puede verse en la web del grupo, que hace unos meses anunciaba nuevo material para el invierno.

Lo nuevo de The Killers será ‘Day And Age’
La famosa banda de Las Vegas The Killers están a punto de terminar su tercer trabajo de estudio (si excluimos ‘Sawdust’) y ya ha dado a conocer cuál será su título: ‘Day And Age’.
El grupo liderado por Brandon Flowers actuó en varios festivales europeos, aunque ninguno español, en los que presentó en directo algunos de los temas de su próximo disco. Tras el lanzamiento de ‘Day And Age’, en el mes de noviembre, se espera que la formación vuelva de nuevo a Europa aunque, de momento, tan solo hay algunos rumores sobre sus posibles actuaciones.

Wes Borland, antiguo guitarrista de Limp Bizkit, es el nuevo fichaje de Manson para su grupo.
Wes Borland, conocido por haber sido el guitarrista y la imagen más impactante, con permiso de Fred Durst, de Limp Bizkit – aquel grupo de nu metal tan conocido a finales de los 90 -, es ya oficialmente el nuevo fichaje de Marilyn Manson.
El músico, que en estos últimos años ha estado trabajando con su propio grupo llamado Black Light Burns, se ha convertido en un miembro permanente de la familia Manson.
Borland se une así a Ginger Fish, Chris Vrenna, Manson y a Twiggy Ramírez (que ha regresado al grupo tras seis años trabajando en otros proyectos).
El polémico Brian Warner, líder de la formación, ya ha adelantado que el próximo álbum de la banda tendrá un sonido muy heavy y violento, y podría llegar a las tiendas de discos en diciembre.

Ya tenemos apartamento!!!

Por si no lo sabéis, los integrantes de Ritual de lo Habitual veraneamos juntos (triste pero cierto). Desde nuestro "Apartamento para tres" seguiremos con vosotros en la Onda Local de Andalucía cada semana.

Y para los que creíais que no seríamos capaces de encontrar un sitio, os anunciamos que nuestras gestiones van dando resultado. Si todo va bien, dentro de una semana comenzaremos a contar nuestras peripecias desde nuestro sitio de veraneo. Un apartamento que encierra multitud de secretos e historias. Aquí os dejamos una afoto del edificio.

Ritualpedia. Resumen del TOMO I.

Muchos han sido los artistas, canciones, conceptos, ideas, seres humanos, seres no humanos, fauna y flora que han tenido su particular hueco en nuestra Ritualpedia.

Una sección que ha tenido su primera edición en esta temporada de Ritual de lo Habitual que va tocando a su fin. Una sección que se nos ocurrió algún día de otoño, que nos ha mantenido entretenidos (a nosotros, y esperamos que también a vosotros), y que esperamos también haya servido para, en algunos casos, aprender, y en otros para recordar cositas del mundo de la música.

Han pasado por aquí, por nuestra particular enciclopedia de bolsillo términos como (en orden inverso):

ZAPP, ZYDECO y ZUTONS que han sido los últimos. Nos pusimos sesenteros con Yesterday, Ye-ye, y eufóricos con Yeah!. Algo nostálgicos con nuestra Generación X. Afilamos las guitarras con el eterno riff de Welcome to the Jungle, practicamos con un Wah-Wah que nos habían prestado los Weezer para acercarnos al sonido Hendrix en Voodoo Child, que se grabó en nuestro querido Vinilo, y que no tiene Video Clip (que yo sepa).

Maese Chispi nos trajo un UKELELE en la letra U, y se empeñó en tocar algo URBAN, que acabó sonando más bien a U-ROY.

The Smiths compartieron letra con gente que seguro que no habría otra forma de que coincidieran, como Tenacius D o los legendarios Iron Maiden con su The Number of the Beast.

La S se me atragantaba cuando leía aquellas líneas que la convertían en Z, por ahí aparecieron el Sampler, el clásico Sex, drugs and rock’n’roll y otro clásico de nuestros días, Smells like teen Spirit.

Ramones compartieron cartel con REM y con Rammstein en un festival donde bien podían haber estado QUANNUM PROJECTS, DJ Q-BERT, o QUEENS OF THE STONE AGE.

Pearl Jam miraban desde la P de reojo a Public Enemy preguntándose que tendrían en común los rockeros y los raperos. La respuesta vino casi sola en la tercera P, que no era otra que la Poesía.

Actuaciones estelares de nuestra Ritualpedia fueron sin duda OLVIDO GARA, que sigue igual… de bajita, ORCHESTRA BAOBAB, o los incansables corredores de cinta estática OK GO.

Rendimos pertinente tributo al Nevermind, más vivo que nunca. Un disco que seguro alguna vez escucharon Nada Surf y que todos llevamos encima gracias al MP3.

No faltó McCartney, ni las imprescindibles Maquetas en la letra M.

JOHN LYDON, que bien podría haber grabado para LUAKA BOP con LED ZEPPELIN algún tema de Kiss al estilo KoRn y que a buen seguro no se hubiera parecido en nada al Killing Me Softly… o quizás si??

Janis Joplin compartió letra con Johnny B. Goode y con Jane’s Addiction, padrinos sin saberlo de nuestro particular y semanal Ritual de lo Habitual.

En la I sacamos al INDIE que todos llevamos dentro (aunque algunos no lo reconozcamos en público). Maese Chispi nos descubrió el ILLBIENT y remató con otro imprescindible IAN DURY & THE BLOCKHEADS.

Disfrutamos una vez más con los HEROES DEL SILENCIO, después de que se forraran con su gira de reunión, y nos acercamos al HARD ROCK pasando por otro de los himnos generacionales, HEROES de Bowie.

En la G se me volvió a ver el plumero con Grunge, palabra que llevaba dentro y que emparejé con Gangsta y con los cada vez más redundantes premios Grammy.

La música y sus instrumentos. Tributo no publicitario a la leyenda de las FENDER, toque exótico con el FAVELA FUNK y obligada parada en FOO FIGHTERS.

Dos caras tuvo la letra E, la de Elvis y la de su versión más friki ElVez, los dos a bordo del Enola Gay.

En la D, un hombre que se apellida Zimmerman, Dylan (Bob), con un Disc Jockey en las ya míticas Desert Sessions, donde no hubiera venido mal un CAJÓN FLAMENCO, instrumento de origen peruano que bien pudiera utilizarse para hacer CRUNK con versiones de los CLASH.

Y terminamos por el principio, con un Bajo que se trajo Félix, instrumento que apenas se escucha en el Black Album de Metallica y que tenía forma de violín en los Beatles. Un bajo que bien podríamos haber enchufado a nuestro Amplificador de la letra A. Para tocar los acordes (tres) de algún temazo de AC/DC en una atmósfera cargada de humo y Alcohol.

Así terminamos lo que empezamos, y hablando de alcohol, esperamos que la Ritualpedia no os deje resaca y que tengáis ganas de más.

FIN DEL TOMO UNO. CON EL DOS GRATIS LAS TAPAS Y LA PRIMERA PIEZA DEL COLECCIONABLE “MONTA TU MINIESTUDIO DE GRABACIÓN CON PALILLOS DE DIENTES”.